Steppenwolf

STEPPENWOLF:

Lidereados por John Kay, el grupo Steppenwolf, se formo en Los Ángeles, en el año 1967. John ya había adquirido cierta experiencia en Canadá, en un grupo llamado Sparrow.
La música del grupo marcó dentro del rock lo que fue un comienzo al heavy metal, pues el sonido de las guitarras era característico en sus temas, además el tema “Born To Be Wild” de 1968 y las letras de sus canciones fueron claramente lo que dio paso a la aparición de grupos como Led Zeppelin. Entre 1967 y 1974 disfrutaron de popularidad y aceptación, obtuvieron 8 discos d oro, vendieron mas de 25 millones de discos y doe de sus trabajos quedaron incluidos dentro del hot-100.
Sus letras hablaban de la guerra y de que las ciudades eran junglas, esto rápidamente se esparció por todo el país.
Temas como “Magic Carpet Ride”, “Move Over”, “Rock Me”, “Hey Lawdy Mama” y otros mas dejaron entrever ese sonido sicodélico del grupo, que sirve para establecerlos entre los grupos insignes de esa línea musical que mas tarde se convertiría en heavy metal.
Cuando el grupo apareció, el éxito y su credibilidad no se hicieron esperar, pues rápidamente demostraron calidad dentro de esa línea agresiva y energética que ellos impusieron y lograron que muchos de sus sencillos se colocasen muy bien en las listas de popularidad.
Su primer LP en 1968 fue un trabajo magnifico y aquí destacaron títulos como “The Ostrich”, “Desperation” y “Everybody`s Next One” son ejemplos claros de un buen inicio, aunque los primeros en aparecer fueron “A Girl I Knew” y “Sookie Sookie”, un inicio acertado, aunque en el tercer sencillo estaba el éxito definitivo con “Born To Be Wild”, trabajo que los identifica y catapulta a la fama al lograr llegar al número dos en las listas americanas y vender más de un millón de copias, esto para agosto de 1968.
Sus posteriores trabajos también corrieron con buena suerte y en 1969 publican “Monster” otro trabajo de mucha calidad y dando rienda suelta a trabajos que hablaban de política y guerra; pero aun faltaba mas y es en 1970 con “Steppenwolf 7” donde dan rienda a ese estruendoso sonido de sus guitarras que sirve para definitivamente adentrarlos en ese mundo inexplorado y es aquí donde incluyen “Snowblind Friend” un trabajo de letra antidroga. Este álbum no tuvo mucho éxito; pero sus letras mostraban la seriedad de sus trabajos. La banda inicialmente estuvo integrada por el guitarrista Michael Monarch en la guitarra, Rushton Moreve en el bajo, Goldy McJohn en los teclados, Jerry Edmonton en la batería y John Kay líder vocalista; pero en el transcurso de los años varias sustituciones fueron realizadas.
En 1972 Steppenwolf, tras la aparición de “For Ladies Only”, otro trabajo de critica a la política se desbandan y John Kay continúo solo su carrera.
En 1974 John creo una nueva agrupación bajo el mismo nombre con la que realizó giras musicales, donde incluía los temas más exitosos de la agrupación original y algunos trabajos nuevos; pero mas tarde se disuelven para en 1980 reagruparse; pero muy alejados de lo que ofrecieron en sus inicios no logran éxito y una vez mas se separan.
De todas formas Steppenwolf siempre será recordado por las generaciones como uno de los grupos que agrego gasolina al fuego del rock.

Lindomar Castilho

LINDOMAR CASTILHO:

Lindomar Cabral Castilho, el conocido cantante brasileño bajo el seudónimo de Lindomar Castilho, nació el 21 de enero de 1940 en Rió Verde y desde niño por influencia de familiares músicos se interesó por este campo y en el colegio salesiano donde estudiaba, aprendió violín y piano.
Sus estudios continúan y ya estando en la facultad de derecho, es que se decide a cantar públicamente, mientras tocaba el violín en fiestas universitarias. En 1963, tras ser descubierto por un ejecutivo, es invitado a presentarse para la grabación de un disco y esto sucede con la ayuda del director del sello Continental. En este primer trabajo interpreta temas de Vicente Celestino y el trabajo es nombrado “Cançőes Que Näo Se Esquecem”.
Por estos días aparece su primer tema propio que tenia por titulo “Aleluya ao amor” y en 1969 aparece el éxito “Ebrio De Amor”, trabajo que le da gran satisfacción pues con el logra varios discos de oro. Este fue su cuarto disco de larga duración, era para la RCA Víctor buscando el mercado latinoamericano y aparecía tras dejar el su carrera de abogado y su pasión por el futbol a un lado para decidirse por la música.
Entonces realiza algunas grabaciones en español, de aquí destacan “Voy A Rifar Mi Corazon”, “Mamarracho”, “Corazón Vagabundo”, “Yo Amo A Tu Mama” y finalmente un LP titulado “Eres Loca De Verdad”. Con estos trabajos se convierte en un ídolo musical, realiza varias galas por Latinoamérica y finalmente se le comienza a llamar el ídolo de las Américas.
Mas tarde y también con RCA Víctor publica nuevos trabajos como “OFilho Do Povo” y “O Incomparable Lindomar Castilho”.
Después de veintisietes discos de larga duración, ventas elevadas, apariciones en radio, televisión y varios espectáculos en vivo, se ve envuelto en un asesinato donde fallece su ex-esposa. Este incidente trunca su carrera y es condenado a doce años de prisión; pero en 1988 recibe libertad condicional después de su buen comportamiento.
En el 2000, a pedidos de su hija, retoma su carrera musical y graba para Sony el trabajo “Lindomar Castilho Ao Vivo”.

Los Zignos

LOS ZIGNOS:

En el año 1966 aparece el grupo Los Zignos y se originan en la ciudad Acuña. Su primera actuación la realizan en un bar llamado Acapulco; pero su deseo de llegar lejos los lleva a Ciudad de México y para 1967 ya eran una gran atracción musical en el sitio donde realizaban su actuación.
Dado el buen gusto musical y la calidad que exhibían son contratados para un espectáculo de televisión. Aquí además de interpretar sus propios trabajos, también acompañaban a otros artistas que se presentaban en el show.
En noviembre de 1967 firman un contrato con la RCA Víctor y graban su primer disco donde incluyen temas originales. De aquí pasan al cine, aparecen en la película “Báñame De Amor” y mas tarde la casa disquera les pide que acompañen a Roberto Jordán.
Ya convertidos en favoritos de la juventud luchan junto a grupos como Los Yaki o Los Dug Dug y durante 1968 y 1969 graban sus últimos trabajos.
La agrupación estuvo formada por Raúl Aguirre (armonía y voz), Manuel Rodríguez (bajo y voz), Rolando Orozco (requinto y segunda voz), José Luis Burciaga (primera voz) y José Carlos Hernández (batería)
Entre sus trabajos propios están “El Hombre Sin Origen”, “Amo A Mi Novia” y “El Escritor Criminal” por mencionar algunos.

The Spencer Davis Group

THE SPENCER DAVIS GROUP:

En 1963, en Gran Bretaña apareció el grupo The Spencer Davis Group, una agrupación que logró en su corta carrera tres importantes trabajos, lo que lo acreditan como una de las bandas mas convincentes que formaron la invasión británica y lo hicieron dentro del R&B.
El guitarrista rítmico y vocalista Spencer Davis (julio-17-1942) formó la agrupación con Steve Winwood (mayo-12-1948) en el órgano, guitarra líder y voz principal, su hermano Muff Winwood (junio-15-1943) en el bajo y Peter York (agosto-15-1942) en la percusión.
En 1964 aparece su primer trabajo, “Dimples” un cover que tuvo buena aceptación. Mas tarde también con otros covers como “Every Little Bit Hurts” y “I Can`t Stand If”, logran demostrar que eran una de las mejores bandas del R&B, aunque lograban ser muy comerciales
El primer gran éxito fue “Keep On Running” en 1965 y llegó hasta el primer lugar de las listas inglesas.
En marzo de 1966 con “Somebody Help Me” logran dar otro gran golpe comercial y con calidad, trabajo que serviría para seguir consagrándolos dentro de la música negroide
Sus siguientes grabaciones lograron éxito como su disco “Autumn” que se convertía en su tercera larga duración y aparecía en 1966.
Después llegaría “Gimme Some Loving”, que tuvo un gran éxito y finalmente apareció “I`m A Man”, ambos trabajos se convirtieron en disco de oro por sus grandiosas ventas de mas de un millón de copias.
En 1967 el éxito cruzó el océano; pero nunca realizaron presentaciones en Estados Unidos y finalmente Steve Winwood deja la banda para formar Traffic, de aquí en adelante se realizaron varias sustituciones; pero continuaron grabando algunos trabajos que no tuvieron gran relevancia, en 1968 “After Tea” se convirtió en un hit de cierta importancia; pero no lo suficiente para regresar a la popularidad que habían logrado, hasta que finalmente se desintegran.

Salvatore Adamo

SALVATORE ADAMO:

Salvatore Adamo nació en Comiso, Sicilia, Italia, el primero de noviembre de 1943, pero su familia se traslado a Bélgica cuando el contaba con apenas tres años, muchos fueron los esfuerzos de su padre por dar a su hijo la mejor educación porque ya había notado su inteligencia y en sus años de estudiante despertó su interés por la música, entonces aprende a tocar guitarra. Como estudiante aprovechaba las reuniones escolares para cantar; pero sus padres lo ayudaron para que llegara a ser profesional.
En el año 1960 se presenta en un concurso en la emisora Radio Luxemburgo y lo hace como compositor y cantante con el trabajo “Si J`osais”, logrando ganar la final en la ciudad de parís el 14 de febrero de ese mismo año.
En 1963 con “Sans Toi, Ma Mie” logra éxito en Bélgica, logrando llegar al primer lugar. Entre 1963 y 1964 aparece su primer álbum que incluía “Tombe La Neige” y “Vous Permettez, Monsieur” su popularidad se internacionaliza quedando demostrado su talento como compositor e intérprete lo que hacía de Adamo un artista completo, su popularidad llega a Holanda, Luxemburgo y finalmente a Francia donde en 1965 se presenta en el Olimpia, recibiendo los mayores aplausos dado en ese centro, conquistado Paris quedaba conquistado el resto del mundo y sus temas en español lo hicieron popular en Latinoamérica y España. Entre esos trabajos están “Cae La Nieve” (Tombe La Neige), “Tu Nombre” (Ton Nom), “Un Mechon De Cabellos” (Une Meche De Cheveux), “La Noche” (La Nuit), “Mi Gran Noche” (Tenez-Vous Bien), “Mis Manos En Tu Cintura” (Mes Mains Sur Tes Hanches), “Porque Yo Quiero” (Car Je Veux), “Ella” (Elle), “Inch`allah” y “Es Mi Vida” (C`est Ma Vie) entre otras y con estos mismos trabajos lograba popularidad en otros países.
Su pasión por la música y una calidad vocal teñida de emoción han hecho de Salvatore Adamo uno de los cantautores mas acertados poética y comercialmente en Europa y el mundo. Jacques Brel lo bautizo como “El Jardinero Del Amor”, por la facilidad de crear letras de escenas cotidianas.
Su influencia musical esta en los versos de Victor Hugo, la música de Georges Brassens, Jacques Prevert, el tango y la canción italiana.
En la década de los sesenta logra alcanzar la cumbre poética y después de vender más de noventa millones de discos en todo el mundo, se puede apreciar su gran aceptación mundial. Durante la década de los sesenta sus ventas de discos eran solo superadas por The Beatles, además de ser comparado con la figura de Charles Aznavour.
Es considerado un poeta dentro de la canción y aun continua su carrera, trabajando con en el mismo amor de sus inicios, sin disminuir la calidad y dando lo mejor de si.
Su aparición en el Festival Viña Del Mar entre los años 1982 y 2004 le valió para adjudicarse varias antorchas y gaviotas de plata y oro.

