MARTINHA:
Marta Vieira Figuereido Cunha, a quien se conoce en el ambiente artístico como Martinha, nació en Bello Horizonte, Brasil el 30 de julio de 1949 y desde niña componía y cantaba. Ella adquirió esa habilidad de su madre, la archifamosa Candinha, directora del programa Mexericos Da Candinha durante la etapa dorada de la Revista Do Radio, que se editaba por el periodista Anselmo Domingos desde 1948 hasta finales de la década de los sesenta.
En 1966 inicia su carrera musical con una composición propia que tituló “Eu Te Amo Mesmo Assim” y pertenecía a lo que se dio en llamar joven guardia. En la otra cara apareció “Quem Disse Adeus Agora Fui Eu”.
En 1967 compone “Só Sonho Quando Penso Que Você Sente O Que Eu Sinto”, que graba Erasmo Carlos para el sello RGE y lanza el segundo sencillo con temas como “Barra Limpa” y “Näo Brinque Assim” para la casa de discos Rozanblit.
En 1968 logra subir a lo más alto de su carrera cuando edita “Eu Daria A Minha Vida”, tema escrito por ella y que después grabaron otros vocalistas.
Otro gran éxito de su carrera fue al grabar el tema de Roberto Carlos titulado “Última Cançäo”. Para esta fecha el declinar de la música conocida como joven guardia la lleva al igual que muchos otros a cambiar el estilo y musicalidad, cosa que logra muy bien al entrar de lleno en el romanticismo y mantener su fama al aparecer en varios festivales latinoamericanos, como cuando graba en 1970 el tema “Vai Ser Assim” de su propia inspiración y después en compañía de Cesar Augusto “Pouco A Pouco”, esta ultima ya en 1983.
Martinha no cerró las puertas a otros idiomas, pues en su carrera hay grabaciones en italiano y español y sus composiciones también fueron grabadas en italiano y francés por otros artistas. Esto hace que su alcance internacional fuera mayor.
En 1985 repite el éxito al componer de nuevo junto a Cesar Augusto el tema
“Vem Provar De Mim” y que fue grabado por Chitãozinho y Xororó”. Al siguiente año nuevamente con Cesar Augusto escribe “Queixas” para las mismas voces de su éxito anterior. Además voces como la de Angélica Maria, Moacir Franco, Perla y muchos más, grabaron temas de ella por estos años.
En la década de los noventa de lleno en la composición se dedica a crear temas para dúos como Leandro y Leonardo y Chitãozinho y Xororó.
Actualmente vive retirada en una finca en Sao Pablo, aunque continua involucrada en el ambiente musical.
viernes, 30 de julio de 2010
The Zombies
THE ZOMBIES:
The Zombies estuvo formado por cinco miembros y procedían de Gran Bretaña y a pesar de no lograr una gran repercusión, su calidad vocal y musical fue innegable. La combinación de las texturas de jazz que daban con el teclado, armonías bellas y elegantes, sumado a las tonalidades melancólicas hizo de The Zombies un grupo extraordinario; pero poco valorado en Gran Bretaña
A mediados de 1964 con el tema “She`S Not There” lograron llegar al numero dos en Estados Unidos, en plena época de la invasión británica. En la cara B estaba “You Make Me Feel Good”, un trabajo donde el órgano tomaba mayor participación, algo inusual para la época; pero en Gran Bretaña solo alcanzaron el puesto 12. En enero de 1965 aparecieron en la televisión norteamericana y la reacción del público joven fue muy acogedora.
El grupo estuvo formado por Rod Argent (junio-1945) en los teclados y compositor de algunos temas, Colin Blunstone (junio-1945) vocalista, Paul Atkinson (marzo-1946) líder guitarrista, Chris White (marzo-1943) en el bajo y Hugh Grundy en la percusión.
En 1965 lograron con el tema “Tell Her No” llegar al lugar numero diez en Estados Unidos y fue compuesto por Rod Argent; pero una vez mas en el Reino Unido no tuvo gran aceptación y no logra entrar en el top-40.
Verdaderamente el grupo no corrió con suerte, pues además de incluir temas propios en sus discos, también apelaron a temas de renombre en las voces de otros artistas. Sus creaciones fueron ignoradas en su mayoría; pero merecen un espacio dentro de la historia de la música de los sesenta.
En 1965 su primer larga duración “Begin Here” recogió algunos trabajos de sus primeros días casi fue ignorado por el público, cosa que la disquera no vio con buenos ojos y los integrantes se sintieron desanimados.
En 1966 aparecen en una película; pero el resultado no fue acogedor y después de grabar algunos temas como “I Love You”, “Remember You”, “Indication” y otros mas pasan del sello Decca a CBS en busca de mayor promoción y aparecieron dos trabajos de mucha calidad “Friends Of Mine” y “Care Of Cell 44” que resultaron un nuevo fracaso para las ventas.
Mas tarde nuevos discos como el caso del album “Odessey And Oracle”, de 1968 que fue poco valorado, diríamos que casi desconocido; pero con excelentes temas como “Time Of The Season” y que fue descubierto por un integrante de Blood, Sweat & Tears y tras su insistencia para que fuese publicado en Estados Unidos, lograr llegar al puesto numero tres; pero ya era demasiado tarde para recibir los aplausos, pues la banda ya se había desintegrado. Actualmente este disco fue incluido entre los 80 mejores trabajos de su época según la revista Rolling Stones y entre los 500 mejores álbum de todos los tiempos.
The Zombies estuvo formado por cinco miembros y procedían de Gran Bretaña y a pesar de no lograr una gran repercusión, su calidad vocal y musical fue innegable. La combinación de las texturas de jazz que daban con el teclado, armonías bellas y elegantes, sumado a las tonalidades melancólicas hizo de The Zombies un grupo extraordinario; pero poco valorado en Gran Bretaña
A mediados de 1964 con el tema “She`S Not There” lograron llegar al numero dos en Estados Unidos, en plena época de la invasión británica. En la cara B estaba “You Make Me Feel Good”, un trabajo donde el órgano tomaba mayor participación, algo inusual para la época; pero en Gran Bretaña solo alcanzaron el puesto 12. En enero de 1965 aparecieron en la televisión norteamericana y la reacción del público joven fue muy acogedora.
El grupo estuvo formado por Rod Argent (junio-1945) en los teclados y compositor de algunos temas, Colin Blunstone (junio-1945) vocalista, Paul Atkinson (marzo-1946) líder guitarrista, Chris White (marzo-1943) en el bajo y Hugh Grundy en la percusión.
En 1965 lograron con el tema “Tell Her No” llegar al lugar numero diez en Estados Unidos y fue compuesto por Rod Argent; pero una vez mas en el Reino Unido no tuvo gran aceptación y no logra entrar en el top-40.
Verdaderamente el grupo no corrió con suerte, pues además de incluir temas propios en sus discos, también apelaron a temas de renombre en las voces de otros artistas. Sus creaciones fueron ignoradas en su mayoría; pero merecen un espacio dentro de la historia de la música de los sesenta.
En 1965 su primer larga duración “Begin Here” recogió algunos trabajos de sus primeros días casi fue ignorado por el público, cosa que la disquera no vio con buenos ojos y los integrantes se sintieron desanimados.
En 1966 aparecen en una película; pero el resultado no fue acogedor y después de grabar algunos temas como “I Love You”, “Remember You”, “Indication” y otros mas pasan del sello Decca a CBS en busca de mayor promoción y aparecieron dos trabajos de mucha calidad “Friends Of Mine” y “Care Of Cell 44” que resultaron un nuevo fracaso para las ventas.
Mas tarde nuevos discos como el caso del album “Odessey And Oracle”, de 1968 que fue poco valorado, diríamos que casi desconocido; pero con excelentes temas como “Time Of The Season” y que fue descubierto por un integrante de Blood, Sweat & Tears y tras su insistencia para que fuese publicado en Estados Unidos, lograr llegar al puesto numero tres; pero ya era demasiado tarde para recibir los aplausos, pues la banda ya se había desintegrado. Actualmente este disco fue incluido entre los 80 mejores trabajos de su época según la revista Rolling Stones y entre los 500 mejores álbum de todos los tiempos.
lunes, 26 de julio de 2010
Rosalia
ROSALIA:
Rosalía, cuyo verdadero nombre es Rosalía Garrido Muñoz nació en Madrid en 1944 y en la década de los sesentas se sumo a las chicas ye-ye, tras aparecer en el Festival Del Duero; pero realmente su triunfo fue en 1963 después de su presentación en Benidorm con un tema titulado “La Hora”. Con la ayuda de Augusto Alguero, su descubridor y otros compositores siguió cosechando éxitos como “Llámame”, “Ciudad Solitaria”, “Muñeca De Cera” y otros mas; pero en 1968, después de su matrimonio dio menos importancia a su trabajo y cuando quiso retomarlo con nuevas fuerzas ya había pasado su tiempo.
Rosalía, cuyo verdadero nombre es Rosalía Garrido Muñoz nació en Madrid en 1944 y en la década de los sesentas se sumo a las chicas ye-ye, tras aparecer en el Festival Del Duero; pero realmente su triunfo fue en 1963 después de su presentación en Benidorm con un tema titulado “La Hora”. Con la ayuda de Augusto Alguero, su descubridor y otros compositores siguió cosechando éxitos como “Llámame”, “Ciudad Solitaria”, “Muñeca De Cera” y otros mas; pero en 1968, después de su matrimonio dio menos importancia a su trabajo y cuando quiso retomarlo con nuevas fuerzas ya había pasado su tiempo.
Los Estudiantes
LOS ESTUDIANTES:
Para los más veteranos seguidores del pop español, el grupo Los Estudiantes fue un grupo clave, pues fueron los pioneros de esta línea en España, independientemente de que no lograron ningún tema de reconocido éxito. Por esta agrupación pasaron gran parte de los músicos mas destacados de esta corriente musical en la década de los sesenta.
En 1956 José Barranco comienza a tocar las canciones de Elvis Presly y rápidamente entra en contacto con su amigo José Alberto Gonsalbez que tocaba batería, a ellos se suma Rafael Aracil que contaba con una guitarra eléctrica y queda como guitarra solista y mas tarde una nueva adquisición que fue Adolfo Abril que tocaba contrabajo y aportaba un sonido muy propio y de buena aceptación.
Definitivamente en 1958 comienzan a presentarse en sitios donde concurría la juventud de aquellos años y lo hacían como admiradores de gran calibre del ya desaparecido Elvis Presley. Mas tarde quieren ser profesionales y comienzan sus temporadas de verano.
Inicialmente carecían de nombre, después adaptan el de Los Cuatro Estudiantes, que finalmente acortan por el definitivo, Los Estudiantes. En sus comienzos fueron muy ayudados por las emisoras de radio. Estos integrantes aparecen en la película “Pasa La Tuna”.
Rápidamente comienzan las sustituciones, Adolfo deja el grupo para continuar con sus estudios y el contrabajo pasa a manos de José Alberto y es cuando Fernando Arbex entra como baterista. Luego llegaría José Luis Palacios, que fue segunda guitarra eléctrica. Más tarde Rafa se marcha a Londres y entra Luis Arbex que como vocalista era un excelente eco y se encargaba del contrabajo que después es sustituido con el bajo eléctrico. Para 1959 la casa Philips se interesa por ellos y ese mismo año graban su primera producción que ve la luz en 1960.
El primer disco incluyó “Whoo-Hoo”, una versión de “La Bamba”, de Ritchie Valens, y que terminaría en convertirse en todo un hit, “Ready Teddy”, inspirados en Budy Holly, y “Me Enamore De Un Ángel” que no es mas que una versión de “Romance Anónimo”. Esta publicación es la primera grabación de rock and roll hecha en España.
Después de este inicio triunfal, es entonces cuando aparecen en su segunda película “La Corista”, trabajando junto a Marujita Diaz.
Su popularidad seguía en ascenso y el estilo musical va cobrando mayor popularidad y participan en un festival musical celebrado en el Palacio de los Deportes en Madrid junto a agrupaciones formadas recientemente como Los Milos, Los Telekos y Los Pekenikes entre otros. Mas tarde se incorpora Luis Sartorius, que fue quien los acerca musicalmente a The Shadows y se incorpora otra vez Rafa. Entonces aparecen en su tercer trabajo cinematográfico y graban su segundo disco que incluía “It I`ll Be Me”, “Una Estrella Fugaz”, “Colette” y “Guitarra Tango”. Aquí ya transcurría el año 1963.
En 1964 publican su tercer y último trabajo, que además de “Don Quijote”, una versión al archiconocido trabajo que proviene del siglo XII, donde destacaba el teclado y se ve su acercamiento con el grupo Shadows. El resto de los temas también instrumentales son “Pecosa”, “Poncho” y “La Pulga”, estas tres últimas inspiraciones de Fernando Arbex que comienza a despuntar como compositor.
Con la partida de Fernando a Los Brincos y José Barranco a Los Pekenikes, la trágica muerte de Luis Arbex, mientras estaba en el servicio militar y el fallecimiento en un accidente de tráfico de Luis Sartorius, queda cerrado este capitulo inicial de la música moderna en España. Ellos dejaron solamente tres sencillos, que aunque no tuvieron repercusión musical entre la juventud, si la tiene para los coleccionistas e historiadores y entonces en los finales de la década de los ochenta fue recuperada para formar parte del trabajo de José Luis Álvarez en su Historia De La Música Pop Española.
Definitivamente la agrupación Los Estudiantes es mucho más que una leyenda, es un símbolo y su nombre se debe a que en aquellos años algunos de sus integrantes eran estudiantes de la escuela La Sagrada Familia.
Otro de los meritos acumulados por la banda, fue que sirvió para desarrollar el espíritu creador de Fernando, pues compuso para ellos varios temas.
Para los más veteranos seguidores del pop español, el grupo Los Estudiantes fue un grupo clave, pues fueron los pioneros de esta línea en España, independientemente de que no lograron ningún tema de reconocido éxito. Por esta agrupación pasaron gran parte de los músicos mas destacados de esta corriente musical en la década de los sesenta.
En 1956 José Barranco comienza a tocar las canciones de Elvis Presly y rápidamente entra en contacto con su amigo José Alberto Gonsalbez que tocaba batería, a ellos se suma Rafael Aracil que contaba con una guitarra eléctrica y queda como guitarra solista y mas tarde una nueva adquisición que fue Adolfo Abril que tocaba contrabajo y aportaba un sonido muy propio y de buena aceptación.
Definitivamente en 1958 comienzan a presentarse en sitios donde concurría la juventud de aquellos años y lo hacían como admiradores de gran calibre del ya desaparecido Elvis Presley. Mas tarde quieren ser profesionales y comienzan sus temporadas de verano.
Inicialmente carecían de nombre, después adaptan el de Los Cuatro Estudiantes, que finalmente acortan por el definitivo, Los Estudiantes. En sus comienzos fueron muy ayudados por las emisoras de radio. Estos integrantes aparecen en la película “Pasa La Tuna”.
Rápidamente comienzan las sustituciones, Adolfo deja el grupo para continuar con sus estudios y el contrabajo pasa a manos de José Alberto y es cuando Fernando Arbex entra como baterista. Luego llegaría José Luis Palacios, que fue segunda guitarra eléctrica. Más tarde Rafa se marcha a Londres y entra Luis Arbex que como vocalista era un excelente eco y se encargaba del contrabajo que después es sustituido con el bajo eléctrico. Para 1959 la casa Philips se interesa por ellos y ese mismo año graban su primera producción que ve la luz en 1960.
El primer disco incluyó “Whoo-Hoo”, una versión de “La Bamba”, de Ritchie Valens, y que terminaría en convertirse en todo un hit, “Ready Teddy”, inspirados en Budy Holly, y “Me Enamore De Un Ángel” que no es mas que una versión de “Romance Anónimo”. Esta publicación es la primera grabación de rock and roll hecha en España.
Después de este inicio triunfal, es entonces cuando aparecen en su segunda película “La Corista”, trabajando junto a Marujita Diaz.
Su popularidad seguía en ascenso y el estilo musical va cobrando mayor popularidad y participan en un festival musical celebrado en el Palacio de los Deportes en Madrid junto a agrupaciones formadas recientemente como Los Milos, Los Telekos y Los Pekenikes entre otros. Mas tarde se incorpora Luis Sartorius, que fue quien los acerca musicalmente a The Shadows y se incorpora otra vez Rafa. Entonces aparecen en su tercer trabajo cinematográfico y graban su segundo disco que incluía “It I`ll Be Me”, “Una Estrella Fugaz”, “Colette” y “Guitarra Tango”. Aquí ya transcurría el año 1963.
En 1964 publican su tercer y último trabajo, que además de “Don Quijote”, una versión al archiconocido trabajo que proviene del siglo XII, donde destacaba el teclado y se ve su acercamiento con el grupo Shadows. El resto de los temas también instrumentales son “Pecosa”, “Poncho” y “La Pulga”, estas tres últimas inspiraciones de Fernando Arbex que comienza a despuntar como compositor.
Con la partida de Fernando a Los Brincos y José Barranco a Los Pekenikes, la trágica muerte de Luis Arbex, mientras estaba en el servicio militar y el fallecimiento en un accidente de tráfico de Luis Sartorius, queda cerrado este capitulo inicial de la música moderna en España. Ellos dejaron solamente tres sencillos, que aunque no tuvieron repercusión musical entre la juventud, si la tiene para los coleccionistas e historiadores y entonces en los finales de la década de los ochenta fue recuperada para formar parte del trabajo de José Luis Álvarez en su Historia De La Música Pop Española.
Definitivamente la agrupación Los Estudiantes es mucho más que una leyenda, es un símbolo y su nombre se debe a que en aquellos años algunos de sus integrantes eran estudiantes de la escuela La Sagrada Familia.
Otro de los meritos acumulados por la banda, fue que sirvió para desarrollar el espíritu creador de Fernando, pues compuso para ellos varios temas.
The Archies
THE ARCHIES:
El grupo The Archies, si es que se le puede llamar así, fue un grupo de la corriente bubblegum-pop, que tuvo un hit que colocaron en el numero uno del hit-parade y con frecuencia se escucho en la radio y la televisión y además editaron otros álbumes; pero jamás realizaron presentaciones en vivo ni realizaron giras musicales, porque ellos solo fueron un dibujo animado y su debut comenzó tras el “The Archie Show” que se trasmitía los sábados en las mañanas y comenzó en el mes de septiembre en 1968.
En cada episodio se presentaba una nueva canción y un segmento de baile.
Don Kirshner, el mismo que se encargó de la música del grupo The Monkees, fue el encargado de dirigir este espectáculo y las canciones aparecían como sencillos.
El primer tema fue “Bang-Shang-A-Lang”, que se colocó en el numero veinte dos del hit-parade, dándole así un buen comienzo a la supuesta agrupación. Al siguiente año, en 1969, apareció el tema “Sugar Sugar” que invadió las emisoras de radio, vendió seis millones de copias y se colocó por encima de The Rolling Stones que estaban en la cima en ese momento.
En 1970 repitieron el suceso con el tema “Jingle Jangle” y mas tarde apareció “Who`S Your Baby”, antes de dejar de existir en 1971.
El tema “Sugar Sugar” pasó a formar parte de la cultura pop en el 1970 y claro aunque en corto tiempo de existencia dejaron huella en la música de los sesenta y setenta.
Ron Dante fue el líder vocal de las grabaciones y Toni Winw, Elli Greenwich y Andy Kim también fueron vocalistas en las grabaciones. Jeff Barry fue el escritor y productor de la serie y la música. Realmente tras el triunfo de este dibujo animado, hubo la necesidad de buscar músicos de estudios; pero después de la desaparición del dibujo animado, cada uno tomó caminos diferentes.
El grupo The Archies, si es que se le puede llamar así, fue un grupo de la corriente bubblegum-pop, que tuvo un hit que colocaron en el numero uno del hit-parade y con frecuencia se escucho en la radio y la televisión y además editaron otros álbumes; pero jamás realizaron presentaciones en vivo ni realizaron giras musicales, porque ellos solo fueron un dibujo animado y su debut comenzó tras el “The Archie Show” que se trasmitía los sábados en las mañanas y comenzó en el mes de septiembre en 1968.
En cada episodio se presentaba una nueva canción y un segmento de baile.
Don Kirshner, el mismo que se encargó de la música del grupo The Monkees, fue el encargado de dirigir este espectáculo y las canciones aparecían como sencillos.
El primer tema fue “Bang-Shang-A-Lang”, que se colocó en el numero veinte dos del hit-parade, dándole así un buen comienzo a la supuesta agrupación. Al siguiente año, en 1969, apareció el tema “Sugar Sugar” que invadió las emisoras de radio, vendió seis millones de copias y se colocó por encima de The Rolling Stones que estaban en la cima en ese momento.
En 1970 repitieron el suceso con el tema “Jingle Jangle” y mas tarde apareció “Who`S Your Baby”, antes de dejar de existir en 1971.
El tema “Sugar Sugar” pasó a formar parte de la cultura pop en el 1970 y claro aunque en corto tiempo de existencia dejaron huella en la música de los sesenta y setenta.
Ron Dante fue el líder vocal de las grabaciones y Toni Winw, Elli Greenwich y Andy Kim también fueron vocalistas en las grabaciones. Jeff Barry fue el escritor y productor de la serie y la música. Realmente tras el triunfo de este dibujo animado, hubo la necesidad de buscar músicos de estudios; pero después de la desaparición del dibujo animado, cada uno tomó caminos diferentes.
viernes, 23 de julio de 2010
Lucecita Benitez
LUCECITA BENITEZ:
Lucecita Benítez, cuyo verdadero nombre es Luz Esther Benítez Rosado nació en Bayamón, Puerto Rico el 22 de julio de 1942 y desde su juventud fue cautivada por la música debido a la influencia de su madre. Cuando comenzó a recorrer este camino rápidamente se convirtió en una de las voces más reconocidas dentro del pop femenino en su país. En su escuela cantaba en veladas y escolares y con la ayuda de Mirta Silva aparece en 1961 en el programa Una Hora Contigo.
Ella se lanzó al mundillo musical en la época que lo que se llamo nueva ola tomaba fuerza y como parte del reconocido Club Del Clan, donde cantaba y bailaba iba adquiriendo experiencia y fue aprendiendo como realizar su trabajo. Pero no se conformo con aparecer en televisión en este espectáculo televisivo, sino que también en el Show De Las Doce, donde tuvo la oportunidad de pulirse aun mas y mostrando su calidad vocal.
Su primer hit musical apareció bajo el nombre de “Un Lugar Para Los Dos”, en 1964. Aquí se mostraba con una imagen roquera y cantaba temas de moda en esa época. Este fue el principio de una carrera musical que ha sido fructífera en muchos aspectos. Mas tarde con temas como “Dime Dolor” y “Vete Con Ella” logra convertirse en ídolo de la juventud. Ya como triunfadora edita “Dile” y “Yo Te Perdono”, logrando mantenerse en plena popularidad y pasa a convertirse en rival de Lissete, dando un paso más. El éxito logrado le sirve para ser vista con frecuencia en la televisión y su presencia junto a figuras de la talla de Chucho Avellanet y Danny Rivera son muestras de sus progresos musicales.
Para 1966 el éxito nacional le era pequeño y sale al extranjero en busca del éxito internacional, entonces viaja a Venezuela, Ecuador y Estados Unidos.
En 1969 le llega su gran oportunidad al presentarse y ganar el Festival De La Voz Y La Canción en México con el tema “Génesis”. De aquí el gran salto al aparecer junto a Sammy Davis Jr. y mas tarde en el show de Ed Sullivan, esto ya en 1970. La popularidad ya es inmensa y recibe otra gran oportunidad que es grabar para la RCA. Su internacionalización continúa con un contrato que firma con la cadena de Hoteles Hilton para presentarse en conciertos en diferentes países que incluyeron Venezuela, España, México, Colombia, Panamá y la Republica Dominicana. En Puerto Rico la llaman la voz nacional, apodo que lleva con dignidad y respeto.
En los 70, da un giro a su carrera y se involucra en los movimientos de la nueva trova, aquí muestra una nueva faceta social y política y sin disminuir su calidad y destaca con “Creceremos” y los conciertos “Traigo Un Pueblo En Mi Voz” y “En Las Manos De Mi Pueblo”. Esto marca un punto alto de su carrera; pero a la ves queda silenciada y en 1980 reaparece con el álbum “Romántica Luz”, donde incluyo boleros y muestra diferentes tonalidades de su voz. Entonces decide crear su propia casa de grabaciones donde ha producido más de una docena de discos destacando la variedad de estilo que es capaz de interpretar. Aquí hace galas dentro de la música folklórica, boleros y otros ritmos y en Argentina el éxito es inmenso.
En años recientes apariciones junto a Rubén Blades, Chucho Avellanet, Mercedes Sosa y Pablo Milanes entre otros.
En 1987 se presenta en el centro de Bellas Artes, junto a Placido Domingo, Nidia Caro y Danny Rivera lo que ha sido su mayor escalón.
En 1994 su álbum “Horizontes De Soledad” donde canta “Cuando La Vida Nos Marca” marca otra nueva faceta y esta vez como compositora.
El megaconcierto junto a artistas de la talla de Chucho Avellanet y Lissette, sus compañeros de trabajo y rivales de la nueva ola dejan ver que su calidad aun esta como en sus inicios.
Su álbum en vivo desde el Carnrgie Hall recientemente editado es otra prueba de que su arte no tiene límites ni fronteras.