Lolita

LOLITA:

Indiscutiblemente la vida de Lolila está marcada por el mundo artístico donde creció. La amistad de sus padres con la farándula española e incluso la amistad sostenida con artistas de la talla de Aydrey Hepburn, Ava Gardner y Frank Sinatra y rodeada de viajes, teatros, cine y música lograron que desde pequeña ese gusanillo artístico se incubara en su cuerpo y a la edad de cinco años apareció en el cine en una película titulada “La Gitana Y El Charro” y aunque en su juventud declaraba ser tímida e incluso pensó en ser azafata, no pudo escapar de lo que era interiormente y finalmente se decidió por la música.
Dolores González Flores, nació en Madrid el 6 de mayo de 1958 y es la mayor de tres hermanos y la fiesta de bautizo estuvo matizada por rumbas, música y guateque. Desde niña, rodeada de la farándula y el ir y venir de su madre Lola Flores hizo que creciese al cuidado de su tata Dioni; pero en ocasiones era incorporada a algunas giras de su madre, donde hacia reír a los presentes con las imitaciones que realizaba de Lola.
Desde joven tuvo amistad con Marisol y tal vez esto finalmente hizo que finalizado sus estudios de bachillerato, dejara los estudios por el arte y con su voz aguda, de amplia textura y eso si mucha garra comenzó a recorrer España con su voz y hasta cruzó el Atlántico para darse a conocer en Hispanoamérica, rechazando ofertas de desnudos e incluso tuvo tiempo para componer algunos temas.
El primer tema grabado fue “Mi Carta” de su inspiración y su primer disco apareció en 1977. Al siguiente año se publica su segundo trabajo discográfico, titulado “Esperame”; pero hubo que seguir esperando, pues aunque en el disco aparecieron temas de Perales, Manuel Alejandro y Juan Gabriel no tuvo el éxito que deseaba e incluso en su patria su carrera se estancó; pero si logró despegar fuera de ella, grabando temas que ni siquiera se escucharon allá.
La década de los ochenta continuo con su carrera fuera de España, donde recibió numerosos premios y entre sus amores y fracasos hasta que finalmente se casa con un argentino y sentimentalmente se estabiliza; pero musicalmente no lograba la aceptación que se esperaba. Después de otro receso musical por el nacimiento de su hija, parte fuera de su país para recoger los triunfos del disco “Locura De Amor”.
Finalmente en España logra el éxito, pero no fue fácil pues tuvo que luchar mucho, parece que la cruz de ser hija de Lola Flores es pesada; pero ella supo llevarla con dignidad hasta que logró por ella misma quitarse esa carga de encima y convencer a sus paisanos de su calidad artística. Además de sus éxitos como cantante, como actriz también ha sabido ganar meritos y eso lo demostró en el 2002 con su interpretación en “Rencor” donde fue galardonada como mejor actriz revelación del año lo que le valió un premio Goya, después aparecería en “Ana En El Trópico”, una obra de teatro que recorrió España entre el 2005 y 2006 con gran aceptación del público y muy bien calificada por la crítica. Como presentadora se estreno en 1992 junto a su madre lo que muestra su gran talento artístico en varias facetas. Entre otros trabajos de cine y televisión están “Academia De Baile Gloria” en el 2001, “La Sopa Boba” en el 2004 y “El Internado” en el 2007 por solo mencionar algunos. Musicalmente en el 1997 tuvo un sonado éxito en España con “Atrasar El Reloj” y en el 2001 con “Lola, Lolita, Lola” que le sirvió para un disco de oro.

Los Catinos

LOS CATINOS:

El grupo Los Catinos se formó en la ciudad de Barcelona y al igual que sus coterráneos Los Mustang se dedicaron a realizar versiones de temas extranjeros de todo tipo. Al inicio de su carrera se titulaban Los Ticanos y en 1963 apareció su primera grabación. Para esta fecha la agrupación estaba formada por Manolo Vehi Fernández (17 de abril-1936-Barcelona), como vocalista, José Antonio Muñoz Fortes (29 de diciembre-1939-Mérida) en el bajo, Manuel De Los Ojos Prieto (19 de febrero-1941-Barcelona) en el piano y el órgano y quien sustituyo a Jordi Casas Valls, Marcelo Pinilla Marín (31 de diciembre-1945-Barcelona) se encargaba de la guitarra y Fernando Luna Figueras (19 de febrero-1942-Barcelona) en la batería y como muchos otros grupos ellos también sufrieron cambios en su alineación original.
En los inicios de su carrera sus versiones fueron principalmente de temas italianos y franceses y a diferencia de Los Mustang lo hacían tanto en español como en su idioma original. De esos años son “La Tramontana”, “Llama Tres Veces”, “Corazón Loco” y “Deborah”, entre otras.
La discográfica del grupo es extensa; pero nunca lograron el éxito total, aunque si lo suficiente para aparecer en algunas publicaciones especializadas de aquellos años. Durante los años 1963 y 1966 grabaron para la casa Vergara y después entre 1967 y 1973 pasaron para Belter. Como verdaderos competidores de Los Mustang, grabaron temas como “San Francisco”, “El Mundo”, “Mi Vida” y “La Leyenda Del Xanadu”, como para acrecentar la competencia.
Tras su desaparición, en la década de los noventas se reúnen y graban un nuevo trabajo y comienzan a presentase frecuentemente en la ciudad de Barcelona haciendo recordar la época dorada del pop español.
Verdaderamente Los Catinos no lograron un puesto equiparable a grupos de marca discográfica o de grandes ventas, en ocasiones ocuparon páginas centrales en la revista Fans.
Algunos de sus temas lograron trascender el Océano Atlántico llegando a algunos países de Latinoamérica como ese tema que en ocasiones aun se deja oír titulado “Se Oculta El Sol” y también una excelente versión que realizaron de “Rogaré”.
En 1991 la agrupación reapareció en la ciudad de Barcelona y se han mantenido activos una vez más.

Oliver

OLIVER:

William Oliver Swofford, quien se dio a conocer en el mundo de la música como Oliver, nació el 22 de febrero de 1945, en el estado de Carolina Del Norte, Estados Unidos.
Decidido a entrar en el campo musical, cuando estudiaba en la universidad se integra primero a The Virginians y después The Good Earth donde adquiere alguna experiencia para después de finalizados sus estudios, se inicia profesionalmente y el éxito aparece rápidamente, esto en julio de 1969 con el tema “Good Morning Starshine”, tema que formo parte de la opera rock “Hair”. El éxito tan repentino estaba asegurado por lo controversial para su época. El espectáculo de Broadway, es llevado al cine y esto sirve para aumentar la popularidad y logra ser uno de los discos mas vendidos en ese año y en las listas del Bllboard alcanza el tercer lugar. En agosto ya era disco de oro.
En octubre del mismo año y con el uso de la misma formula, logra con “Jean” de el film “The Prime Of Miss Jean Brodie”, escalar al segundo lugar en los chart norteamericanos, logrando otro disco de oro y apareciendo en la televisión e incluso en el show de Ed Sullivan con mucha aceptación popular.
En diciembre, también en 1969, con el tema “Sunday Mornin” entra entre las cuarenta principales y en abril del siguiente año “Angelica” es menos comercial y los resultados ya no son iguales.
Es ascenso vertiginoso y con temas comerciales, hace que para 1971 su popularidad disminuya y finalmente desaparece de la escena, entonces se dedica a cantar en Broadway y finalmente se dedica a su propio negocio.
En la década de los noventa, junto a Paul Anka y Captain & Tennille, su nombre regresa a la palestra pública; pero en esta ocasión es cuando se publican las listas de las cien peores canciones de los últimos veinte cinco años y ellos aparecen en esa lista con más de un tema. En esta lista también aparecieron nombres como los de Mick Jagger, Paul Mc Cartney y Stevie Wonder.
Jocosamente alguien comento que un crítico escribiendo acerca de la música, es como un cojo escribiendo acerca del calzado.
El 13 de febrero del 2000 Oliver falleció después de ser diagnosticado de cancer y con reconocimiento o no su música logro escalar muy alto y la juventud de esa época supo disfrutarla al máximo.