Lucecita Benítez, cuyo verdadero nombre es Luz Esther Benítez Rosado nació en Bayamón, Puerto Rico el 22 de julio de 1942 y desde su juventud fue cautivada por la música debido a la influencia de su madre. Cuando comenzó a recorrer este camino rápidamente se convirtió en una de las voces más reconocidas dentro del pop femenino en su país. En su escuela cantaba en veladas y escolares y con la ayuda de Mirta Silva aparece en 1961 en el programa Una Hora Contigo.
Ella se lanzó al mundillo musical en la época que lo que se llamo nueva ola tomaba fuerza y como parte del reconocido Club Del Clan, donde cantaba y bailaba iba adquiriendo experiencia y fue aprendiendo como realizar su trabajo. Pero no se conformo con aparecer en televisión en este espectáculo televisivo, sino que también en el Show De Las Doce, donde tuvo la oportunidad de pulirse aun mas y mostrando su calidad vocal.
Su primer hit musical apareció bajo el nombre de “Un Lugar Para Los Dos”, en 1964. Aquí se mostraba con una imagen roquera y cantaba temas de moda en esa época. Este fue el principio de una carrera musical que ha sido fructífera en muchos aspectos. Mas tarde con temas como “Dime Dolor” y “Vete Con Ella” logra convertirse en ídolo de la juventud. Ya como triunfadora edita “Dile” y “Yo Te Perdono”, logrando mantenerse en plena popularidad y pasa a convertirse en rival de Lissete, dando un paso más. El éxito logrado le sirve para ser vista con frecuencia en la televisión y su presencia junto a figuras de la talla de Chucho Avellanet y Danny Rivera son muestras de sus progresos musicales.
Para 1966 el éxito nacional le era pequeño y sale al extranjero en busca del éxito internacional, entonces viaja a Venezuela, Ecuador y Estados Unidos.
En 1969 le llega su gran oportunidad al presentarse y ganar el Festival De La Voz Y La Canción en México con el tema “Génesis”. De aquí el gran salto al aparecer junto a Sammy Davis Jr. y mas tarde en el show de Ed Sullivan, esto ya en 1970. La popularidad ya es inmensa y recibe otra gran oportunidad que es grabar para la RCA. Su internacionalización continúa con un contrato que firma con la cadena de Hoteles Hilton para presentarse en conciertos en diferentes países que incluyeron Venezuela, España, México, Colombia, Panamá y la Republica Dominicana. En Puerto Rico la llaman la voz nacional, apodo que lleva con dignidad y respeto.
En los 70, da un giro a su carrera y se involucra en los movimientos de la nueva trova, aquí muestra una nueva faceta social y política y sin disminuir su calidad y destaca con “Creceremos” y los conciertos “Traigo Un Pueblo En Mi Voz” y “En Las Manos De Mi Pueblo”. Esto marca un punto alto de su carrera; pero a la ves queda silenciada y en 1980 reaparece con el álbum “Romántica Luz”, donde incluyo boleros y muestra diferentes tonalidades de su voz. Entonces decide crear su propia casa de grabaciones donde ha producido más de una docena de discos destacando la variedad de estilo que es capaz de interpretar. Aquí hace galas dentro de la música folklórica, boleros y otros ritmos y en Argentina el éxito es inmenso.
En años recientes apariciones junto a Rubén Blades, Chucho Avellanet, Mercedes Sosa y Pablo Milanes entre otros.
En 1987 se presenta en el centro de Bellas Artes, junto a Placido Domingo, Nidia Caro y Danny Rivera lo que ha sido su mayor escalón.
En 1994 su álbum “Horizontes De Soledad” donde canta “Cuando La Vida Nos Marca” marca otra nueva faceta y esta vez como compositora.
El megaconcierto junto a artistas de la talla de Chucho Avellanet y Lissette, sus compañeros de trabajo y rivales de la nueva ola dejan ver que su calidad aun esta como en sus inicios.
Su álbum en vivo desde el Carnrgie Hall recientemente editado es otra prueba de que su arte no tiene límites ni fronteras.
jueves, 22 de julio de 2010
The Yardbirds
THE YARDBIRDS:
En mayo de 1965 The Yardbirds apareció en la escena musical con el tema “For You Love”, demostrando que eran aventureros e innovativos en la historia del rock, pues con el uso de instrumentos exóticos en el rock como bongos y clavicordio, fueron mas allá de imitar a los músicos americanos que incursionaban en el R&B, pues la música era una amalgama de sonidos y un amplio rango de idioms étnicos, junto a las armonías vocales.
En la mitad de la década de los sesenta sus temas “I`M A Man”, “Shapes Of Things” y otros mas ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito.
El grupo sirvió de plataforma a guitarristas destacados como Eric Clapton (marzo-30-1945-Surrey), Jeff Beck (jun-24-1944-Surrey, Inglaterra) y Jimmy Page (ene-9-1944-Londres); pero los otros integrantes también jugaron papeles importantes como el vocalista Keith Relf (mar-22-1943-Richmond, Londres) y el bajista Paul Samwell-Smith (mayo-8-1943-Richmond) que proveían la dirección musical y fuentes importantes de sonido, junto a la imaginación de Chris Dreja (nov-11-1945-Surbiton, Londres) en la guitarra y Jim McCartey en la percusión.
Inicialmente el grupo se formó en Londres en 1963 con Paul, Keith, Chris y Anthony Topham en la guitarra. El grupo tenia otro nombre y comenzaron dentro del R&B.
A la salida de Anthony, entra al grupo Eric Clapton y acompañaban a solistas de cierto renombre y además se presentaban en los sitios donde The Rolling Stones habían iniciado su carrera; pero ya en 1965 cuando apareció el tema “For You Love”, fue un suceso, pues el grupo logra ubicarse entre los primeros en Estados Unidos y Gran Bretaña.
Mas tarde Eric abandona el grupo por desacuerdos con la línea musical del grupo y entonces reclutan a Jeff Beck, que sirvió de inspiración para el grupo por su virtuosismo, logrando ser un perfecto complemento a los experimentos musicales de la agrupación y durante dos años fueron un excelente equipo de trabajo.
Paul deja el grupo y es sustituido por Jimmy Page y en 1966 tras la salida de Jeff, Jimmy se convirtió en líder del grupo y experimentaron con otros nuevos sonidos logrando resultados increíbles; pero ya finalizando la década con nuevos grupos en el escenario musical, los integrantes originales deciden romper con el grupo y tomar otros rumbos, entonces es cuando Jimmy Page con nuevos integrantes forma un nuevo grupo al que finalmente llama Led Zeppelin.
En 1983 Eric, Jeff y Jimmy se uniros en un concierto benéfico en Londres.
En mayo de 1965 The Yardbirds apareció en la escena musical con el tema “For You Love”, demostrando que eran aventureros e innovativos en la historia del rock, pues con el uso de instrumentos exóticos en el rock como bongos y clavicordio, fueron mas allá de imitar a los músicos americanos que incursionaban en el R&B, pues la música era una amalgama de sonidos y un amplio rango de idioms étnicos, junto a las armonías vocales.
En la mitad de la década de los sesenta sus temas “I`M A Man”, “Shapes Of Things” y otros mas ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito.
El grupo sirvió de plataforma a guitarristas destacados como Eric Clapton (marzo-30-1945-Surrey), Jeff Beck (jun-24-1944-Surrey, Inglaterra) y Jimmy Page (ene-9-1944-Londres); pero los otros integrantes también jugaron papeles importantes como el vocalista Keith Relf (mar-22-1943-Richmond, Londres) y el bajista Paul Samwell-Smith (mayo-8-1943-Richmond) que proveían la dirección musical y fuentes importantes de sonido, junto a la imaginación de Chris Dreja (nov-11-1945-Surbiton, Londres) en la guitarra y Jim McCartey en la percusión.
Inicialmente el grupo se formó en Londres en 1963 con Paul, Keith, Chris y Anthony Topham en la guitarra. El grupo tenia otro nombre y comenzaron dentro del R&B.
A la salida de Anthony, entra al grupo Eric Clapton y acompañaban a solistas de cierto renombre y además se presentaban en los sitios donde The Rolling Stones habían iniciado su carrera; pero ya en 1965 cuando apareció el tema “For You Love”, fue un suceso, pues el grupo logra ubicarse entre los primeros en Estados Unidos y Gran Bretaña.
Mas tarde Eric abandona el grupo por desacuerdos con la línea musical del grupo y entonces reclutan a Jeff Beck, que sirvió de inspiración para el grupo por su virtuosismo, logrando ser un perfecto complemento a los experimentos musicales de la agrupación y durante dos años fueron un excelente equipo de trabajo.
Paul deja el grupo y es sustituido por Jimmy Page y en 1966 tras la salida de Jeff, Jimmy se convirtió en líder del grupo y experimentaron con otros nuevos sonidos logrando resultados increíbles; pero ya finalizando la década con nuevos grupos en el escenario musical, los integrantes originales deciden romper con el grupo y tomar otros rumbos, entonces es cuando Jimmy Page con nuevos integrantes forma un nuevo grupo al que finalmente llama Led Zeppelin.
En 1983 Eric, Jeff y Jimmy se uniros en un concierto benéfico en Londres.
martes, 20 de julio de 2010
Rocio Jurado
ROCIO JURADO:
Rocío Jurado (Maria Del Rocío Trinidad Mohedano), nació en Chipiona, Cádiz, España el 18 de septiembre de 1944, y tuvo una infancia feliz y era hija de unos padres cantantes aunque jamás lo hicieron profesionalmente. Siempre amó el canto y en su escuela de monjas donde estudiaba, cantaba en las misas, aunque su mundo era el flamenco y las coplas y la edad de ocho años realiza su primera presentación en público.
Desde niña ganó muchos premios en las emisoras de radio donde se presentaba, aunque ya mayor trabajaba en el campo recolectando frutas; pero en su interior ese gusanillo musical continuaba vivo.
Más tarde decide irse a Madrid, para darse a conocer y allí se presentó a Pastora Imperio, que al oírla cantar le dio una oportunidad en sus presentaciones.
Después de algunos tropiezos y suerte, por fin en 1969 aparece su primer éxito en el espectáculo “Pasodoble” realizado en el Teatro De La Zarzuela de Madrid.
Más tarde es reclamada por Manolo Escobar para trabajar en el cine y participa en “Los Guerrilleros”. De aquí continua su paso en el cine y aparece en “Una Chica Casi Decente”, “Proceso A Una Estrella” y “La Querida”.
Ye entrada en este mundo hace teatro, televisión y viaja a Buenos Aires para hacer mas cine, logrando premios, reconocimiento y participa en espectáculos de bellezas logrando ganar en Italia el tercer puesto en Miss Europa.
Después de estos aciertos, entra de lleno en la canción, triunfa en España y más tarde en América y logra vestir a la copla con trajes de galas, pues cambia y transforma la ropa de volantes y lunares por vestidos de noche. Este acto en sus inicios fue duramente criticado por los sectores más conservadores y reaccionarios; pero finalmente el estilo se impone y es seguido por muchas otras cantantes del mismo estilo, lo que dio la final aprobación a Rocío Jurado y sus lujosos atuendos.
Ella sabia que para triunfar en este mundo era necesario estar preparada y para eso estudio declamación, música, canto, modelaje, todo un conjunto de materias que junto a su calidad vocal, supo aprovechar desde sus inicios.
En 1978 con “De Ahora En Adelante” se reafirma en su país y logra entrar en el mercado americano; pero en 1979, después del fallecimiento de su madre y quedar inmersa en una profunda depresión, reaparece con el trabajo “Señora” con el que resurge y en 1981 otro trabajo de mucha aceptación “Como Una Ola”. En 1983 con “Desde Dentro” y en 1985 con “Paloma Brava” logra mantener su nivel de aceptación y popularidad.
Para Rocío, la ciudad de Miami fue parte de su casa y ahí vivía por algún tiempo y en 1986 fue nombrada reina del carnaval, un homenaje por su calidad, al igual que los otros recibidos como El Guaicapuro De Oro en Venezuela o Artista Internacional en Republica Dominicana y Puerto Rico.
En el año 2000 recibe en New York el premio a la mejor voz femenina del siglo lo que la consagra como la señora de la canción y en el nuevo siglo su colocación dentro de la música es difícil de superar.
Estos logros no han sido por suerte, sino que están avalados por su personalidad y su magnifica voz repleta de potencia y fuerza y como la voz de España es la imagen que ven las jóvenes voces que comienzan su carrera.
Después de casi dos años de duro luchar contra el cáncer del páncreas que la aquejo, el 1 de junio del 2006, a las 5.15 AM, hora de España, dejo de existir físicamente, pues vivirá en sus canciones.