Steely Dan

STEELY DAN:

Casi en su mayoría, las bandas de rock and roll se desarrollaron en sitios nocturnos y garajes de la ciudad donde residían; pero para Steely Dan fue diferente a la mayoría, pues Walter Becker y Donald Fagen y tal vez fue por su sonido diferente, sofisticado y autentico, ya que daban melodías accesibles; pero de armonías complejas y esto fue lo que los empujo directamente al estudio de grabaciones y con la ayuda del productor Gary Katz cambiaron sus proyectos y se convirtieron en una banda con músicos profesionales y después de 1974 comenzó su popularidad, aunque ya existían desde 1972. La banda logra ser conocida por su fusión de diferentes ritmos musicales como jazz, rock, funk, r&b y pop. Durante 1972 y 1974 realizaron varias giras, hasta que en 1975 se convirtieron en una banda de estudio y empleaban músicos de sesión hasta que en 1981 decidieron tomar caminos diferentes.
Durante la década de los setenta su ascenso fue notorio e incluso después de 1981 cuando se disolvieron, su música continua en el gusto popular y fue tal su éxito que se vieron en la necesidad de retornar a la música para satisfacer a ese publico sediento de sus éxitos y en la década de los noventa reaparecieron.
Durante sus años de popularidad sus discos se vendían como pan caliente y sus sencillos parecían estar pegados en las listas de éxito y casi siempre entre los primeros.
Walter se ocupaba del bajo y Donald además de vocalista se ocupaba del órgano y ambos se conocieron en la ciudad de New York, mientras asistían al Bard Collage en 1967 y comenzaron en otras agrupaciones. Ambos soñaban con ser compositores profesionales y comenzaron componiendo para otros artistas y lo hacían bajo seudónimos. Cabe destacar que entre los artistas para los que compusieron, esta la reconocida Barbra Streisand.
El primer trabajo de Steely Dan fue titulado “Can`t Buy a Thrill”, un trabajo totalmente comercial y que rápidamente llego a las listas de éxito con sus sencillos “Do It Again” y “Reeling In The Years”, el primero escalo hasta el lugar 6 y el segundo al 11. En el siguiente año publican “Countdown To Ecstasy”, que no tuvo el nivel comercial del anterior; pero aquí están dos trabajos “Show Biz Kids” y “My Old School” considerados clásicos de la banda.
“Pretzel Logic” en 1974 alcanzo buenos sitios en las listas de popularidad y en 1976 el lp “The Royal Scam” y su sexto larga duración “Aja” sirvieron para mantener la cadena de éxitos que habían logrado. Para esta fecha se habían volcado mas al jazz y llegaban al tope de su carrera.
Como muchas agrupaciones los integrantes no duraban mucho tiempo y ellos optaron por utilizar la compañía de músicos de estudio.
Como otras agrupaciones, ellos también realizaron apariciones y presentaciones en la televisión y en varias ciudades y en ocasiones esto estropeaba el éxito, pues no tenían la oportunidad de entrar en los estudios de grabación.
Después de algunos años de popularidad, en el verano de 1981, anuncian su ruptura y cada cual toma su rumbo; pero sin alcanzar el éxito logrado dentro de Steely Dan y después de algunos intentos de parte de Fagen, deciden reunirse en la década de los noventa y reaparecer con nuevos bríos ya que reaparecieron con nuevos trabajos y no como otras agrupaciones que regresan repasando sus trabajos anteriores.

Leonardo Favio

LEONARDO FAVIO:

Leonardo Favio, cuyo verdadero nombre es Fuad Jorge Jury, nació el 28 de mayo de 1938, en la localidad de Lujan De Cuyo, provincia de Mendoza, Argentina y después de una niñez y adolescencia bastante agitada, debuta como actor y trabaja muy estrechamente junto a Leopoldo Torres Nilsson, una de las personalidades mas importante dentro del cine argentino.
En 1957 debuta en el film “El Ángel De España”, dirigida por Enrique Carreras, esto en 1957. Continua adquiriendo experiencia actoral y reaparece en “El Secuestrador” y mas tarde en la película “El Jefe”. También destaca como director de cine en películas de alto nivel, como “Crónica De Un Niño Solo”, “El Romance De Aniceto Y La Francisca” y “El Dependiente”. Este ultimo trabajo cinematográfico, le ocasiona ciertos problemas económicos y decide incursionar en el canto, debutando como cantante melódico en 1968 con el tema “Fuiste Mía Un Verano”. Su voz intensa y muy peculiar lo lleva a batir record de venta y en 1969 aparece como protagonista en la película del mismo nombre.
Entonces aparecieron éxitos como “Quiero Aprender De Memoria”, “O Quizás Simplemente Te Regale Una Rosa” y “Ella Ya Me Olvido”, de su propia inspiración destacando también como compositor. Muchas de sus letras se han traducido a varios idiomas y han sido interpretados por muchos otros vocalistas de corte romántico.
Favio realiza un patentices dentro del canto para dedicarse mas al cine y entonces dirige “Juan Moreira”, “Nazareno Cruz Y El Lobo” y “Soñar, Soñar”.
En 1976 abandona su país natal debido a la férrea dictadura imperante, realiza varias presentaciones por el continente americano y se establece en México durante un par de años. Finalmente se traslada a Colombia y ahí establece su centro artístico, pues para esos años muchos países reclamaban su presencia.
En 1987 regresa a su natal país y reinicia su trabajo en el cine con “Gatica, El Mono” y paralelamente continuaba en el canto; pero en presentaciones de menor duración, pues el cine le tomaba mucho mas tiempo.
Durante 1996 y 1999 realizo un documental de seis horas de duración bajo el nombre de “Perón, Sinfonía Del Sentimiento”, donde relata muchos hechos ocurridos en Argentina entre la primera guerra mundial y la muerte del general Perón.
En el año 2000, comienza el recorrido de su espectáculo musical “Romántico A Morir” obteniendo un éxito notable e impulsándolo a presentarlo en otros países. Aquí se entremezclan temas nuevos y de sus inicios con otros de letras extrañas y mas alejadas de su acostumbrado estilo como es el caso de “Vida, Pasión Y Vuelo De La Abuela Zenaida”, que tiene una duración de quince minutos donde la mezcla musical y teatral se convierte en una magia que cautiva al público presente.

Los Yaki

LOS YAKI:

En México el rock estuvo lleno de contradicciones por parte de sus seguidores, hasta que en el año 1966 surgió la división entre sus intérpretes. Por un lado estaban los que continuaron con la costumbre de copiar canciones extranjeras y por otro los que optaron por sus propias composiciones.
Los del primer grupo fueron muy numerosos aunque pocos lograron triunfar y uno de los grupos que tuvo mayor éxito fue los Rockin Devils, esto fue en la segunda mitad de la década de los 60, que junto a grupos como Los Apson y Los Hooligans entre otros que acapararon la atención de la juventud.
Ya para 1966, apareció en el escenario musical del rock otro grupo que dio mucha batalla por su estilo agresivo, y estos fueron Los Yaki, grupo procedente de Reynosa, que se formaron en 1966 y hasta 1970, fecha en que dejaron de existir, lograron grabar 9 LP. La mayoría de los temas que grabaron fueron los llamados covers, como se les denominaba a las canciones en ingles cuando eran traducidas al español y por esta vía lograron entrar a la competencia y colocarse entre los favoritos del público en México y hasta fuera del país.
Entre los integrantes del grupo estaban Alfonso Ascencio en la guitarra, Marcos Lizama en el órgano, Manuel Gazcon en el bajo, Miguel Ibarra en la batería José Luis Gazcón en la guitarra y vocalista y Benito (Benny) Ibarra también como vocalista.
Entre los éxitos de Los Yaki destacaron temas como “Recargado En Un Farol”, “Sonia”, “Tu Y Yo”, “Barrio Pobre”, “Murmullo De Amor” y el bolero “Cenizas”.
En el aňo 1968 se hizo más difícil triunfar con los llamados covers y muchos de estos grupos dejaron de existir, dando paso a otros que ya incluían temas propios y que se estaban gestando desde aňos anteriores; pero con mucha dificultad para sobresalir; pero Los Yaki destacaron como los mas populares y además de aparecer en televisión incontables veces, también se vieron en el cine participando en varias películas.

The Shadows

THE SHADOWS:

El grupo instrumental The Shadows se formo en Gran bretaña comenzando la década de los sesenta y su aparición sentó pauta para muchos guitarristas, pues en su formación estaba el estupendo y magistral Hank B. Marvin; pero que pocos fueron capaces de reconocer. Además el grupo también sirvió de cabecera a los pocos grupos que siguieron esta línea. Originalmente además de su estrella Hank, el resto de la formación original fue Bruce Welch en la guitarra, Terry “Jet” Harris en el bajo y Tony Meehan en la batería. El trabajo del grupo era sencillo y simple, pues después que la guitarra de Marvin suministraba la melodía, el resto se encargaban de poner el fondo, una formula mágica y triunfadora que los mantuvo por varios años dando temas de extrema calidad y muy bien aceptados por el publico.
Inicialmente el grupo acompañaba a Cliff Richard; pero tras la separación de este para emprender su carrera en solitario ellos se dedicaron a la música instrumental, aunque continuaron acompañándolo en sus presentaciones y fue a la vez una respuesta al grupo norteamericano The Ventures; pero mostrando un sonido limpio, metálico y brillante.
En 1960, exactamente el primero de julio, aparecieron ocupando el primer lugar con su clásico “Apache”. La imagen del grupo era diferente al resto, pues exhibían calma, pulcritud y uniformes, todo esto en contraste con la furia existente del beat y el R&B de la época. The Shadows logró hacer competencia con los grupos de la época y también dominaron el arte de las coreografías que se imponía como moda en las apariciones en vivo.
Ellos no conformes con el éxito inicial, realizaron otros trabajos que también llegaron al hit-parade y como ejemplos están “Man Of Mystery” también en 1960. Al siguiente año repitieron con “F.B.I.”, “Frightened City”, “Kon Tiki” y “The Savage”
En el año 1962 reaparecen con “Wonderful Land”, “Guitar Tango” y “Dance On”. Durante varios años el grupo se mantuvo en el gusto popular, independientemente de los cambios de algunos de sus integrantes para finalmente en 1968 dejar de existir, dejando en claro que su fecha de caducidad no existe y como muestra esta su reaparición en 1970 logrando llegar una vez mas ir a las listas de popularidad.
En las décadas posteriores se han visto en ocasiones realizar algunas presentaciones e incluso han llegado a grabar, lo que los hace perdurables aunque en ocasiones. En el Reino Unido fue la primera banda en emerger por derecho propio después de acompañar a un vocalista y llegar la separación y también fueron pioneros en ser el clásico cuarteto de banda de rock, las dos guitarras, el bajo y la batería. Desde finales de la década de los cincuenta y hasta 1963 dominaron la escena musical inglesa. Su sonido característico se originaba de una guitarra americana fender, amplificadores ingleses vox y el eco creado por meazzi echomatic tape binson de disco magnético

Riccardo Del Turco

Riccardo Del Turco nació en la ciudad italiana de Florencia en 1941 y ya en 1961 iniciaba su carrera artística con presentaciones en su ciudad y los alrededores. Mas tarde paso ser vocalista en la Orquesta De Ricardo Rauchi. En 1963 después de un pequeño giro a una línea romántica logra cierto renombre con el tema “Mi Hanno Detto Che”.
Posteriormente con el tema “Nuestra Casa” logra reconocimiento dentro del mundo de habla hispana y en 1967 edita “Uno Tranquillo”, tema que describe la personalidad del cantante que nunca quiso abandonar su ciudad natal y se mantuvo alejado de las mecas italianas de la música como son Milán y Roma.
En 1968 con “Luglio” gana la edición del Disco Per L`Estate, una carta de triunfo que amplio su popularidad y horizontes musicales.
En 1969 después de grabar “Cosa Hai Messo Nel Caffe”, se ausenta de los estudios de grabaciones y no es hasta la década de los ochenta que se presenta en San Remo.
Con una discografía no muy extensa, no deja de ser uno de los cantantes italianos de mayor arraigo popular, tal vez provocado por ese encierro en su ciudad natal.

Karina

KARINA:

Karina inicio su carrera musical en 1963 y rápidamente se hizo del primer lugar femenino dentro de la nueva onda musical que surgía. Sus competidoras optaron por el cine, la televisión o simplemente por la fuerte competencia optaron por el retiro temprano.
Karina desde sus inicios con su figura infantil, dio una imagen de chica ingenua y esto junto a su figura pasa a ser la chica ye-ye por excelencia. Era admirada y muchos jóvenes la deseaban como novia. Sus primeras incursiones en la televisión fue en 1960 en el programa Escala Hi-Fi, donde los participantes cantaban con play-back.
Su inicio fue con el grupo Los Pekenikes en 1963, después apareció en varios festivales de música, hasta que en 1965 se alzó con el triunfo en un festival efectuado en Mallorca y con el trabajo “Me Lo Dijo Pérez”, del argentino Alberto Cortez, después aparece “La Misma Playa”. En 1965 destacaría con “Muñeca De Cera”, con ventas que la llevan por primera vez a las listas de éxito
En 1966 con el tema “Concierto Para Enamorados” triunfa en España e Hispanoamérica y de aquí en adelante con su estilo desenfrenado, permaneció en la cumbre durante diez años. Sus temas musicales se escuchaban en la radio sin parar y aunque eran frescos y sencillos colaboraban con esa imagen juvenil, aunque no se pudo negar que tenía calidad y no fue una improvisada. Sin sombra ni competencia le fue fácil ocupar su lugar de honor que se ganó casi desde su aparición. Durante sus años de éxito vendió todo lo que grabo y en grandes cantidades, en sus años de infancia fue fiel seguidora de Elvis Presly, Neil Sedaka, Brenda Lee y The Beatles. Tanto fue el éxito adquirido que en 1967 aparece en el cine en el film “Los Niños Del Preu” donde acompañada de Los Pekenikes interpreta dos de sus trabajos. Este logro cinematográfico la lleva de vuelta al cine con “El Libro De La Magia”; pero en este caso el acierto es poco. De este año es “Romeo Y Julieta”.
Realmente su nombre era Maribel Llaudes y había nacido en Jaén, el 4 de diciembre de 1945. A toda hora era sonrisa, aparentando sinceridad y simpatía.
En 1968 entra alto en las listas de popularidad con “Las Flechas Del Amor” y “La Fiesta”, en 1969 “El Baúl De Los Recuerdos”, este ultimo salido de la pluma de Tony Luz. Sus trabajos de finales de la década de los sesenta establecieron records en las listas de éxitos, sus apariciones en galas y portadas de revistas le sirven para la popularidad absoluta, incluso llega a ser conocida en otros países de Europa.
Al siguiente año “Colores” seria otro de su cadena de éxitos.
En el año 1971 fue elegida por Televisión Española para que representase a España en el Festival De Eurovisión, que en esta oportunidad se celebraba en la ciudad de Dublín. Karina, con un trabajo de Tony Luz y Rafael Trabuchelli (este ultimo actualmente fallecido) titulado “En Un Mundo Nuevo”, se alzo con el segundo puesto, ya que sus 116 votos a favor no fueron suficientes para sobrepasar a Sèverine de Mónaco; no obstante a su regreso se vio feliz y contenta por el papel realizado y tras el éxito tuvo que recorrer medio mundo y grabar en varios idiomas. Durante 1972 mantuvo su popularidad con el tema “En Este Mundo En Que Vivimos” y graba su LP “Tiempo al Tiempo”.
En 1973 su matrimonio con Tony Luz, integrante de Los Pekenikes; no duraría mucho tiempo, aunque hubo un noviazgo de casi diez años. Después del divorcio su vida sentimental fue un fracaso, tres matrimonios que finalmente acabaron con su carrera, pues con el ultimo se fue a vivir a Bali, tras la ruptura se da cuenta de su error y regresa a Jaén; pero su carrera se había perdido y no pudo recuperarla mas, al menos al nivel que había llegado. Desafortunadamente para ella y para sus admiradores de una década, su carrera musical llegaba a su fin, esto ya en 1977. Su despedida de Hispavox fue con “Deja de Llorar” y “Sola en mi Habitación”.
Durante 1987, en un intento por el renacer, apareció con un disco repleto de éxitos del pasado y en 1989 otro más titulado “Karina Ayer Y Hoy”; pero poco pudieron hacer por ella y en 1993 reapareció con otros artistas de su época en el espectáculo “Mágicos 60”. Su imagen de chica ye-ye, ingenia y juvenil aun la conservaba; pero no solo con figura se podía retomar el camino del triunfo y además había que sumar que las corrientes musicales ya no eran las mismas de sus años dorados. En la década de los noventa tuvo una arriesgada operación, pues se le presentó un cáncer en la tiroides; pero para fortuna de todos después de la operación todo quedo bien y su salud regresa a la normalidad.
Aun sigue siendo querida y admirada; pero ese éxito de la década de los sesenta, no lo ha vuelto a lograr, a pesar de mantenerse en el mundo del espectáculo y continuar grabando nuevos trabajos mezclados con títulos conocidos.
En el 2003 se presentó en un concurso televiso llamado “Vivo Cantando”, el cual gano por votación popular.

Los Canarios

LOS CANARIOS:

Desde la mitad de la década de los 60, el soul había entrado a España y los más constantes fueron los Four Tops, James Brown, Areta Franklin y Otis Reding a quien Los Canarios consideraban su maestro. Esta música fue mucho más difícil de ser producida; pero no imposible y los encargados de eso fueron por supuesto Los Canarios. La dificultad estaba en que no era aceptado para ellos (los españoles) una agrupación pop con instrumentos de viento, pues estos instrumentos según la costumbre era considerado música de bandas de provincia o música cabaretera. A esto hubo que incluir la lengua española, que no parecía lo mas ideal para este estilo y lo mas importante, el racismo, nadie imaginaba a un español cantando como un negro, pero la calidad con que lo realizaron llego a ser tan buena que además de darse a conocer en España, pasaron las fronteras para su internacionalización.
Los Canarios habían adquirido experiencia durante su estancia en Los Ídolos y ahí interpretaron temas con resonancias beat puro y de buena calidad; pero invitados a presentarse en Estados Unidos y grabar un disco de matices pop-sicodélicos, regresan a su tierra y deciden bajo la dirección de Alain Milhaud, cambiar el nombre por otro que definiera su procedencia y de ahí el nombre Los Canarios.
Eduardo (Teddy) Bautista (mayo-27-1943-Las Palmas De Canaria), fue siempre el cerebro del grupo que estaba formado por siete jóvenes y un cargamento de instrumentos de viento como trombones, trompetas y saxo junto al órgano, las clásicas guitarras y la batería. Definitivamente los escenarios resultaban pequeños y hubo la necesidad de agrandarlos.
Teddy hablaba inglés y este idioma lo impuso a la agrupación en su viaje por Norteamérica, así quedo superado un obstáculo y en esto le siguieron los pasos a Los Brincos. Por otro lado estaba la vestimenta como disfraz y comenzaron a usar los colores preferido por la raza negra, colores fuertes y escandalosos, además patillas y bigotes, sumado a que mostraban el torso velludo, botas relucientes y negras dando la impresión de que siempre eran nuevas y otros aditamentos, logrando así una transformación total de la imagen española para simular ser verdaderos intérpretes de soul. Tras superar el problema del idioma, la imagen visual y no importarles el racismo, solo quedaba lograr el triunfo y eso también lo alcanzaron con creces.
1966 fue el año del lanzamiento de su primer trabajo bajo el nombre de “Three, two, one ah!”, que fue grabado en Londres y pasó al olvido dada la poca promoción y distribución; pero al siguiente año aparece el que esta considerado por muchos especialistas lo mejor realizado por Los Canarios, aunque el resto de su carrera no esta falta de calidad, sino que por el contrario todo lo realizado por ellos, esta repleto de autentica inspiración. En la cara A presentaron “Peppermint Frappe”, canción utilizada en la banda sonora de una película homónima del cineasta Carlos Saura. Como dato curioso el titulo del tema iba a ser “The Incredible Miss Perryman”; pero fue cambiado por el mismo que se utilizó en el film.
La introducción era un riff de guitarra, seguido de la entrada de la sección de metal y continuaba con la voz de Teddy que parecía formar parte de los instrumentos de viento y lo logró de una manera genial. En el otro lado presentaron el tema “Keep On The Right Side”, una melodía un tanto mas suave; donde el vocalista recorría con su voz los extremos de los registros vocales, desde lo mas grave hasta lo mas agudo, mas lenta; pero magistral y la música, un soul puro; pero condimentado de jazz, pop y sicodelia.
En 1968 logran editar el segundo sencillo y con el, les llega definitivamente el éxito y su consagración. El tema “Get On Your Knees” o “Ponte De Rodillas” como se conoce en español, que en 1968 en contra de todo pronostico, se convirtió en la canción del verano y en las discotecas era dinamita para los bailadores. Aquí con la entrada de bajo y batería lograron impresionar y demostrar que el soul si podía ser “Made In Spain” y quedó como el equivalente de ‘Satisfaction” en lo que fue la década del pop español. Este trabajo musical paso las fronteras de España y llego hasta Radio Luxemburgo, emisora radial que se encargaba de dictar lo que se escuchaba en el pop europeo.
Mas tarde aparece el tercer sencillo donde incluyeron “Réquiem For A Soul” y ya aquí se definen por ser una reproducción de la raza negra en todos los sentidos. El tema estaba dedicado a Otis Reding, un maestro y genio del soul. Del otro lado estaba el tema “Child” (1968), mas muestras del virtuosismo vocal de Teddy y comprometiéndose con los problemas sociales del tercer mundo y dando muestras de la preocupación que sentían por los niños. Ellos mantuvieron esa línea en los siguientes temas e incluso realizaron copias de otros temas dentro de la misma corriente musical donde la música estaba opacada por la voz de un cantante que continuaba mostrando sus facultades y dejando sus cuerdas vocales en el escenario.
Pero Los Canarios aspiraban a más y con otro sencillo que contenía “Pain” llegan a lo que se consideraba la cúspide al producir un LP con temas propios incluyendo una obra conceptual de moda por aquellos años. El primer tema en aparecer fue “Free Yourself (1970), tema complicado y de línea vanguardista, considerado dentro del rock progresivo que les proporciono solamente elogios, pues no siempre la calidad es recompensada con dinero. Después continuaron con “Extra-Extra (1970) y “Reaccion (1971)”, que solo interesó a las minorías y los conduce en 1972 al rompimiento de la agrupación, no si antes grabar el disco “Canarios Vivos”. En 1969 Teddy se vio obligado a cumplir el servicio militar y partía dejando la agrupación en su mejor momento, mientras tanto su ausencia fue ocupada por Pedro Ruy Blas, aunque seguían guiados por su líder. Al regreso nota que las cosas no marchaban bien y tras algunos desacuerdos decide caminar en solitario.
Por un lado apareció Teddy en solitario y realiza algunos trabajos; pero mas tarde, esto ya en 1974 con nuevos músicos y bajo el mismo nombre de Los Canarios y un disco de rock sinfónico titulado “Ciclos” e inspirado en “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi, cuatro composiciones tituladas “Paraíso Remoto”, “Abismo Próximo”, “Ciudad Futura” y “El Eslabón Recobrado”, un trabajo demasiado ambicioso para un publico sediento de comercialidad, por el otro lado Alcatraz, y su disco “Promesas”, que eran el resto de los músicos de Los Canarios mostraban buena música; pero parecían como un ave volando a la deriva.
Definitivamente Los Canarios fueron los que abrieron las puertas al soul hecho en España; pero no muchos la utilizaron y los que lo hicieron fue de manera esporádica a excepto del grupo Conexión, que se convirtieron en los únicos competidores, aunque ellos lo hacían en inglés y español.
En los inicios la formación estuvo integrada por su vocalista Eduardo (Teddy), Rafael Izquierdo en el bajo y sustituido por Álvaro Yėbenes, German (Herman) Pérez en la guitarra solista, José (Tato) Luzardo en la batería, Joaquín (Nano) Muñoz en la trompeta, Félix Sierra en el órgano y los hermanos Alfredo (falleció el 28 de febrero de 1996) y Vicente Mahiques (falleció el 23 de junio de 1990) en la sección de viento.
Desde sus inicios Los Canarios mostraron ser avanzados en su música, su fuerte sección de viento, no limitados en creatividad, espectáculos auténticos con Teddy retorciéndose por el suelo, blandiendo el micrófono con sus pies mas la suma de la batería o la sección de viento proporcionando la base del ritmo, los colocó muy por encima de otros grupos tal vez de mayor popularidad; pero de menor calidad en muchos aspectos.