Rocío Jurado (Maria Del Rocío Trinidad Mohedano), nació en Chipiona, Cádiz, España el 18 de septiembre de 1944, y tuvo una infancia feliz y era hija de unos padres cantantes aunque jamás lo hicieron profesionalmente. Siempre amó el canto y en su escuela de monjas donde estudiaba, cantaba en las misas, aunque su mundo era el flamenco y las coplas y la edad de ocho años realiza su primera presentación en público.
Desde niña ganó muchos premios en las emisoras de radio donde se presentaba, aunque ya mayor trabajaba en el campo recolectando frutas; pero en su interior ese gusanillo musical continuaba vivo.
Más tarde decide irse a Madrid, para darse a conocer y allí se presentó a Pastora Imperio, que al oírla cantar le dio una oportunidad en sus presentaciones.
Después de algunos tropiezos y suerte, por fin en 1969 aparece su primer éxito en el espectáculo “Pasodoble” realizado en el Teatro De La Zarzuela de Madrid.
Más tarde es reclamada por Manolo Escobar para trabajar en el cine y participa en “Los Guerrilleros”. De aquí continua su paso en el cine y aparece en “Una Chica Casi Decente”, “Proceso A Una Estrella” y “La Querida”.
Ye entrada en este mundo hace teatro, televisión y viaja a Buenos Aires para hacer mas cine, logrando premios, reconocimiento y participa en espectáculos de bellezas logrando ganar en Italia el tercer puesto en Miss Europa.
Después de estos aciertos, entra de lleno en la canción, triunfa en España y más tarde en América y logra vestir a la copla con trajes de galas, pues cambia y transforma la ropa de volantes y lunares por vestidos de noche. Este acto en sus inicios fue duramente criticado por los sectores más conservadores y reaccionarios; pero finalmente el estilo se impone y es seguido por muchas otras cantantes del mismo estilo, lo que dio la final aprobación a Rocío Jurado y sus lujosos atuendos.
Ella sabia que para triunfar en este mundo era necesario estar preparada y para eso estudio declamación, música, canto, modelaje, todo un conjunto de materias que junto a su calidad vocal, supo aprovechar desde sus inicios.
En 1978 con “De Ahora En Adelante” se reafirma en su país y logra entrar en el mercado americano; pero en 1979, después del fallecimiento de su madre y quedar inmersa en una profunda depresión, reaparece con el trabajo “Señora” con el que resurge y en 1981 otro trabajo de mucha aceptación “Como Una Ola”. En 1983 con “Desde Dentro” y en 1985 con “Paloma Brava” logra mantener su nivel de aceptación y popularidad.
Para Rocío, la ciudad de Miami fue parte de su casa y ahí vivía por algún tiempo y en 1986 fue nombrada reina del carnaval, un homenaje por su calidad, al igual que los otros recibidos como El Guaicapuro De Oro en Venezuela o Artista Internacional en Republica Dominicana y Puerto Rico.
En el año 2000 recibe en New York el premio a la mejor voz femenina del siglo lo que la consagra como la señora de la canción y en el nuevo siglo su colocación dentro de la música es difícil de superar.
Estos logros no han sido por suerte, sino que están avalados por su personalidad y su magnifica voz repleta de potencia y fuerza y como la voz de España es la imagen que ven las jóvenes voces que comienzan su carrera.
Después de casi dos años de duro luchar contra el cáncer del páncreas que la aquejo, el 1 de junio del 2006, a las 5.15 AM, hora de España, dejo de existir físicamente, pues vivirá en sus canciones.
Los Diablos Rojos
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LOS DIABLOS ROJOS:
A España comenzaron a llegar el ritmo del rock and roll a través de discos y entre los mas destacados en este país fueron Elvis Presley y The Shadows y rápidamente se comenzaron a formar grupos seguidores de la nueva corriente como Los Estudiantes, Los Pekenikes y Los Diablos Rojos. Estas formaciones dieron paso a la entrada de muchos más grupos y solistas que provenían de Estados Unidos y Gran Bretaña.
En 1962 se forman Los Diablos Rojos y como sucedía por aquellos años se presentaban en programas radiales y en las matinales de los domingos en plazas públicas.
Inicialmente la formación se creo con la participación de Joaquín Torres, en la guitarra solista, Guillermo Polo en la batería, Jaime Palafox en el bajo y en la guitarra rítmica estaba Ignacio Albeniz
Inicialmente no contaban con un vocalista; pero mas tarde la entrada de Felete, un cantante que tuvo un breve tiempo dentro de la agrupación, pues finalmente se la agrupación se disolvió y algunos de sus integrantes se sumaron a nuevas agrupaciones.
Durante la década de los setenta el furor de las agrupaciones se fue desvaneciendo; pero en la década de los ochenta, tras el resurgir de los grupos y reaparecer agrupaciones ya olvidadas, este grupo tuvo su revivir con algunos integrantes originales y otros nuevos; pero manteniendo su misma línea inicial y se han quedado tal vez por mucho mas tiempo para deleite de sus seguidores iniciales y disfrute de las nuevas generaciones.
A España comenzaron a llegar el ritmo del rock and roll a través de discos y entre los mas destacados en este país fueron Elvis Presley y The Shadows y rápidamente se comenzaron a formar grupos seguidores de la nueva corriente como Los Estudiantes, Los Pekenikes y Los Diablos Rojos. Estas formaciones dieron paso a la entrada de muchos más grupos y solistas que provenían de Estados Unidos y Gran Bretaña.
En 1962 se forman Los Diablos Rojos y como sucedía por aquellos años se presentaban en programas radiales y en las matinales de los domingos en plazas públicas.
Inicialmente la formación se creo con la participación de Joaquín Torres, en la guitarra solista, Guillermo Polo en la batería, Jaime Palafox en el bajo y en la guitarra rítmica estaba Ignacio Albeniz
Inicialmente no contaban con un vocalista; pero mas tarde la entrada de Felete, un cantante que tuvo un breve tiempo dentro de la agrupación, pues finalmente se la agrupación se disolvió y algunos de sus integrantes se sumaron a nuevas agrupaciones.
Durante la década de los setenta el furor de las agrupaciones se fue desvaneciendo; pero en la década de los ochenta, tras el resurgir de los grupos y reaparecer agrupaciones ya olvidadas, este grupo tuvo su revivir con algunos integrantes originales y otros nuevos; pero manteniendo su misma línea inicial y se han quedado tal vez por mucho mas tiempo para deleite de sus seguidores iniciales y disfrute de las nuevas generaciones.
The Angels
THE ANGELS:
En 1961 el grupo The Angels, procedente de New Jersey, debuta con su hit “My Boyfriend Is Back” y pasan a integrar un grupo de media docena de grupos vocales femeninos clásicos, donde las palmadas, sonido vocal lírico muy acoplado y armonioso aparecieron por aquellos días.
Este trabajo estuvo acompañado de otros éxitos como “Till” y “Cry Baby Cry.,
Las chicas se inclinaron por el llamado sonido doo-wop y el trío estuvo integrado por las hermanas Barbara y Phyllis Allbut, junto a la líder vocal Linda Jansen; pero en 1962 decide tomar otro rumbo y es reemplazada por Peggy Santiglia.
Ellas se mantuvieron en el candelero musical con trabajos como “Thank You And Goodnight”, “I Adore Him” y “Wow Wow Wee (He`s The Boy For Me)”. Sus trabajos decentes y realizados con gran esfuerzo lograron mantenerlas en competencia con los otros grupos de la época, sobretodo los de la región de New York.
Durante el resto de la década de los sesenta continuaron grabando y sirviendo de backup; pero sin gran éxito.
En 1961 el grupo The Angels, procedente de New Jersey, debuta con su hit “My Boyfriend Is Back” y pasan a integrar un grupo de media docena de grupos vocales femeninos clásicos, donde las palmadas, sonido vocal lírico muy acoplado y armonioso aparecieron por aquellos días.
Este trabajo estuvo acompañado de otros éxitos como “Till” y “Cry Baby Cry.,
Las chicas se inclinaron por el llamado sonido doo-wop y el trío estuvo integrado por las hermanas Barbara y Phyllis Allbut, junto a la líder vocal Linda Jansen; pero en 1962 decide tomar otro rumbo y es reemplazada por Peggy Santiglia.
Ellas se mantuvieron en el candelero musical con trabajos como “Thank You And Goodnight”, “I Adore Him” y “Wow Wow Wee (He`s The Boy For Me)”. Sus trabajos decentes y realizados con gran esfuerzo lograron mantenerlas en competencia con los otros grupos de la época, sobretodo los de la región de New York.
Durante el resto de la década de los sesenta continuaron grabando y sirviendo de backup; pero sin gran éxito.
lunes, 19 de julio de 2010
Gloria Simonetti
GLORIA SIMONETTI:
La voz de la chilena Gloria Simonetti es bella, tal vez una de las mas hermosas de la música popular de su país y en festivales del mundo entero ha ocupado puestos de envergadura y por muchos años se ha sabido mantener en este medio tan difícil y complicado.
En 1967, después de firmar para RCA Víctor, viaja al Festival De Viña Del Mar. En 1969 una vez más en Viña Del Mar, esta vez con el tema titulado “Mira, Mira”, de Scottie Scott logra el primer lugar, de aquí viaja a Benidorm y después aparece en otro espectáculo en Grecia.
En 1971 se presenta en Cuba y la respuesta popular es excelente. Sus triunfos no quedan ahí, pues después viene en 1973 su galardón a la mejor intérprete en Bulgaria y es con un trabajo titulado “Nuestro Tiempo Termina”. También ese año en Puerto Rico entre setenta aspirantes logra el segundo lugar.
Durante muchos años ha mantenido un status privilegiado dentro de la música y entre sus mayores éxitos están “Prohibido”, “El Amor Es La Fuerza”, ‘Hasta Que Decidas Regresar” y muchos mas sin dejar mencionar su interpretación especial que realiza en “Gracias A La Vida”, la cual no puede dejar de interpretar en sus apariciones en vivo. Su éxito es indiscutido y su vigencia se muestra con su nuevo trabajo titulado “Amandote”.
Debe destacarse que fue la primera artista femenina en ofrecer un recital en su país y eso fue en Santiago, en el teatro municipal y logro una respuesta y aceptación increíble.
La voz de la chilena Gloria Simonetti es bella, tal vez una de las mas hermosas de la música popular de su país y en festivales del mundo entero ha ocupado puestos de envergadura y por muchos años se ha sabido mantener en este medio tan difícil y complicado.
En 1967, después de firmar para RCA Víctor, viaja al Festival De Viña Del Mar. En 1969 una vez más en Viña Del Mar, esta vez con el tema titulado “Mira, Mira”, de Scottie Scott logra el primer lugar, de aquí viaja a Benidorm y después aparece en otro espectáculo en Grecia.
En 1971 se presenta en Cuba y la respuesta popular es excelente. Sus triunfos no quedan ahí, pues después viene en 1973 su galardón a la mejor intérprete en Bulgaria y es con un trabajo titulado “Nuestro Tiempo Termina”. También ese año en Puerto Rico entre setenta aspirantes logra el segundo lugar.
Durante muchos años ha mantenido un status privilegiado dentro de la música y entre sus mayores éxitos están “Prohibido”, “El Amor Es La Fuerza”, ‘Hasta Que Decidas Regresar” y muchos mas sin dejar mencionar su interpretación especial que realiza en “Gracias A La Vida”, la cual no puede dejar de interpretar en sus apariciones en vivo. Su éxito es indiscutido y su vigencia se muestra con su nuevo trabajo titulado “Amandote”.
Debe destacarse que fue la primera artista femenina en ofrecer un recital en su país y eso fue en Santiago, en el teatro municipal y logro una respuesta y aceptación increíble.
The Who
THE WHO:
The Who asaltó el mundo del rock en 1965 y lo hizo de una forma muy propia, pues la manera de vestir era muy particular y el escenario donde se presentaban, estaba lleno de baterías y montones de amplificadores, creando un sonido de rock jamás escuchado y se unieron a The Beatles y Rolling Stones en lo que era crear dinastías musicales.
Las canciones eran evocativas, que junto a la manera mod de vestir con la destrucción del escenario y los instrumentos fue algo muy característico en ellos.
El líder y guitarrista Pete Townshend (mayo-19-1945-Chiswik), creó junto al vocalista Roger Daltrey (mar-1-1945-Londres), el bajista John Entwistle (oct-9-1944-Londres) y Keith Moon (agost-23-1947-Londres) en la batería un grupo de larga carrera, que aun en los noventa daba de que hablar.
Sus temas evocaban la rebelión y la excitación de los inocentes de la época, ellos fueron innovativos y supieron crear sonidos de sus instrumentos, que realmente llamaron la atención y junto a la armonía vocal no se detuvieron hasta llegar a la cumbre y al éxito dentro de la música.