Mrvin Gaye

MARVIN GAYE:

Marvin Gaye hizo una importante contribución a la música soul y en particular al sello Motown, ya que el aportó mucho, incluso como músico para artistas como The Miracles y The Marvelettes, a la vez que sus composiciones sirvieron para sus triunfos y los de otros artistas de la casa disquera. Su voz con un rango de tres octavas comenzó en el llamado doo-wop como integrante del grupo The Moonglows finalizando la década de los cincuenta; pero tras el desmembramiento de la banda inicio su carrera en solitario en 1960 con el sello Tamala, una casa subsidiaria de Motown Records, convirtiéndose mas tarde en uno de los mayores vendedores de discos del sello y después de grabar a dúo con Mary Wells y Tammi Terrell fue coronado como el príncipe del soul
Marvin Gaye, cuyo verdadero nombre era Marvin Pentz Gay, nació en Washington D.C. el 2 de abril de 1939 y vivió en un humilde hogar, hasta que se marchó y recibió influencias musicales de R&B y grupos vocales negros. En su niñez conoció la música a través de su padre que era ministro de una iglesia.
Durante su participación en el grupo The Moonglows como vocalista destaco con “The Twelve Months Of The Year” y “Mama Loochie” en 1959 y tras la separación del grupo y pasar a Tamala se inicia como baterista. En 1961 deja plasmado como solista “The Soulful Moods Of Marvin Gaye” y “Let Your Consciencie Be Your Guide”, esta ultima una balada dentro del r&b; pero no tuvieron mucho éxito, después llegarían otros trabajos donde como compositor logra mayor aceptación como “Hitch Hike”, “Pride And Joy” y “Can I Get A Witness” durante 1963 y continua en 1964 con “You Are A Wonderful One” y “Try It Baby”. Durante los años sucesivos continúa componiendo trabajos exitosos para artistas de renombre dentro del sello. En 1970 graba “What`s Going On” que se convierte en número uno en las listas del r&b, tras este éxito aparecen “Mercy, Mercy Me” y “Inner City Blues” logrando que este álbum llegue ser uno de los mejores del soul. Durante 1972 y 1977, tras negociar el contrato Marvin recibe muchas libertades dentro del sello. Poco a poco fueron apareciendo sencillos que se iban convirtiendo en excelentes trabajos y logrando ventas muy buenas como “Got To Give It Up Pt 1” que llego como número uno en las listas americanas del r&b y también en las inglesas en 1976. En 1979 tras su divorcio y problemas con los impuestos y el uso de las drogas toco fondo al declararse en bancarrota.
En 1981 tras disgustos con el sello Motown, pasa a Columbia y en 1982 resurge de sus cenizas y regresa al tope de las listas con “Sexual Healing”. Dos millones de discos vendidos lo certificaron como un disco de platino y fue nominado para el premio Grammy. Durante 1983 el éxito lo acompaño todo el tiempo; pero tras realizar un tour por Estados Unidos su salud se ve afectada y cae en depresión y atento en contra de su vida.
Tras presentar problemas de depresión y drogas marchó a la casa de sus padres donde las relaciones con su padre no eran buenas y el 1 de abril de 1984 falleció tras un disparo que le realizó su padre. En 1987 fue inducido al Hall de la Fama del Rock And Roll póstumamente.

Steam

STEAM:

La existencia del grupo Steam tiene un origen complejo y hasta es posible que nunca realmente haya existido, sus inicios datan de entre 1960 y 1961 y bajo el nombre de Chateaus, un grupo que había firmado para Coral y Warner BROS, el cual antes de su ruptura tuvo entre sus miembros a Paul Leka como pianista.
Paul Leka, que también componía y producía, había realizado algunos trabajos para otros artistas y sus composiciones como “Falling Sugar” para Palace Guard en 1966 y “Green Tambourine” que fue compuesta para Lemon Pipers en 1968, habían llamado la atención.
Por otro lado Gary DeCarlo, otro de los integrantes de la banda desaparecida, firma con Mercury y acuerda crear varios trabajos producidos por Paul y deciden incluir uno que habían realizado cuando estaban bajo el grupo Chateauas y es aquí que incluyen “Kiss Him Goodbye”, que había sido compuesto además de ellos dos por Dale Frasheur, otro de los miembro; pero con la variante de incorporar los coros con el repetitivo “na na na na, na na na na” y ahora con el titulo “Na Na Hey Kiss Him” y logran vender mas de un millón de copias.
Tras el éxito alcanzado en 1969, se hace necesario que la agrupación se presente ante el publico en TV y también realizar oras actividades que los triunfadores realizan como presentaciones en publico y es cuando deciden que Paul Leka forme una agrupación y en su ciudad de residencia, logra reunir a Jay Babina y Tom Zuke en las guitarras, Mike Daniels en el bajo, Hank Schorz en los teclados, Ray Corries en la percusión y Hill Steer como vocalista y durante 1970 se presentaban como el grupo Steam y graban para Mercury el sencillo con el afamado tema.
Tras finalizar el éxito y no lograr con el otro lado “I`ve Gotta Make You Love Me” algo semejante deciden cerrar este capitulo y cada cual toma su rumbo musical por separados.
Tanto fue el éxito del tema, que el equipo de béisbol de la ciudad de Chicago en la liga americana lo tuvo como himno y es una de esas canciones que escuchamos sin cansarnos de ella.

Leo Dan

LEO DAN:

Leo Dan ocupó por varios años los primeros puestos de los ranking de la música popular latinoamericana, interpretando baladas que se convirtieron en temas clásicos y por mencionar algunos están “Celia” y“Como Te Extraño Mi Amor”. Su extraordinario éxito se inicio finalizando la década de los sesenta y de su natal Argentina pasó a escucharse en Colombia, México y mas tarde su voz recorrió Latinoamérica y logro vender mas de treinta millones de discos.
Con letras románticas y alejadas del erotismo como Sandro o de los temas sencillos y alegres de Palito Ortega, logró competir con ellos y situarse en el mismo nivel de popularidad. Sus temas iniciales lograron mayor resonancia que los creados en los setenta; pero fueron suficientes para mantener una carrera valida y aceptada y aun sobrepasando la década de los noventa.
En 1995 se postulo en su provincia natal por un cargo del gobierno; pero después de no ganar, reflexiono y hasta se contenta pues reconoce que ese trabajo es difícil y quedo complacido por mantenerse dentro de la música solamente.
El verdadero nombre de Leo Dan es Leopoldo Dante Tevez y nació un 22 de marzo en Atamisqui, un pequeño pueblo de la provincia Santiago Del Estero, Argentina. Sus composiciones alcanza el numero dos mil y muchas de ellas han sido traducidas a otros idiomas incluyendo el ingles, italiano, francés e incluso japonés; pero sus declaraciones afirman que se siente mejor como cantante que como compositor.
Entre sus composiciones esta “Mary Es Mi Amor” que dedicó a su esposa con la que lleva más de treinta años de enlace matrimonial, además están “Mi Dulce Cristina”, “Maritza”, “Te He Prometido” y otras mas que recorrieron el continente Latinoamericano y llegaron hasta España. Sus letras casi siempre han sido vivencias de la gente común.
Hace varios años que Leo Dan se ha residenciado en la ciudad de Miami y en algunas entrevistas dadas, a raíz de que aun anda por el mundo de la música confiesa que sus inicios no fueron fáciles, pues antes del triunfo realizo trabajos diversos.
Su procedencia humilde no le impidió su triunfo y desde la edad de cuatro años aprendió a tocar la armónica y la flauta y a los once la guitarra y de aquí en adelante comenzó a componer y logra colocarse entre los cantautores mas respetados de Latinoamérica.
Ya con dieciocho años se reúne con un grupo de amigos y forman Los Demonios Del Rock; pero no conforme dos años logra viajar a Buenos Aires y contacta con CBS, donde es aceptado tras unas pruebas y con el tema “Celia” logra escalar y colocarse entre las primeras voces, después aparecerían otros trabajos como “Fanny”, “Estelita”, “Santiago Querido” y hasta logra tener su propio programa de televisión.
En 1966 contrae matrimonio y decide ir a vivir a España; pero en 1970 tras el éxito inesperado se traslada a México con su familia donde se radica por diez años. En estos años graba con mariachis lo que lo hace el primer baladista en cantar con mariachis y el triunfo es rotundo.
En 1980 regresa a su país y es cuando incursiona en la política.
Sus mas de cuarenta millones de copias vendidas, mas sus trabajos en el cine y premios incluyendo un Grammy como compositor lo colocan muy alto en la música y en la actualidad es productor; pero continua componiendo y grabando.

Los Tres Tristes Tigres

LOS TRES TRISTES TIGRES:

En 1971, en la ciudad de Caracas apareció por vez primera la agrupación Los Tres Tristes Tigres y la alineación fue Douglas Herrera en la guitarra, Humberto Becerra en la guitarra rítmica y Alfredo Cabrera en el bajo. El mismo año en que debutaron se presentaron en un festival nacional y al siguiente año incluyeron a Nelson Bautista en el violonchelo.
Durante los años de existencia participaron en varios festivales como en el Gran Festival De Música Progresiva junto a la N. Y. Rock Ensemble y en 1973 en el primer concierto piro audiovisual, todos en su país natal. Entre los temas destacados están “Sweet City Woman”, “Solo Otra Vez” y “Matrimonio” estas dos ultimas versiones de los temas “Alone again” y “Matrimony” del irlandés Gilbert O`sullivan, “Guarda Tus Besos Para Mi”, “Enséñame A Cantar” y otros más.
En sus inicios sus apariciones televisivas en programas como Renny Presenta, De Fiesta Con Venevision y Feria De La Alegría los ayudaron a aumentar su popularidad, mas tarde premiaciones como Guaicapuro De Oro, Mara De Oro y Meridiano De Oro, les sirvieron para ir consolidando su posición dentro de la música.
“Solo Otra Vez” su primera producción tuvo buena aceptación, esto en 1972, el álbum “Tres Tristes Tigres” de 1974 fue su segunda producción y con el alcanzan cierta proyección internacional.
En 1978 deciden poner punto final al grupo y entonces Alfredo, Humberto y Marlene (corista de José Luis Rodríguez) forman la agrupación Los Tigres, aquí lanzan el álbum “Rayando La Paredes” con aceptación nacional y sus temas comienzan a ocupar los primeros puestos radiales.
Al siguiente año aparecen en un álbum navideño junto a otras figuras y en 1980 “Hoy Al Recordar Una Década” consolidándose internacionalmente en buenas posiciones.
En 1982, después de su producción “Quédate Esta Noche” deciden poner punto final a esta carrera; pero Marlene continua como solista y más tarde reaparecen de nuevo Los Tres Tristes Tigres ofreciendo giras y conciertos tanto nacionales como internacionales.

The Searchers

THE SEARCHERS:

En el año 1959 se fundó el grupo The Searches y fue uno de los grandes contendientes de la época, fueron un grupo de gran importancia durante la llamada invasión británica, se adelantaron al sonido folk-rock y luchó hombro con hombro por el liderazgo contra The Beatles y es parte de ese conocido sonido llamado Merseybeat.
John Mcnally (agosto-1941-Liverpool) en la guitarra rítmica y vocalista fue el fundador y a el se unieron otros músicos de grupos ya existentes como Michael (Mike) Pender (marzo-1942-Liverpool) en la guitarra líder y vocalista, Tony Jackson (julio-1940-Liverpool-18-agosto-2003) en el bajo y líder vocalista y Joe Kelly, quien se retiro rápidamente y fue sustituido por Norman McGarry en la batería quien se marcho en 1960 y dio paso a la entrada de Chris Curtis (agosto-1941-Oldham). Al comienzo de la década de los sesenta ya eran muy populares en los club de bailes de la ciudad de Liverpool y en el Star Club de Hamburgo, Alemania, donde estuvieron por mas de cien días para regresar a Londres y firmar con Pye Records.
Musicalmente se movían dentro del rock and roll, country, soul y R&B y ya para agosto de 1963 llegaron a la cima de las listas inglesas con el tema “Sweets For My Sweet” que en 1961 The Drifters logra plastificar con éxito. A este tema le siguieron otros de gran renombre como “Sugar And Spice” que se convirtió en numero uno en los charts ingleses, después aparece “Needles And Pins” que en la primera semana de 1964 se coloca en el primer lugar de los charts de Estados Unidos. Cabe destacar que sus trabajos anteriores no habían tenido éxito en América y este es el segundo grupo después de The Beatles en tener un hit en Estados Unidos. “Don`T Throw Your Love Away” fue otro trabajo exitoso que contribuyo a su cadena de exito
Durante varios meses el grupo se mantuvo entre los favoritos del público y por encima de muchas agrupaciones de la época.
Después aparecieron dos LP que continuaban dando apoyo a su calidad y popularidad “It`s The Searchers” y “Sounds Like The Searchers”.
La identidad musical del grupo giraba alrededor de su sonido crujiente creado por un guitarra de doce cuerdas, acompañado por dos buenos vocalistas y unas armonías corales de gran calidad.
En 1964 tras nueve discos exitosos, Tony anunció su separación, para crear su propia banda y aquí comenzó una época difícil para The Searches que buscaba otro tema propio de éxito. Para 1966 tras largos tours y temas inconsistentes el grupo sufrió cambios en sus integrantes; pero continuaron presentándose en diferentes sitios de Gran Bretaña y Europa con una estabilidad de los integrantes que se mantuvo hasta la década de los ochenta, pues en la década de los 70 sus trabajos lograron calidad y grabaron temas memorables y de mucho acierto; pero se mantuvieron alejados de las listas de popularidad, pues eran menos comerciales.
En 1985 después de veinte y seis años juntos, Mcnally con nuevos integrantes ha continuado con su grupo y realizando algunas grabaciones y presentándose junto a sus ex-integrantes.

Ricardo Cocciante

RICCARDO COCCIANTE:

Riccardo Cocciante, hijo de un italiano y una francesa, nació en Saigon, Viet Nam el 20 de febrero de 1946 y a los once años pasa a vivir en Roma y comienza a relacionarse con los ambientes musicales; pero teniendo presente su influencia francesa, donde había vivido antes.
Entonces comienza a escribir temas y en 1972 firma con la RCA Víctor y aparece su primer trabajo titulado “Mu” y después otro bajo el titulo de “Poesía”. En estos primeros trabajos esta muy presente su influencia italiana adquirida de Venditti, Claudio Baglioni y De Gregori; pero de forma muy personal, pues se pueden encontrar rasgos de Brel, Aznavour y otros cantantes franceses; pero no es hasta 1974 con el álbum “Anima” donde estaba “Bella Senz` Anima” conocido en español como “Bella Sin Alma”, con letra fuerte y vibrante, que logra darse a conocer en el mundo entero, pues además de la letra, su voz rasposa, dramática y agresiva cautiva a los oyentes.
Sus conocimientos de la música y del idioma italiano y también del francés le abren las puertas de Europa y más tarde de Latinoamérica y llevando temas como “Margherita”, “L`Alba” y así se mantiene hasta 1980 cuando publica su octavo trabajo musical, donde se ve renovado y con horizontes más amplios dentro de la música y la composición.
Sus ambiciones internacionales continúan en sus trabajos y eso se aprecia en 1983 con nueva casa disquera cuando aparece “Sincerita”, llevada al español como “Sinceridad”, grabado en Los Ángeles y acompañado por el grupo Toto.
Después de esta publicación realiza un tour por varios países y en 1985 reaparece con nuevos trabajos que lo consolidan aun más internacionalmente.
La década de los noventa, no deja de ser de éxitos, trabajos grabados en vivo y un dúo con Mina, además de su primer lugar en San Remo en 1991.
Definitivamente Riccardo Cocciante ha desarrollado una sólida carrera musical que ya alcanza más de veinte años y se acerca a los treinta y esto debido a su calidad tanto como cantante que como compositor.

Jeanette

JEANETTE:

Jeanette, siempre ha sido una mujer inteligente en todos los sentidos y su imagen juvenil en su carrera ha sido un factor decisivo para su trabajo. Ella nació el 10 de octubre de 1951 en Londres, y su nombre verdadero es Jeanette Dimech y es hija de un inglés y una española. Desde joven comenzó su camino en el canto.
Tras el divorcio de sus padres, después de vivir en Estados Unidos, su madre decide en 1964 trasladarse a Barcelona, esto a la edad de trece años.
Ya establecida en España, comienza a tocar guitarra y a componer y conoce a unos jóvenes que tocaban música, se une a ellos y forman un grupo que se llamo Pic-Nic y logran grabar un disco donde incluyeron el tema “Cállate, Niña” que les proporciona popularidad en 1967. En este disco también destacaron “Amanecer” y “No Digas Nada”.
Dos años después el grupo se disuelve y ella se va a vivir a Austria con su esposo. Allá fueron a buscarla para que grabara un disco al que titularon “Palabras, Promesas”, donde destaca con “Soy Rebelde” y regresa a listas de éxito. Este tema se convirtió en un hit en algunos países de Latinoamérica y su grabación en ingles y francés también la coloca en las listas en algunos países de Europa. Su voz e imagen juvenil era ideal para este tema lo que la ayudó en ese éxito logrado. En este disco también logró repercusión con títulos como “El Muchacho De Los Ojos Tristes”, “Comiénzame A Vivir” y “Cuando Estoy Con El”. Todo esto sucedió en 1973 y durante algunos meses estuvo radiándose el disco.
Pero aun Jeannette desconocía lo que realmente el era éxito y esto ocurrió en 1976 cuando el tema “Por Que Te Vas” de José Luis Perales e incluida en la banda sonora de la película de Carlos Saura titulada “Cría Cuervos”, la termina de lanzar internacionalmente y por largo tiempo. Entonces se vio en la necesidad de recorrer varios países realizando presentaciones tras ventas de más tres millones de discos.
Después del éxito logrado ha grabado nuevos trabajos, como en 1981 cuando apareció con “Corazón De Poeta”. Aquí tuvo cierta repercusión y mas tarde otro nuevo trabajo, esto en 1989 titulado “Loca Por La Música”; pero el éxito se había esfumado, tal vez el público se cansó de su imagen juvenil por tanto tiempo y después regresó el silencio, parecía que ya su voz no interesaba a las disqueras.
En la década de los noventas reapareció junto a otros intérpretes en el espectáculo “Mágicos 60” logrando aceptación y popularidad.