The Who en el escenario enloquecía; pero eso no quitaba merito a la calidad y ya en 1966 sus temas se habían consolidado en Gran Bretaña, aunque eran desconocidos en América; pero en 1967 eso cambió y lograron tras presentarse en New York ocupar las listas de éxito a ambos lados del Atlántico, cosa que se mantuvo durante los dos años siguientes. Inicialmente se presentaron con otros nombres; pero finalmente adoptaron The Who y Pete se encargo de componer la mayoría de los trabajos de la banda y de sus álbumes considerados conceptos musicales, aunque también hay que darle crédito a John que también supo crear trabajos que dieron popularidad a la banda. Son pioneros de la llamada opera rock y precursores del punk y britpop. Antes de formar la agrupación sus inegrantes ya habían adquirido cierta experiencia en bandas anteriores, algo que los ayudo a su futuro éxito.
Su primer gran éxito fue “I Can`t Explain” y poco tiempo después apareció “My Generation”, un álbum cargado de sus himnos mod como “The Kids All Alright” y el que da título al disco que se convertio en el himno de la banda. Tras la poca promoción de la casa Decca deciden romper su contrato y en 1966 se destacan con el tema “Substitute”, un trabajo muy conocido de la banda, después llegaron “I`m A Boy”, considerado el primer intento de una ópera rock, seguidos de “Happy Jack” y “Pictures Of Lily” donde demostraba las confusiones mentales y sexuales de la juventud. Su gira por Estados Unidos les sirvió para tomar mayor popularidad y lograr mayor número de seguidores tras sus famosas destrucciones de los instrumentos al finalizar su espectáculos e incluso aparecieron como teloneros de Herman`s Hermits y después del incidente ocasionado en el hotel donde se hospedaban, tras aparecer un carro en la piscina del hotel les fue prohibido regresar a este, hecho que les dio mayos número de seguidores. En 1967 aparece su tercer álbum “The Who Sell Out”, considerado un homenaje a las emisoras piratas de la época y uno de los mejores trabajos del año. De este disco destacaron “I Can See For Miles” y “Mary Anne The Shaky Hand” mencionando el tema de la masturbación.
En 1969 ya se habían establecido internacionalmente y entonces realizaron una gira mundial repleta de éxitos. Este año también vio la luz “Tommy” un álbum doble que fue el primero en contener ópera rock con éxito, complejo trabajo que tanto critica como publico acepto y sirvió para que Townshed quedara consagrado. Los años 1970-1972 fueron de total éxito y de estos días es “The Seeker” y álbum doble grabado en vivo en la universidad de Leeds.
Entonces vino un periodo donde declinaron, tras los intentos de Pete de editar un trabajo demasiado complejo “Lifehouse”; pero después con “Who`s Next” en 1971 y mas tarde apareció su disco de rock-opera “Quadrophenia” en 1973 logran colocarse una vez mas en el tope de las listas de éxito.
Entre 1974 y 1978 la banda presento varios problemas de alcoholismo y depresión hasta que finalmente Moon falleció en 1978 por el uso de drogas para sacarlo de su afinidad con el alcohol, entonces fue sustituido por Kenny Jones; pero no obstante al esfuerzo de la agrupación, la carrera del grupo declinó, hasta que en 1982 el grupo se desbando.
En 1989 el grupo se reforma y realizan un tour por Estados Unidos, al siguiente año fueron incluidos en el hall de la fama del rock and roll. En ocasiones han realizados presentaciones e incluso varias grabaciones. Aun continúan dando que hacer, definitivamente no están retirados y quien sabe hasta cuándo aunque han incluidos nuevos integrantes tras la desaparición de John en el 2002 por un ataque al corazón.
The Who asaltó el mundo del rock en 1965 y lo hizo de una forma muy propia, pues la manera de vestir era muy particular y el escenario donde se presentaban, estaba lleno de baterías y montones de amplificadores, creando un sonido de rock jamás escuchado y se unieron a The Beatles y Rolling Stones en lo que era crear dinastías musicales.
Las canciones eran evocativas, que junto a la manera mod de vestir con la destrucción del escenario y los instrumentos fue algo muy característico en ellos.
El líder y guitarrista Pete Townshend (mayo-19-1945-Chiswik), creó junto al vocalista Roger Daltrey (mar-1-1945-Londres), el bajista John Entwistle (oct-9-1944-Londres) y Keith Moon (agost-23-1947-Londres) en la batería un grupo de larga carrera, que aun en los noventa daba de que hablar.
Sus temas evocaban la rebelión y la excitación de los inocentes de la época, ellos fueron innovativos y supieron crear sonidos de sus instrumentos, que realmente llamaron la atención y junto a la armonía vocal no se detuvieron hasta llegar a la cumbre y al éxito dentro de la música.
The Who en el escenario enloquecía; pero eso no quitaba merito a la calidad y ya en 1966 sus temas se habían consolidado en Gran Bretaña, aunque eran desconocidos en América; pero en 1967 eso cambió y lograron tras presentarse en New York ocupar las listas de éxito a ambos lados del Atlántico, cosa que se mantuvo durante los dos años siguientes. Inicialmente se presentaron con otros nombres; pero finalmente adoptaron The Who y Pete se encargo de componer la mayoría de los trabajos de la banda y de sus álbumes considerados conceptos musicales, aunque también hay que darle crédito a John que también supo crear trabajos que dieron popularidad a la banda. Son pioneros de la llamada opera rock y precursores del punk y britpop. Antes de formar la agrupación sus inegrantes ya habían adquirido cierta experiencia en bandas anteriores, algo que los ayudo a su futuro éxito.
Su primer gran éxito fue “I Can`t Explain” y poco tiempo después apareció “My Generation”, un álbum cargado de sus himnos mod como “The Kids All Alright” y el que da título al disco que se convertio en el himno de la banda. Tras la poca promoción de la casa Decca deciden romper su contrato y en 1966 se destacan con el tema “Substitute”, un trabajo muy conocido de la banda, después llegaron “I`m A Boy”, considerado el primer intento de una ópera rock, seguidos de “Happy Jack” y “Pictures Of Lily” donde demostraba las confusiones mentales y sexuales de la juventud. Su gira por Estados Unidos les sirvió para tomar mayor popularidad y lograr mayor número de seguidores tras sus famosas destrucciones de los instrumentos al finalizar su espectáculos e incluso aparecieron como teloneros de Herman`s Hermits y después del incidente ocasionado en el hotel donde se hospedaban, tras aparecer un carro en la piscina del hotel les fue prohibido regresar a este, hecho que les dio mayos número de seguidores. En 1967 aparece su tercer álbum “The Who Sell Out”, considerado un homenaje a las emisoras piratas de la época y uno de los mejores trabajos del año. De este disco destacaron “I Can See For Miles” y “Mary Anne The Shaky Hand” mencionando el tema de la masturbación.
En 1969 ya se habían establecido internacionalmente y entonces realizaron una gira mundial repleta de éxitos. Este año también vio la luz “Tommy” un álbum doble que fue el primero en contener ópera rock con éxito, complejo trabajo que tanto critica como publico acepto y sirvió para que Townshed quedara consagrado. Los años 1970-1972 fueron de total éxito y de estos días es “The Seeker” y álbum doble grabado en vivo en la universidad de Leeds.
Entonces vino un periodo donde declinaron, tras los intentos de Pete de editar un trabajo demasiado complejo “Lifehouse”; pero después con “Who`s Next” en 1971 y mas tarde apareció su disco de rock-opera “Quadrophenia” en 1973 logran colocarse una vez mas en el tope de las listas de éxito.
Entre 1974 y 1978 la banda presento varios problemas de alcoholismo y depresión hasta que finalmente Moon falleció en 1978 por el uso de drogas para sacarlo de su afinidad con el alcohol, entonces fue sustituido por Kenny Jones; pero no obstante al esfuerzo de la agrupación, la carrera del grupo declinó, hasta que en 1982 el grupo se desbando.
En 1989 el grupo se reforma y realizan un tour por Estados Unidos, al siguiente año fueron incluidos en el hall de la fama del rock and roll. En ocasiones han realizados presentaciones e incluso varias grabaciones. Aun continúan dando que hacer, definitivamente no están retirados y quien sabe hasta cuándo aunque han incluidos nuevos integrantes tras la desaparición de John en el 2002 por un ataque al corazón.
Rocio Durcal
ROCIO DURCAL:
Roció Durcal nació en el barrio de Cuatro Caminos, Madrid, el 4 de octubre de 1944 y su nombre verdadero es Maria De Los Ángeles De Las Heras Ortiz. Provenía de una familia obrera y cuando pequeña era tranquila, nadie imaginaba el futuro que tendría por su forma de ser. Desde edad escolar soñaba con ser artista y le gustaba cantar para sus compañeros de clase y así fue creciendo su inclinación por el arte.
Su abuelo, a escondidas de la familia, siempre la acompañaba a recorrer las emisoras de radio donde se realizaban concursos, que casi siempre ganaba y la edad de quince años dio su primer paso profesional y fue en Televisión Española, en un programa concurso Salto A La Fama y Luis Sanz un cazatalentos de mucha reputación, rápidamente se puso en contacto con su familia. Aquí por primera vez habló ella de sus deseos de ser artista y también aquí comenzó su entrenamiento que incluyó, clases de canto, actuación, literatura, historia del arte y todo lo relacionado al cine y el canto. Más tarde pruebas fotogénicas las que pasaría sin dificultades y a la vez que esto sucedía era introducida en ese mundo donde conoce a figuras de la talla de Jorge Mistral, Lola Flores, Carmen Sevilla y Paquita Rico por mencionar algunos.
Finalmente llega la hora de su primer trabajo en el cine “Canción De Juventud” (1962) y aquí demostró que no se había equivocado, pues las ventas de taquilla fueron por todo lo alto y el éxito espectacular.
En 1962 aparece el segundo trabajo en cine para Roció y en esta ocasión fue con “Roció De La Mancha”. Para la promoción se realizó una gira por España y esto provocó verdaderos tumultos, pues a su paso todos la querían conocer y ella sabía hacerlo, pues su comportamiento ante los admiradores fue fenomenal.
A la edad de diecisiete años viaja a México y más tarde a Venezuela, Puerto Rico y poco a poco se fue dando a conocer. En 1963 otra nueva película, “La Chica Del Trébol” y su papel como actriz fue maravilloso.
En su cuarta película en 1964, “Tengo 17 Años”, mostró que ya había madurado mucho y muestra que ya no es una niña. Este año también trabajó en el teatro y su papel fue magnifico. En 1965 aparece en “Mas Bonita Que Ninguna”.
En los siguientes años sus trabajos en “Acompáñame” y “Buenos Días Condesita”, en 1966, “Amor En El Aire” realizada en 1967 continuaron mostrando que su trabajo iba en asenso y ya no era la chica prodigio de su infancia, sino una artista que se iba consagrando cada día mas. Después continuaron otras como “Cristina Guzmán” en 1968, “Las Leandras” realizada en 1969 y el 15 de enero de 1970 contrajo matrimonio con el ya famoso Junior, con el que tuvo un corto noviazgo de nueve meses.
Después de un corto retiro para atender a su hija, regresa a su trabajo en 1971 con "La Novicia Rebelde”, “Marianela” en 1972 y “Díselo Con Flores” en 1974.
En 1974 también aparece en el teatro con “La Muchacha Sin Retorno” y en 1976, en un viaje a México, conoció a Juan Gabriel y este encuentro determino un cambio en su trabajo, pues aquí comenzó a desarrollar aun más su carrera de cantante y en 1977, después de aparecer su primer trabajo discográfico con temas de Juan Gabriel su carrera como cantante ascendió vertiginosamente. Este año también trabaja en el cine en el film “Me Siento Extraña”.
Con Juan Gabriel realiza cinco producciones discográficas, de donde destacaron temas como “Costumbres”, “Me Gustas Mucho”, “Perdóname Olvídalo" y otras mas.
Mas tarde se distancia del compositor y graba algunos trabajos de boleros del compositor Rafael Pérez Botija de donde destaca “La Gata Bajo La Lluvia” y “Jamás Te Dejaré”, cosa que la mantuvo en el gusto popular. También trabajo con Marco Antonio Solís que resultó de un éxito increíble y así la década de los ochenta y noventa transcurren con un éxito increíble, logrando mantenerse en el tope de la popularidad.
No cabe dudas que Roció Durcal desde sus inicios demostró su calidad artística y esto junto con su sencillez la han ayudado a mantenerse durante mucho tiempo en la popularidad y el gusto del público.
Mas tarde sus temas de Rafael Pérez Botija, Roberto Livi y Bebu Silvetti donde demuestra versatilidad y su último disco del 2002, donde destacan “Sombras Nada Mas”, “Caminito” y “A Media Luz” han hecho de Roció Durcal una estrella que no tiene fronteras en el canto.
La carrera musical de Rocio Durcal esta avalada por ventas de más de un millón de discos, algo no logrado por otra cantante española y pasará mucho tiempo para que aparezca otra artista con sus tan admirables cualidades vocales y artísticas y también una responsabilidad ante el publico que no muchos otros cantantes poseen.
Desafortunadamente desde el 2001 su salud la alejado de los escenarios, hasta que el 25 de marzo del 2006 a las 7.30 PM, hora de España, perdió la batalla con el cáncer vaginal que la aquejo y que finalmente hizo metástasis en los pulmones.
De lo que estamos seguro de ahora en adelante es que el amor esta en aire porque el amor es eterno y nos quedaremos con ella no solo esta noche, sino todas las noches. Q.E.P.D.
Roció Durcal nació en el barrio de Cuatro Caminos, Madrid, el 4 de octubre de 1944 y su nombre verdadero es Maria De Los Ángeles De Las Heras Ortiz. Provenía de una familia obrera y cuando pequeña era tranquila, nadie imaginaba el futuro que tendría por su forma de ser. Desde edad escolar soñaba con ser artista y le gustaba cantar para sus compañeros de clase y así fue creciendo su inclinación por el arte.
Su abuelo, a escondidas de la familia, siempre la acompañaba a recorrer las emisoras de radio donde se realizaban concursos, que casi siempre ganaba y la edad de quince años dio su primer paso profesional y fue en Televisión Española, en un programa concurso Salto A La Fama y Luis Sanz un cazatalentos de mucha reputación, rápidamente se puso en contacto con su familia. Aquí por primera vez habló ella de sus deseos de ser artista y también aquí comenzó su entrenamiento que incluyó, clases de canto, actuación, literatura, historia del arte y todo lo relacionado al cine y el canto. Más tarde pruebas fotogénicas las que pasaría sin dificultades y a la vez que esto sucedía era introducida en ese mundo donde conoce a figuras de la talla de Jorge Mistral, Lola Flores, Carmen Sevilla y Paquita Rico por mencionar algunos.
Finalmente llega la hora de su primer trabajo en el cine “Canción De Juventud” (1962) y aquí demostró que no se había equivocado, pues las ventas de taquilla fueron por todo lo alto y el éxito espectacular.
En 1962 aparece el segundo trabajo en cine para Roció y en esta ocasión fue con “Roció De La Mancha”. Para la promoción se realizó una gira por España y esto provocó verdaderos tumultos, pues a su paso todos la querían conocer y ella sabía hacerlo, pues su comportamiento ante los admiradores fue fenomenal.
A la edad de diecisiete años viaja a México y más tarde a Venezuela, Puerto Rico y poco a poco se fue dando a conocer. En 1963 otra nueva película, “La Chica Del Trébol” y su papel como actriz fue maravilloso.
En su cuarta película en 1964, “Tengo 17 Años”, mostró que ya había madurado mucho y muestra que ya no es una niña. Este año también trabajó en el teatro y su papel fue magnifico. En 1965 aparece en “Mas Bonita Que Ninguna”.
En los siguientes años sus trabajos en “Acompáñame” y “Buenos Días Condesita”, en 1966, “Amor En El Aire” realizada en 1967 continuaron mostrando que su trabajo iba en asenso y ya no era la chica prodigio de su infancia, sino una artista que se iba consagrando cada día mas. Después continuaron otras como “Cristina Guzmán” en 1968, “Las Leandras” realizada en 1969 y el 15 de enero de 1970 contrajo matrimonio con el ya famoso Junior, con el que tuvo un corto noviazgo de nueve meses.
Después de un corto retiro para atender a su hija, regresa a su trabajo en 1971 con "La Novicia Rebelde”, “Marianela” en 1972 y “Díselo Con Flores” en 1974.
En 1974 también aparece en el teatro con “La Muchacha Sin Retorno” y en 1976, en un viaje a México, conoció a Juan Gabriel y este encuentro determino un cambio en su trabajo, pues aquí comenzó a desarrollar aun más su carrera de cantante y en 1977, después de aparecer su primer trabajo discográfico con temas de Juan Gabriel su carrera como cantante ascendió vertiginosamente. Este año también trabaja en el cine en el film “Me Siento Extraña”.
Con Juan Gabriel realiza cinco producciones discográficas, de donde destacaron temas como “Costumbres”, “Me Gustas Mucho”, “Perdóname Olvídalo" y otras mas.
Mas tarde se distancia del compositor y graba algunos trabajos de boleros del compositor Rafael Pérez Botija de donde destaca “La Gata Bajo La Lluvia” y “Jamás Te Dejaré”, cosa que la mantuvo en el gusto popular. También trabajo con Marco Antonio Solís que resultó de un éxito increíble y así la década de los ochenta y noventa transcurren con un éxito increíble, logrando mantenerse en el tope de la popularidad.
No cabe dudas que Roció Durcal desde sus inicios demostró su calidad artística y esto junto con su sencillez la han ayudado a mantenerse durante mucho tiempo en la popularidad y el gusto del público.
Mas tarde sus temas de Rafael Pérez Botija, Roberto Livi y Bebu Silvetti donde demuestra versatilidad y su último disco del 2002, donde destacan “Sombras Nada Mas”, “Caminito” y “A Media Luz” han hecho de Roció Durcal una estrella que no tiene fronteras en el canto.
La carrera musical de Rocio Durcal esta avalada por ventas de más de un millón de discos, algo no logrado por otra cantante española y pasará mucho tiempo para que aparezca otra artista con sus tan admirables cualidades vocales y artísticas y también una responsabilidad ante el publico que no muchos otros cantantes poseen.
Desafortunadamente desde el 2001 su salud la alejado de los escenarios, hasta que el 25 de marzo del 2006 a las 7.30 PM, hora de España, perdió la batalla con el cáncer vaginal que la aquejo y que finalmente hizo metástasis en los pulmones.
De lo que estamos seguro de ahora en adelante es que el amor esta en aire porque el amor es eterno y nos quedaremos con ella no solo esta noche, sino todas las noches. Q.E.P.D.
sábado, 17 de julio de 2010
Los Diablos
LOS DIABLOS:
Los Diablos lograron convertirse en uno de los conjuntos más populares y de mayor en duración en España, a pesar de que su música estaba considerada de verano. Después de su éxito “Un Rayo De Sol”, se volvieron imparables y lograron competir directamente con grupos como Formula V y Los Mitos. Ellos, como un dúo, y bajo el nombre de Los Diablillos Del Rock se formaron en los alrededores de Barcelona y estaban formados por Agustín Ramírez (Barcelona) como cantante y Enrique Marín (Barcelona) en la guitarra e interpretaban temas de moda.
Mas tarde Emilio Sancho (Hospitalet de Llobregat) en la batería, y Amado Jaén (Tetuán, Marruecos) en el bajo, se integran al dúo y establecidos ahora como cuarteto logran grabar algunos temas como “Tu También Serás Ye-Ye” y “Brutal”, esto en 1966. La inclusión de A. Jaén fue clave para las aspiraciones de Los Diablos, pues ellos sabían que en esta época para triunfar necesitaban composiciones propias y él además de componer adaptaba temas extranjeros para el grupo.
En el año 1967 un nuevo disco donde incluyeron “Así Fue”, “Solitario” y Catedral De Winchester” .
Finalmente el cuarteto se transforma en quinteto al incluir al italiano Gianni Escavinni en el organo y toman el nombre de Los Diablos.
Entre los años 1968 y 1969 con el sello Regal editan temas como “Gracias Amor”, “Querida Eloisa”, “Sol, Amor Y Mar”, “En Casa De Tomas” y otras cuantas mas; pero no tuvieron mucho acierto.
Con la casa Odeón en 1970, y el tema “Un Rayo De Sol” logran vender cuatrocientas mil copias y reciben un disco de oro y terminan por instalarse durante quince semanas en el primer lugar de las listas españolas. Este tema les abrió las puertas de la popularidad cuando todo indicaba que serian despedidos de la disquera por las ventas bajas y todo fue obra de la casualidad, pues una cinta que contenía un tema titulado “Fernando”, compuesto por D. Vangarde y C. Carrere y que interpretaban el dúo belga Jesse & James fue a parar a manos de Tony Ronald y al escucharlo se dio cuenta que allí estaba la salvación. El tema “Un Rayo De Sol” pasó a ser la canción del verano en 1970, cosa que Los Brincos lograron con “Lola” en 1967, Los Canarios en 1968 con “Ponte De Rodillas”, seguidos de Formula V y “La Playa, El Sol, El Mar, El Cielo Y Tú” y en 1969 Los Payos y su “Maria Isabel” Ya aquí comienzan una carrera abiertamente declarada música de verano, aunque en ocasiones incursionaron dentro la música social. En la otra cara del sencillo estaba “Una Mañana”. Cabe destacar que el compositor de lo que Los Diablos titularon “Un Rayo De Sol” finalmente cobró sus ganancias e incluso continuo colaborando con ellos de una manera bien estrecha.
Después del éxito logrado, comenzaron a recorrer toda España y los escenarios se abarrotaban como nunca antes; pero para los críticos la música y las letras de Los Diablos eran sencillas, falta de calidad y llena de estribillos repetitivos: pero ellos argumentaban que su música era fresca y divertida.
Si algo a favor tuvieron ellos es que sus producciones eran hechas con mucha calidad junto al buen uso de las voces, cosa que los llevo a ser un grupo de superventas, además ya eran otros años, pues la música progresiva se imponía sobre el pop de los 60.
En 1970 también grabaron otros temas como “Cantar Y Cantar”y “Oh, Oh Nada Mas”.
En el año 1971 reaparecieron nuevamente con su estilo y editaron “Fin De Semana”, que significó otro disco de oro, en la otra cara aparecía “Me Conformare”.
“Manda Christmas” y “Cara Al Viento” fue otro sencillo editado ese mismo año.
Agustín siempre fue la figura central, pues marcaba el grupo por su desenfado y alegría.
En 1972 Los Diablos vuelven a la carga esta vez con “Oh, Oh, July” que les daría su tercer disco de oro. En la otra cara “Feliz Cumpleaños”, mas tarde llegarían “Niña De Papa” y “El Tiempo Pasa”. Este año también aparece un larga duración con temas editados anteriormente.
Al siguiente año repiten el éxito en esta oportunidad con temas con “Mi Talismán” y “Me Voy, Me Voy”, seguido de otro sencillo que aportaba “Lazos De Amistad” y “Samba Eaio”.
Las canciones de Los Diablos independientemente de ser un grupo con canciones de verano o tal vez por eso, lograron que gustasen por igual a los padres y a los hijos lo que los convertía en un grupo familiar.
En 1974 “Acalorado” y “Cuarto De Estar” forman parte de nuevo sencillo que fue seguido de “Un Gramo De Felicidad” y “Hey, Hey, Hey”, temas que mantiene a Los Diablos en la competencia musical y les permite publicar otro LPs titulado “Acalorado”.
Entre 1975 y 1977 Los Diablos siguieron dando a luz sus temas alegres, veraniegos y sencillos y durante estos años aparecieron “Rosana” y “Luna De Miel” en 1975, “El Sol Nace Para Todos” y “Ve Y Síguele”en 1976 y finalizando su carrera“Velas Al Viento”, además de varios discos de larga duración recopilando temas anteriores junto a otros nuevos. A estos años pertenecen los LP “Aniversario” y “Que Suene Ya La Banda”.
Los Diablos sabían que para triunfar necesitaban temas propios o inéditos, y esto lo aprendieron en sus inicios cuando realizaban versiones libres de temas extranjeros sin mucho éxito y para eso ya estaban Los Mustang que se habían ganado un puesto realizando ese trabajo y sus versiones eran copias exactas.
En el invierno 1977 cansados de tanto viajar decidieron separarse y cada cual tomo un rumbo diferente.
En 1982 Los Diablos decidieron regresar y recibieron un nuevo contrato, en este caso por la casa Belter, aquí grabaron otros temas y volvieron a la cumbre. Su casa discográfica anterior aprovechó el revival de la música de los sesenta y setenta y su nueva reaparición para editar sus éxitos anteriores. Por supuesto la televisión también reclamó su presencia y de esta forma regresaron a la fama por segunda vez.
Durante los siguientes años continuaron grabando nuevas canciones y ya en los 90 continuaron cuesta arriba.
En 1992, ahora con la compañía Horus, celebraron sus bodas de plata con un nuevo larga duración bajo el nombre de “Los Diablos A Toda Marcha”, que incluía éxitos de verano e invierno. En 1993 otro larga duración “Un Diablo En El Corazón” con nuevos trabajos.
Con fecha de 1995 publicaron otro trabajo, en esta ocasión aparecieron junto a artistas de la época como Peret y cantando “Borriquito”, con Los Payos, “Maria Isabel”, “La Escoba” con Los Sirex, con Tony Ronald “Help”y con Santa Bárbara “Le Llamaban Charly” . El éxito logrado con Formula V en este disco fue tanto que decidieron grabar; pero esta vez juntos como Formula-Diablos y en ocasiones continúan trabajando unidos, pasando de rivales a amigos.