Los Buenos

LOS BUENOS:

Finalizando la década de los sesenta, la aparición del grupo Los Buenos fue una buena señal, pues el resto de los conjuntos españoles estaban en decadencia y las turbas de fan estaban desapareciendo y dedicándose a comprar sus discos, más que a seguirlos. La calidad del grupo tenia talla internacional, fueron pioneros del movimiento underground y se parecían a Los Iberos.
El inicio fue bajo el nombre de Los Snobs, y aquí se ganaron el respeto de los oyentes, pues hacían blues, jazz y rock de buena calidad y así fueron ganándose un público que comenzó a seguirlos. Además su aparición en una película de Joselito titulada “Prisionero De La Ciudad”, algo increíble, les dio prestigio. Aquí interpretaron el tema “Woovy Groowy”, que mas tarde se convertía en un gran éxito de la agrupación. Finalmente llega el cambio de nombre por Los Buenos y también el cambio de algunos de los integrantes y entonces se produce su contrato para el sello Acción, una casa nueva que creaba La Cadena SER y optaron por este nombre por ser los mejores en interpretar el blues-pop español, haciendo así galas de su nombre.
En enero de 1969 se publica el primer trabajo de la agrupación que incluía “Mi Canción”. Aquí Julián Granados disfrutó, demostrando su torrente vocal, además el resto del grupo aprovechó la oportunidad para dejar ver la calidad de los arreglos corales y el sonido de las guitarras que sobresalía por encima de los instrumentos de viento, pues los arreglos orquestales eran de primera línea, un trabajo pop compuesta por Galvao. Del otro lado del disco estaba una versión de “Oh, Pretty Woman”de Albert King y que era incluida por los grupos de blues-progresivo en todo el mundo; pero con la diferencia que esta tal vez halla sido la mejor. Aquí la voz de su vocalista Julian Granados hacia creer que Madrid estaba en Norteamérica, pues el ingles era de una calidad excelente y hacia pensar que grupos como Los Canarios, Los Bravos y Pop-Tops estaban de nuevo al ataque, además la inclusión de los sonidos onomatopéyicos y la energía del resto del grupo hicieron del tema algo inolvidable, otorgándole mas credibilidad y prestigio. Este tema se apodero de las discotecas españolas y tal vez de las de otros países. Este trabajo marcaría la línea musical que iban a mantener, al menos en sus primeros trabajos, pues después el cambio los opacó hasta que finalmente desaparecieron. Este sencillo recibió suficiente apoyo promocional y eso ocurrió el 18 de enero en la discoteca J&J, local de moda para esa fecha.
Poco tiempo después se encuentran en el estudio para grabar el segundo sencillo que trajo en la cara A el tema “Locking Back”. Aquí repitieron la línea de “Oh, Pretty Woman” y aunque el tema se inclino más al pop, también fue gran tema bailable. Artísticamente la voz de Julián fue excelente y en competencia con los instrumentos musicales. Del otro lado “De Mi Niña”, mas comercial; pero no dejaría de ser menos, aunque los niveles rítmicos variaban, en este caso Iñaki demostró que podía ser vocalista, a la vez que dejaba en claro que sus agudos eran de muy buena calidad.
Los integrantes de la agrupación fueron Julián Granados (31 de Diciembre-1946-Granada) como solista, Jorge Moreno Gómez (1942-Tanger) en la batería, Iñaki Egaña Azpitia (1947-Portugalete) al bajo y voz, Roderick (Rod) Mayall (1945-Manchester), en el órgano y en la guitarra José (Johnny) Joao Galvao (1942-Lisboa).
En abril del mismo año de la aparición sufren un descalabro, cuando Julián Granados decide abandonar la agrupación por desacuerdos musicales.
Aunque el tercer disco no mostró merma en la calidad, aquí el tema “Hola, Hi Hello” salido de la pluma de Manolo Díaz con el seudónimo de Carlos Enterria estaba en la misma línea del blue-pop, esta vez con Iñaki como solista y ya con más experiencia logró mantener la calidad de los temas anteriores. Del otro lado recuperaron el tema de la película, que se convirtió en la obra maestra de la agrupación y con ráfagas del órgano y otras innovaciones como la voz en conjunción con la batería y las guitarras, logran mantener la calidad inicial.
La aparición del cuarto sencillo en 1970, trajo el tema “My Baby”, una melodía más pop. Del otro lado “Summer Falk”, donde daban un giro al r&b sicodélico y la música progresiva que se imponía, pero no logran mucho y en el mismo año que aparecieron, dejaron de existir, no sin ver antes la partida del Rod quien fue sustituido por Claudius Hirt con un fuerte historial de jazz.
Cada cual toma un rumbo diferente. Iñaki, tras grabar un disco en solitario, pasa a formar parte de Barrabas y los demás se integraron en agrupaciones de poco éxito.
Los Buenos, pese a su corta carrera están considerados dentro de los diez mejores grupos del pop español de los sesenta.
Cabe destacar que la vestimenta de los integrantes fue algo característico, pues cada uno en un estilo diferente, pues Julián usaba patillas como de general de brigada, Rod con melena rubia al estilo de Peter Franton, Galvao a lo Jimmi Hendrix por el uso de gorras y sombreros, Iñaki en la onda hippie con cabellera negra larga y cintas que la sujetaban y por ultimo Jorge un bigote a lo Atila. A esta presentación había que sumar pañuelos en el cuello, jeans usados y mas indumentaria que los hacia lucir exóticos y extravagantes, pues siempre estaban al día en lo que a moda se refería.

Roberta Flack

ROBERTA FLACK:

La música de Roberta Flack ha sido catalogada de diferentes formas, clásica, urbana, reservada, suave y sofisticada y su voz tan romántica dentro del ligero jazz y balada y las letras están consideradas para adulto.
Hija de una organista de iglesia, comenzó a tocar piano suficientemente temprano; lo que le sirvió para ganar una beca en la universidad y finalmente descubierta como cantante en un club por el jazzista Les McCann y aquí logra un contrato para casa Atlantic y su álbum de debut fue titulado “First Take”; pero no fue hasta 1972 cuando Clint Eastwood decide tomar el tema “The First Time Ever I Saw Your Face”, un sencillo de su larga duración e incluirlo como soundtrack de “Play Misty For Me” logrando llegar al tope de las listas y mantenerse en el primer lugar durante seis semanas y convertirse en disco de oro por sus ventas. De aquí en adelante ella graba varios trabajos a dúo con Donny Hathaway como “Where Is The Love” en 1972 y que se convirtió en ganadora de un Grammy, y en 1978 “The Closer I Get To You” que vendería un millón de copias y se convertiría en otro disco de oro de su productiva carrera, aunque en 1973 con “Killing Me Softly With His Song” que estuvo cinco semanas en el primer lugar logra su segundo número uno y se convirtió en el mejor trabajo pop vocal del año finalizando como doble platino.
En 1974 continua su triunfal carrera y con “Feel Like Makin` Love”. Después de estos logros, tomo un descanso y se ocupo de ayudar causas necesitadas.
Los siguientes años también fueron de éxito; pero en 1979 queda desvastada, tras el suicidio de su pareja musical y entonces ocasionalmente fue acompañada por Peabo Bryson con quien en 1980 realiza un tour. De aquí en adelante comenzó a cambiar su pareja acompañante y en 1991 regresa al tope de las listas.
Roberta Flack nació el 10 de febrero de 1939 en Carolina Del Norte.

Sonny & Cher

SONNY AND CHER:

En 1964 la unión musical de Sonny And Cher fue una combinación mágica. Salvatore (Sonny) Bono, nació el 16 de febrero de 1935, se inicio como compositor finalizando la década de los cincuenta y entre sus éxitos están “Coco Joe” y “She Said Yeah”, también trabajo con Phil Spector proporcionándole algunos trabajos exitosos y es aquí que conoce a Cherilyn Lapierre que había nacido el 20 de mayo de 1946. Ambos formaron el dúo Sonny And Cher y de aquí en adelante el éxito los abrazo hasta que llega su gran trabajo “I got you Babe” y mas tarde “The Beat Goes On”.
Sus inicios fueron en 1964 y entre 1965 y 1967 se dedicaron al rock and roll y lograron crear su imagen y estilo y fueron suficientemente populares que hasta aparecieron en la televisión británica; pero nada es eterno y mas tarde se perdió la magia y en 1974 rompieron musical y personalmente, pues ya habían contraído matrimonio.
En 1965 primero con “Baby Don`t Go” y después “I Got You Babe” iniciaron su trabajo musical que hasta incluyo el cine al grabar el soundtrack “Good Time” en 1972 que aunque no tuvo gran relevancia sirvió para mantenerlos en el candelero, ya con anterioridad habían trabajado en la televisión en un espectáculo que se mantuvo con gran éxito al estar considerado entre los diez mejores y de mayor audiencia.
Su relación comenzó en 1962 cuando ya Sonny estaba trabajando con Phil Spector y comenzó una relación amistosa que terminaría con matrimonio. En 1964 con Reprise Records editaron algunos cortes como “The Letter", "Do You Wanna Dance" y"Love Is Strange"; pero la atención recibida fue poca, para esta epoca se hacían llamar Caesar y Cleo. En 1964 con “Baby Don`t Go” se colocan entre los diez de mayor venta; ahora como Sonny y Cher. Al siguiente año aparece su primer álbum titulado “Look At Us” donde estaba su archiconocido tema “I Got You Babe” que llego al puesto número dos y se mantuvo ahí por ocho semanas. No falto programa de televisión donde no se presentaran por supuesto incluyendo el show de Ed Sullivan.
En abril de 1966 sale al mercado su segundo album “The Wondrous World Of Sonny And Cher” que alcanzo el puesto 34. Durante 1965 recorrieron el mundo y cinco de sus canciones toparon alto en las listas americanas codeándose con Elvis Presley, The Beatles y The Rolling Stones por mencionar algunos.
En 1967 un tercer álbum que en Estados Unidos llega al puesto 46 y contenía dos temas que tuvieron bastante éxito como “The Beat Goes On “ que en América llegaría al puesto seis y "Little Man” que en Europa fue muy exitosa. Después de una carrera en exitosa en la televisión el 27 de junio de 1975 se anuncia el divorcio de ambos.
Separados ya, el fue superado por ella, pues ella logro establecerse como cantante y el continuo manejando su carrera.
El 5 de enero de 1998 un trágico accidente puso fin a la vida de Sonny.

King Clave

KING CLAVE:

King Clave nació el día 14 de febrero de 1944 en la ciudad de Formosa, Argentina y su verdadero nombre es Jorge Ayala y heredó de su madre el amor por la música, demostrándolo desde niño cuando cantaba en las fiestas escolares.
Desde muy joven se traslada a Buenos Aires con dos amigos donde trabaja mientras estudia música y mas tarde se presenta en varios programas de la televisión de Buenos Aires. En 1973 se presenta en Venezuela en el programa de Amador Bendayan y al siguiente año decide ser su propio productor. Finalmente logra grabar su primer disco y es cuando aparece “Los Hombres No Deben Llorar”. Ya después llegarían “Mi Corazón Lloro”, “Usted Me Dejo Llorando”, “Tema De Amor Para Una Chiquilina” y “Abeja Reina” entre otras, logrando así hacer un camino que lo condujo a la fama.
En 1975 aparece en México en el programa de Raul Velazco, de aquí en adelante comienza a presentarse en los escenarios mas importantes del mundo como New York, Paris, Madrid y llega hasta Japón. Su trabajo también lo realizo en el teatro y el cine donde actúa en siete películas.
Se traslada mas tarde a México donde reside algún tiempo y allí conoce a su esposa.
En la década de los ochenta continúa realizando presentaciones y grabando nuevos trabajos, hasta que en 1986 decide retirarse para estar al lado de su familia. Mas tarde regresan a su país; pero tras la inseguridad en Argentina abandonan el país y se trasladan a Estados Unidos y desde el 2001 ha regresado a la música, primero presentándose en varias ciudades norteamericanas; pero en el 2006 decide pasar a la religión cristiana para la que ha grabado dos nuevos trabajos.
Entre sus logros están los discos de oro y platino logrados durante toda su carrera y el ser querido por el pueblo de Latinoamérica.