No hay dudas de que a pesar de ser sus temas alegres y sencillos, y de su música ligera en su gran mayoría, económicamente fueron un buen negocio para su productor, el conocido Tony Ronald.
En una ocasión se presentaron en la televisión alemana y Agustín cantó a duo con Julio Iglesias.
Definitivamente ellos están lejos de ser el mejor grupo de música pop en España durante las décadas de los sesenta y setenta; pero lo que si es innegable su gran popularidad a nivel nacional e incluso dentro del publico latinoamericano.
Los Diablos lograron convertirse en uno de los conjuntos más populares y de mayor en duración en España, a pesar de que su música estaba considerada de verano. Después de su éxito “Un Rayo De Sol”, se volvieron imparables y lograron competir directamente con grupos como Formula V y Los Mitos. Ellos, como un dúo, y bajo el nombre de Los Diablillos Del Rock se formaron en los alrededores de Barcelona y estaban formados por Agustín Ramírez (Barcelona) como cantante y Enrique Marín (Barcelona) en la guitarra e interpretaban temas de moda.
Mas tarde Emilio Sancho (Hospitalet de Llobregat) en la batería, y Amado Jaén (Tetuán, Marruecos) en el bajo, se integran al dúo y establecidos ahora como cuarteto logran grabar algunos temas como “Tu También Serás Ye-Ye” y “Brutal”, esto en 1966. La inclusión de A. Jaén fue clave para las aspiraciones de Los Diablos, pues ellos sabían que en esta época para triunfar necesitaban composiciones propias y él además de componer adaptaba temas extranjeros para el grupo.
En el año 1967 un nuevo disco donde incluyeron “Así Fue”, “Solitario” y Catedral De Winchester” .
Finalmente el cuarteto se transforma en quinteto al incluir al italiano Gianni Escavinni en el organo y toman el nombre de Los Diablos.
Entre los años 1968 y 1969 con el sello Regal editan temas como “Gracias Amor”, “Querida Eloisa”, “Sol, Amor Y Mar”, “En Casa De Tomas” y otras cuantas mas; pero no tuvieron mucho acierto.
Con la casa Odeón en 1970, y el tema “Un Rayo De Sol” logran vender cuatrocientas mil copias y reciben un disco de oro y terminan por instalarse durante quince semanas en el primer lugar de las listas españolas. Este tema les abrió las puertas de la popularidad cuando todo indicaba que serian despedidos de la disquera por las ventas bajas y todo fue obra de la casualidad, pues una cinta que contenía un tema titulado “Fernando”, compuesto por D. Vangarde y C. Carrere y que interpretaban el dúo belga Jesse & James fue a parar a manos de Tony Ronald y al escucharlo se dio cuenta que allí estaba la salvación. El tema “Un Rayo De Sol” pasó a ser la canción del verano en 1970, cosa que Los Brincos lograron con “Lola” en 1967, Los Canarios en 1968 con “Ponte De Rodillas”, seguidos de Formula V y “La Playa, El Sol, El Mar, El Cielo Y Tú” y en 1969 Los Payos y su “Maria Isabel” Ya aquí comienzan una carrera abiertamente declarada música de verano, aunque en ocasiones incursionaron dentro la música social. En la otra cara del sencillo estaba “Una Mañana”. Cabe destacar que el compositor de lo que Los Diablos titularon “Un Rayo De Sol” finalmente cobró sus ganancias e incluso continuo colaborando con ellos de una manera bien estrecha.
Después del éxito logrado, comenzaron a recorrer toda España y los escenarios se abarrotaban como nunca antes; pero para los críticos la música y las letras de Los Diablos eran sencillas, falta de calidad y llena de estribillos repetitivos: pero ellos argumentaban que su música era fresca y divertida.
Si algo a favor tuvieron ellos es que sus producciones eran hechas con mucha calidad junto al buen uso de las voces, cosa que los llevo a ser un grupo de superventas, además ya eran otros años, pues la música progresiva se imponía sobre el pop de los 60.
En 1970 también grabaron otros temas como “Cantar Y Cantar”y “Oh, Oh Nada Mas”.
En el año 1971 reaparecieron nuevamente con su estilo y editaron “Fin De Semana”, que significó otro disco de oro, en la otra cara aparecía “Me Conformare”.
“Manda Christmas” y “Cara Al Viento” fue otro sencillo editado ese mismo año.
Agustín siempre fue la figura central, pues marcaba el grupo por su desenfado y alegría.
En 1972 Los Diablos vuelven a la carga esta vez con “Oh, Oh, July” que les daría su tercer disco de oro. En la otra cara “Feliz Cumpleaños”, mas tarde llegarían “Niña De Papa” y “El Tiempo Pasa”. Este año también aparece un larga duración con temas editados anteriormente.
Al siguiente año repiten el éxito en esta oportunidad con temas con “Mi Talismán” y “Me Voy, Me Voy”, seguido de otro sencillo que aportaba “Lazos De Amistad” y “Samba Eaio”.
Las canciones de Los Diablos independientemente de ser un grupo con canciones de verano o tal vez por eso, lograron que gustasen por igual a los padres y a los hijos lo que los convertía en un grupo familiar.
En 1974 “Acalorado” y “Cuarto De Estar” forman parte de nuevo sencillo que fue seguido de “Un Gramo De Felicidad” y “Hey, Hey, Hey”, temas que mantiene a Los Diablos en la competencia musical y les permite publicar otro LPs titulado “Acalorado”.
Entre 1975 y 1977 Los Diablos siguieron dando a luz sus temas alegres, veraniegos y sencillos y durante estos años aparecieron “Rosana” y “Luna De Miel” en 1975, “El Sol Nace Para Todos” y “Ve Y Síguele”en 1976 y finalizando su carrera“Velas Al Viento”, además de varios discos de larga duración recopilando temas anteriores junto a otros nuevos. A estos años pertenecen los LP “Aniversario” y “Que Suene Ya La Banda”.
Los Diablos sabían que para triunfar necesitaban temas propios o inéditos, y esto lo aprendieron en sus inicios cuando realizaban versiones libres de temas extranjeros sin mucho éxito y para eso ya estaban Los Mustang que se habían ganado un puesto realizando ese trabajo y sus versiones eran copias exactas.
En el invierno 1977 cansados de tanto viajar decidieron separarse y cada cual tomo un rumbo diferente.
En 1982 Los Diablos decidieron regresar y recibieron un nuevo contrato, en este caso por la casa Belter, aquí grabaron otros temas y volvieron a la cumbre. Su casa discográfica anterior aprovechó el revival de la música de los sesenta y setenta y su nueva reaparición para editar sus éxitos anteriores. Por supuesto la televisión también reclamó su presencia y de esta forma regresaron a la fama por segunda vez.
Durante los siguientes años continuaron grabando nuevas canciones y ya en los 90 continuaron cuesta arriba.
En 1992, ahora con la compañía Horus, celebraron sus bodas de plata con un nuevo larga duración bajo el nombre de “Los Diablos A Toda Marcha”, que incluía éxitos de verano e invierno. En 1993 otro larga duración “Un Diablo En El Corazón” con nuevos trabajos.
Con fecha de 1995 publicaron otro trabajo, en esta ocasión aparecieron junto a artistas de la época como Peret y cantando “Borriquito”, con Los Payos, “Maria Isabel”, “La Escoba” con Los Sirex, con Tony Ronald “Help”y con Santa Bárbara “Le Llamaban Charly” . El éxito logrado con Formula V en este disco fue tanto que decidieron grabar; pero esta vez juntos como Formula-Diablos y en ocasiones continúan trabajando unidos, pasando de rivales a amigos.
No hay dudas de que a pesar de ser sus temas alegres y sencillos, y de su música ligera en su gran mayoría, económicamente fueron un buen negocio para su productor, el conocido Tony Ronald.
En una ocasión se presentaron en la televisión alemana y Agustín cantó a duo con Julio Iglesias.
Definitivamente ellos están lejos de ser el mejor grupo de música pop en España durante las décadas de los sesenta y setenta; pero lo que si es innegable su gran popularidad a nivel nacional e incluso dentro del publico latinoamericano.
viernes, 16 de julio de 2010
The American Breed
THE AMERICAN BREED:
En el año 1968 con el éxito “Bend me, Shape Me” el cuarteto The American Breed procedente de Illinois logra entrar al tope de las listas de popularidad y llegar al número cinco en las listas norteamericanas.
Inicialmente el cuarteto estuvo formado por Gary Loizzo, líder del cuarteto y vocalista, Charles Colbert Jr en el bajo, Al Ciner en la guitarra y Lee Graziano en la batería Sus origines datan de 1966 y su pronta disolución en 1969 puso punto final a este grupo que se inicio bajo el nombre de Gary & The Nite Lites.
Tras el éxito en 1968 con “Bend Me, Shape Me” del cual lograron ventas por mas de un millón de copias, se suceden cambios en la nomina de la banda y aparecen Kevin Murphy en los teclados y Andre Fischer en la batería. Entre otros trabajos de la banda están en 1967 “Step Out Of Your Mind” y en 1968 “Green Light”. Su disolución fue producto de la partida de algunos integrantes y no poder reemplazarlos rápidamente, entonces Gary decide poner punto final a este capitulo musical.
En el año 1968 con el éxito “Bend me, Shape Me” el cuarteto The American Breed procedente de Illinois logra entrar al tope de las listas de popularidad y llegar al número cinco en las listas norteamericanas.
Inicialmente el cuarteto estuvo formado por Gary Loizzo, líder del cuarteto y vocalista, Charles Colbert Jr en el bajo, Al Ciner en la guitarra y Lee Graziano en la batería Sus origines datan de 1966 y su pronta disolución en 1969 puso punto final a este grupo que se inicio bajo el nombre de Gary & The Nite Lites.
Tras el éxito en 1968 con “Bend Me, Shape Me” del cual lograron ventas por mas de un millón de copias, se suceden cambios en la nomina de la banda y aparecen Kevin Murphy en los teclados y Andre Fischer en la batería. Entre otros trabajos de la banda están en 1967 “Step Out Of Your Mind” y en 1968 “Green Light”. Su disolución fue producto de la partida de algunos integrantes y no poder reemplazarlos rápidamente, entonces Gary decide poner punto final a este capitulo musical.
miércoles, 14 de julio de 2010
Elis Regina
ELIS REGINA:
Elis Regina fue la voz femenina de Brasil más sobresaliente a finales de la centuria de 1900. Nació en Porto Alegre el 17 de mayo de 1945 y su nombre verdadero es Elis Regina Carvalho Costa y cuando se escucha por primera vez es como una revelación, cuando se escucha nuevamente nos percatamos de la pasión en su voz, pues ella logró el total control de la música, tanto en cuerpo como en espíritu, pues lograba cambiar una canción como cambiar el agua por vino, para resumir Elis pudo hacer lo que quiso con su voz y su música.
Elis Regina además de ser un genio, llegó a ser lo mejor de Brasil dentro del mundo musical, pues cambiaba los registros, desde lo mas bajo hasta lo mas alto y una muestra es el tema “Atrás Da Porta”. Otro tema donde ella supo hacer galas de su voz fue “Romaria”.
Su carrera musical comenzó a edad de doce años al aparecer en un espectáculo llamado Clube De Gurí, en el cual continúo apareciendo durante dos años consecutivos y así expandió por todo Brasil su fama y ganado popularidad.
Elis Regina aprendió a manejar su carrera y también a sus músicos y lograba de esta extraordinaria forma manejar todo a su modo.
Durante los difíciles años de dictadura que sufrió el país, se mantuvo alejada del ambiente revolucionario e incluso participo en actos políticos del gobierno donde interpreto el himno nacional, parecía que estaba ajena a los sufrimientos de su pueblo; pero en declaraciones realizadas en el extranjero durante sus giras internacionales, expreso en una oportunidad que el país estaba manejado por guerrillas, lo que hizo pensar que estaba siendo ayudada por algún importante hombre del gobierno. Mas tarde, después de su trágico fallecimiento el 19 de enero de 1982, confeso su esposo que siempre estuvo amenazada de muerte y ella temía por la vida de su familia.
Ella también ayudó a otros intérpretes a comenzar su carrera como al destacado cantante Milton Nascimiento.
En su corta carrera logró grabar veinte discos y su desaparición, tras el uso de las drogas dejo a sus fans atónitos.
Durante la década de los 70 no hubo muestra en su carrera de flaqueo en ningún momento, sino que por el contrario siempre su carrera fue en ascenso y su brillo nunca fue opacado. Su trabajo fue comparado con el Janis Joplin, por la fuerza huracanada de su trabajo; pues daba a los ritmos donde incursiono como el bossa nova, jazz y folk sonoridades nuevas y brillantes y llego a ser la mejor artista pagada de Brasil a la edad de veinte años.