Los Tres Sudamericanos

LOS TRES SUDAMERICANOS:

Otro trío al estilo de Los Panchos; que se origino en Paraguay fueron Los Tres Sudamericanos. Se formaron en 1959 y su origen fue cuando Johnny, que había adquirido cierta experiencia como solista, incluso grabó dos LP como tal y dos mas con dos orquestas diferentes, donde además de temas en español y guarani, incluía versiones en ingles de Frank Sinatra y Bing Crosby, conoce a Darío, que ya tocaba la armónica y la guitarra y también había logrado cierta experiencia en otras agrupaciones y tenia contactos con Alma que cantaba y tocaba el piano. Los tres deciden grabar un disco y llevarlo a las emisoras de radio de Asunción.
Todo esto resulto en éxito y entonces graban su primer disco bajo el nombre de Los Tres Sudamericanos en Argentina y de aquí partieron a España donde se radicaron por largo tiempo. En este primer trabajo apareció “Quiero Besar Tus Manos”, “Galopera”, “Dulce Penar”, “Paloma Blanca” y otros mas dentro de la línea de temas sudamericanos con arreglos modernos. Esto fue suficiente para el éxito.
Sus temas inicialmente fueron temas latinoamericanos; pero más tarde grabaron temas más modernos; pero dentro de esa línea sencilla y divertida que incluyeron canciones alegres de Palito Ortega y otros compositores. Aun en la década de los ochenta estaban activos, lo que demuestra que su popularidad se mantuvo durante largo tiempo.
En España su gran éxito lo consiguieron con los temas “Cartagena” y “Chica Ye-Ye”. El trío estuvo integrado por Johnny Torales, Casto Darío y Alma Maria. Entre otros temas grabados por ellos están “Me Lo Dijo Pérez”, “La Chevecha”, “La Felicidad”, “Juanita Banana”, “Vuelo 502” y dentro del repertorio latinoamericano están “Recuerdos De Ypacarai”, “Pajaro Chogui” y “Alma Llanera” por citar algunos.

The Rolling Stones

THE ROLLING STONES:

Mientras que Elvis Presley y The Beatles se divorciaban de la realidad, The Rolling Stones le decía a las personas que con el rock and roll podían hacer lo que quisieran, cuando quisieran y como quisieran, pues ellos eran la idea en la música, junto a la actitud y las costumbres, cosa que contribuyo a convertirlos en famosos y comerciales, logrando ser el grupo mas importante de la década de los sesenta después de The Beatles.
Comenzaron dentro del R&B cosa que parecía imposible para un grupo ingles, pues el R&B era cosa de la raza negra; pero ellos lo hicieron y de una manera propia y sirvió para que otros grupos ingleses lo siguieran.
Cuando comenzaron a componer sus canciones, lograron crear temas que quedaron como clásicos para la historia de la música. Ellos fueron importantes dentro de este mundo; pero también lo fueron por su actitud y el look, dando un sello distintivo.
El grupo fue considerado la competencia de The Beatles; pero en realidad los fanes eran los mismos, aunque The Rolling Stones tuvo su lado oscuro por los excesos y la rebeldía.
Mientras otros grupos, que crearon imperio dentro del mundo musical como The Beatles y The Who desaparecieron, ellos continuaron juntos y pudieron extender la carrera del grupo por mas de treinta años.
El grupo se formo en 1962 cuando Mick Jagger vocalista (julio-26-1943-Dartford) y Keith Richards guitarrista (dic-18-1943-Dartford) descubrieron sus puntos comunes dentro del R&B y el blues. Entonces comenzaron sus movimientos dentro del mundo de la música asociados con otros artistas y conocieron a Brian Jones guitarrista (feb-28-1942-Cheltenham, Inglaterra), Charlie Watts baterista(junio-2-1941-Londres), Bill Wyman bajista (oct-24-1936-Londres) y Ian Stewart en los teclados, comenzando como un sexteto; pero en mayo del mismo año fue removido oficialmente de la banda, aunque se mantuvo con ellos hasta su fallecimiento en 1985.
En abril de 1963 iniciaron una carrera que comenzó en Crawdaddy Club en la ciudad de Londres donde se establecieron. Mas tarde comenzaron la actitud de rebeldía para diferenciarse de The Beatles y por otro lado Mick y Richards se encargaron de las composiciones.
En mayo de 1963 firman para el sello Decca y el debut es el siete de junio con el tema “Come On” que llegó al puesto veinte y uno y llamó mucho la atención dentro de la escena musical inglesa y mas tarde en los Estados Unidos. Este trabajo fue una versión que realizaron al trabajo de Chuck Berry, del otro lado apareció “Muddy Waters” . En noviembre aparece “I Wanna Be Your Man” compuesta por Lennon y McCartney a pedido de Oldham promotor de la banda, del otro lado “Stoned”, esta ultima la primera composición propia. Con este disco llegan al top-ten en el Reino Unido y comienzan su primer tour por el país. El 17 de enero de 1964 editan el primer EP y fue el EP mas vendido según la lista de la época, además se mantuvo durante once semanas en las listas de éxitos. Después llega “Not Fade Away” de Buddy Holly y se coloca en el tercer lugar de los charts ingleses, aunque en Estados Unidos no tuvo mucha relevancia. De aquí en adelante comenzaron las comparaciones con The Beatles por su estilo desaliñado e interpretaciones obscenas, algo deseado por el productor. El 17 de abril publican su primer larga duración titulado “The Rolling Stones” que tuvo muy buena aceptación e incluía el primer trabajo escrito por la banda “Tell Me (You`re Coming Back)” la cual tenia un sonido acústico. Tras el éxito logrado realizan una gira por Holanda y continúan a Estados Unidos donde el publico no los acogió masivamente debido a la mala propaganda realizada entre otros por Ed Sullivan quien los había vetado, aunque realmente nunca se llevo a cabo.
El 15 de enero de 1965 aparece el segundo álbum que en Gran Bretaña rápidamente alcanza los primeros lugares en las listas inglesas, aunque en Estados Unidos aun no quedaban bien posicionados. El sonido de este trabajo muestra que se movían al r&b por la ralentización del sonido, el mayor uso de la batería donde se asentaba el sonido y también dándole prioridad a la armónica.
Finalmente en 1965 apareció el tema “(I Can`T Get No) Satisfaction” que llegó al lugar de honor en el hit-parade americano y sirvió para su total internacionalización. La letra es una critica a la sociedad de consumo norteamericana y de aquí en adelante la mayoría de sus trabajos se convirtieron en criticas a la sociedad, a la política y el sexo femenino lo que atentaba contra el status quo. A este éxito se unieron temas como “Get Off Of My Cloud”, “As Tears Go By”, en febrero de 1966 “19th Nervous Breakdown” y finalmente “Paint It Black” que rompe con los standeres del r&b y que con ese riff de cierto toque misterioso de Brian los catapulta al primer lugar en Norteamérica. El 15 de abril de 1966 “Aftermath”, el primer trabajo totalmente creado por la banda, aquí mostraban crecimiento musical, se alejaban de su acostumbrado r&b y caían en la critica a todo lo feminista y muestra de ello son “Stupid Girl” y “Under My Thumb”.
Ya para 1967 eran internacionales yel 20 de enero de este año publicaron un nuevo álbum que tenia “Ruby Tuesday” y “Let`s Spend The Night Together”. Era un trabajo mas ambicioso que todo lo anterior; pero que no fue bien recibido por la critica que los califico de seguirle los pasos a grupos como The Kinks, The Beatles e incluso a Bob Dylan, sin embargo el primero fue coronado con el primer lugar, mientras que el ultimo fue censurado en algunos países por su letra tan explicita con relación al sexo. Un mes después Jagger fue acusado de usar LSD y junto a Brian y Richards estuvieron algún tiempo en la cárcel, aunque tras la demanda del público fueron liberados rápidamente. A principios de 1968 y tras el fracaso del trabajo “Their Satanic Majesties Request” , que se había realizado con tanto esfuerzo aparece “Jumpin` Jack Flash” que los devuelve a la cima musical y popular, aunque ya en el seno de la banda habian divergencias por problemas personales entre Brian y Richards. En diciembre de 1968 ve la luz el álbum “Beggars Banquet” que da inicio a tres trabajos posteriores considerados la cumbre de la banda, aunque la polémica aparece en este caso por el tema “Sympathy For The Devil” , donde se habla del diablo como parte de la humanidad, además de mencionar la violencia durante la segunda guerra mundial y el asesinato de la familia Romanov.
El 10 de junio de 1969 se hace publica la separación de Brian de la banda y todo debido al abuso del uso de las drogas lo que ya no le permitían trabajar con responsabilidad e incluso su suspensión de visa para entrar a Estados Unidos. Casi un mes después fue encontrado muerto en la piscina de su casa. Su puesto fue ocupado por el virtuoso Mick Taylor, que orientó la música del grupo al rock logrando mayor éxito, hasta que en 1974 abandonó la agrupación. Después de este incidente y un concierto ofrecido en Hyde Park aparece “Honky Tonk Woman”. La década de los setenta se inicia con problemas entre Mick y Richards, la separación de la banda del sello Decca y la formación de su propia casa discográfica. El uso de drogas por parte de Richards se convierte en un grave problema para ellos e incluso se ven en la necesidad de mudarse a Los Ángeles tras ser acusados de narcotraficantes. En 1973 llega la decadencia musical y durante algunos años se mantuvieron alejados de los primeros lugares de las listas, además los problemas de droga de Richards estaban aun presentes y cada vez mas frecuentes.
En 1978 el grupo resurge con el álbum “Some Girls” y en la década de los ochenta tuvieron malos momentos con creaciones mediocres, hasta que en 1989 con “Steel Wheels” retomaron el camino de la victoria y comenzaron un tour que termino con la inclusión del grupo dentro del hall de la fama del rock and roll.
La carrera continúo dando éxitos, hasta que finalmente Mick Jagger abandonó la agrupación y comenzó una carrera en solitario.
En la actualidad están activos y Mick trabaja junto a ellos. Definitivamente, esta agrupación ha logrado tanto y durante mas de cuarenta años, que es y será un gran valuarte musical en el mundo del rock.