En ocasiones dio pequeñas muestras de rebeldía en contra del militarismo brasileño como cuando interpreto el tema “Arrastao” que ya había sido censurado; pero siempre alejada de los grupos de intelectuales que tuvieron que sufrir el exilio, logro mantener su éxito musical hasta los últimos minutos de su vida, aunque cargando con esa cruz que su pueblo le impuso por su postura política intermedia e indecisa, que tal vez haya sido lo único que ensombreció su carrera, claro sumado al uso de los estupefacientes que pusieron punto final a una voz y a una carrera de oro.
Elis Regina fue la voz femenina de Brasil más sobresaliente a finales de la centuria de 1900. Nació en Porto Alegre el 17 de mayo de 1945 y su nombre verdadero es Elis Regina Carvalho Costa y cuando se escucha por primera vez es como una revelación, cuando se escucha nuevamente nos percatamos de la pasión en su voz, pues ella logró el total control de la música, tanto en cuerpo como en espíritu, pues lograba cambiar una canción como cambiar el agua por vino, para resumir Elis pudo hacer lo que quiso con su voz y su música.
Elis Regina además de ser un genio, llegó a ser lo mejor de Brasil dentro del mundo musical, pues cambiaba los registros, desde lo mas bajo hasta lo mas alto y una muestra es el tema “Atrás Da Porta”. Otro tema donde ella supo hacer galas de su voz fue “Romaria”.
Su carrera musical comenzó a edad de doce años al aparecer en un espectáculo llamado Clube De Gurí, en el cual continúo apareciendo durante dos años consecutivos y así expandió por todo Brasil su fama y ganado popularidad.
Elis Regina aprendió a manejar su carrera y también a sus músicos y lograba de esta extraordinaria forma manejar todo a su modo.
Durante los difíciles años de dictadura que sufrió el país, se mantuvo alejada del ambiente revolucionario e incluso participo en actos políticos del gobierno donde interpreto el himno nacional, parecía que estaba ajena a los sufrimientos de su pueblo; pero en declaraciones realizadas en el extranjero durante sus giras internacionales, expreso en una oportunidad que el país estaba manejado por guerrillas, lo que hizo pensar que estaba siendo ayudada por algún importante hombre del gobierno. Mas tarde, después de su trágico fallecimiento el 19 de enero de 1982, confeso su esposo que siempre estuvo amenazada de muerte y ella temía por la vida de su familia.
Ella también ayudó a otros intérpretes a comenzar su carrera como al destacado cantante Milton Nascimiento.
En su corta carrera logró grabar veinte discos y su desaparición, tras el uso de las drogas dejo a sus fans atónitos.
Durante la década de los 70 no hubo muestra en su carrera de flaqueo en ningún momento, sino que por el contrario siempre su carrera fue en ascenso y su brillo nunca fue opacado. Su trabajo fue comparado con el Janis Joplin, por la fuerza huracanada de su trabajo; pues daba a los ritmos donde incursiono como el bossa nova, jazz y folk sonoridades nuevas y brillantes y llego a ser la mejor artista pagada de Brasil a la edad de veinte años.
En ocasiones dio pequeñas muestras de rebeldía en contra del militarismo brasileño como cuando interpreto el tema “Arrastao” que ya había sido censurado; pero siempre alejada de los grupos de intelectuales que tuvieron que sufrir el exilio, logro mantener su éxito musical hasta los últimos minutos de su vida, aunque cargando con esa cruz que su pueblo le impuso por su postura política intermedia e indecisa, que tal vez haya sido lo único que ensombreció su carrera, claro sumado al uso de los estupefacientes que pusieron punto final a una voz y a una carrera de oro.
martes, 13 de julio de 2010
The Who
THE WHO:
The Who asaltó el mundo del rock en 1965 y lo hizo de una forma muy propia, pues la manera de vestir era muy particular y el escenario donde se presentaban, estaba lleno de baterías y montones de amplificadores, creando un sonido de rock jamás escuchado y se unieron a The Beatles y Rolling Stones en lo que era crear dinastías musicales.
Las canciones eran evocativas, que junto a la manera mod de vestir con la destrucción del escenario y los instrumentos fue algo muy característico en ellos.
El líder y guitarrista Pete Townshend (mayo-19-1945-Chiswik), creó junto al vocalista Roger Daltrey (mar-1-1945-Londres), el bajista John Entwistle (oct-9-1944-Londres) y Keith Moon (agost-23-1947-Londres) en la batería un grupo de larga carrera, que aun en los noventa daba de que hablar.
Sus temas evocaban la rebelión y la excitación de los inocentes de la época, ellos fueron innovativos y supieron crear sonidos de sus instrumentos, que realmente llamaron la atención y junto a la armonía vocal no se detuvieron hasta llegar a la cumbre y al éxito dentro de la música.
The Who en el escenario enloquecía; pero eso no quitaba merito a la calidad y ya en 1966 sus temas se habían consolidado en Gran Bretaña, aunque eran desconocidos en América; pero en 1967 eso cambió y lograron tras presentarse en New York ocupar las listas de éxito a ambos lados del Atlántico, cosa que se mantuvo durante los dos años siguientes. Inicialmente se presentaron con otros nombres; pero finalmente adoptaron The Who y Pete se encargo de componer la mayoría de los trabajos de la banda y de sus álbumes considerados conceptos musicales, aunque también hay que darle crédito a John que también supo crear trabajos que dieron popularidad a la banda. Son pioneros de la llamada opera rock y precursores del punk y britpop. Antes de formar la agrupación sus inegrantes ya habían adquirido cierta experiencia en bandas anteriores, algo que los ayudo a su futuro éxito.
Su primer gran éxito fue “I Can`t Explain” y poco tiempo después apareció “My Generation”, un álbum cargado de sus himnos mod como “The Kids All Alright” y el que da título al disco que se convertio en el himno de la banda. Tras la poca promoción de la casa Decca deciden romper su contrato y en 1966 se destacan con el tema “Substitute”, un trabajo muy conocido de la banda, después llegaron “I`m A Boy”, considerado el primer intento de una ópera rock, seguidos de “Happy Jack” y “Pictures Of Lily” donde demostraba las confusiones mentales y sexuales de la juventud. Su gira por Estados Unidos les sirvió para tomar mayor popularidad y lograr mayor número de seguidores tras sus famosas destrucciones de los instrumentos al finalizar su espectáculos e incluso aparecieron como teloneros de Herman`s Hermits y después del incidente ocasionado en el hotel donde se hospedaban, tras aparecer un carro en la piscina del hotel les fue prohibido regresar a este, hecho que les dio mayos número de seguidores. En 1967 aparece su tercer álbum “The Who Sell Out”, considerado un homenaje a las emisoras piratas de la época y uno de los mejores trabajos del año. De este disco destacaron “I Can See For Miles” y “Mary Anne The Shaky Hand” mencionando el tema de la masturbación.
En 1969 ya se habían establecido internacionalmente y entonces realizaron una gira mundial repleta de éxitos. Este año también vio la luz “Tommy” un álbum doble que fue el primero en contener ópera rock con éxito, complejo trabajo que tanto critica como publico acepto y sirvió para que Townshed quedara consagrado. Los años 1970-1972 fueron de total éxito y de estos días es “The Seeker” y álbum doble grabado en vivo en la universidad de Leeds.
Entonces vino un periodo donde declinaron, tras los intentos de Pete de editar un trabajo demasiado complejo “Lifehouse”; pero después con “Who`s Next” en 1971 y mas tarde apareció su disco de rock-opera "Quadrophenia” en 1973 logran colocarse una vez mas en el tope de las listas de éxito.
Entre 1974 y 1978 la banda presento varios problemas de alcoholismo y depresión hasta que finalmente Moon falleció en 1978 por el uso de drogas para sacarlo de su afinidad con el alcohol, entonces fue sustituido por Kenny Jones; pero no obstante al esfuerzo de la agrupación, la carrera del grupo declinó, hasta que en 1982 el grupo se desbando.
En 1989 el grupo se reforma y realizan un tour por Estados Unidos, al siguiente año fueron incluidos en el hall de la fama del rock and roll. En ocasiones han realizados presentaciones e incluso varias grabaciones. Aun continúan dando que hacer, definitivamente no están retirados y quien sabe hasta cuándo aunque han incluidos nuevos integrantes tras la desaparición de John en el 2002 por un ataque al corazón.
The Who asaltó el mundo del rock en 1965 y lo hizo de una forma muy propia, pues la manera de vestir era muy particular y el escenario donde se presentaban, estaba lleno de baterías y montones de amplificadores, creando un sonido de rock jamás escuchado y se unieron a The Beatles y Rolling Stones en lo que era crear dinastías musicales.
Las canciones eran evocativas, que junto a la manera mod de vestir con la destrucción del escenario y los instrumentos fue algo muy característico en ellos.
El líder y guitarrista Pete Townshend (mayo-19-1945-Chiswik), creó junto al vocalista Roger Daltrey (mar-1-1945-Londres), el bajista John Entwistle (oct-9-1944-Londres) y Keith Moon (agost-23-1947-Londres) en la batería un grupo de larga carrera, que aun en los noventa daba de que hablar.
Sus temas evocaban la rebelión y la excitación de los inocentes de la época, ellos fueron innovativos y supieron crear sonidos de sus instrumentos, que realmente llamaron la atención y junto a la armonía vocal no se detuvieron hasta llegar a la cumbre y al éxito dentro de la música.
The Who en el escenario enloquecía; pero eso no quitaba merito a la calidad y ya en 1966 sus temas se habían consolidado en Gran Bretaña, aunque eran desconocidos en América; pero en 1967 eso cambió y lograron tras presentarse en New York ocupar las listas de éxito a ambos lados del Atlántico, cosa que se mantuvo durante los dos años siguientes. Inicialmente se presentaron con otros nombres; pero finalmente adoptaron The Who y Pete se encargo de componer la mayoría de los trabajos de la banda y de sus álbumes considerados conceptos musicales, aunque también hay que darle crédito a John que también supo crear trabajos que dieron popularidad a la banda. Son pioneros de la llamada opera rock y precursores del punk y britpop. Antes de formar la agrupación sus inegrantes ya habían adquirido cierta experiencia en bandas anteriores, algo que los ayudo a su futuro éxito.
Su primer gran éxito fue “I Can`t Explain” y poco tiempo después apareció “My Generation”, un álbum cargado de sus himnos mod como “The Kids All Alright” y el que da título al disco que se convertio en el himno de la banda. Tras la poca promoción de la casa Decca deciden romper su contrato y en 1966 se destacan con el tema “Substitute”, un trabajo muy conocido de la banda, después llegaron “I`m A Boy”, considerado el primer intento de una ópera rock, seguidos de “Happy Jack” y “Pictures Of Lily” donde demostraba las confusiones mentales y sexuales de la juventud. Su gira por Estados Unidos les sirvió para tomar mayor popularidad y lograr mayor número de seguidores tras sus famosas destrucciones de los instrumentos al finalizar su espectáculos e incluso aparecieron como teloneros de Herman`s Hermits y después del incidente ocasionado en el hotel donde se hospedaban, tras aparecer un carro en la piscina del hotel les fue prohibido regresar a este, hecho que les dio mayos número de seguidores. En 1967 aparece su tercer álbum “The Who Sell Out”, considerado un homenaje a las emisoras piratas de la época y uno de los mejores trabajos del año. De este disco destacaron “I Can See For Miles” y “Mary Anne The Shaky Hand” mencionando el tema de la masturbación.
En 1969 ya se habían establecido internacionalmente y entonces realizaron una gira mundial repleta de éxitos. Este año también vio la luz “Tommy” un álbum doble que fue el primero en contener ópera rock con éxito, complejo trabajo que tanto critica como publico acepto y sirvió para que Townshed quedara consagrado. Los años 1970-1972 fueron de total éxito y de estos días es “The Seeker” y álbum doble grabado en vivo en la universidad de Leeds.
Entonces vino un periodo donde declinaron, tras los intentos de Pete de editar un trabajo demasiado complejo “Lifehouse”; pero después con “Who`s Next” en 1971 y mas tarde apareció su disco de rock-opera "Quadrophenia” en 1973 logran colocarse una vez mas en el tope de las listas de éxito.
Entre 1974 y 1978 la banda presento varios problemas de alcoholismo y depresión hasta que finalmente Moon falleció en 1978 por el uso de drogas para sacarlo de su afinidad con el alcohol, entonces fue sustituido por Kenny Jones; pero no obstante al esfuerzo de la agrupación, la carrera del grupo declinó, hasta que en 1982 el grupo se desbando.
En 1989 el grupo se reforma y realizan un tour por Estados Unidos, al siguiente año fueron incluidos en el hall de la fama del rock and roll. En ocasiones han realizados presentaciones e incluso varias grabaciones. Aun continúan dando que hacer, definitivamente no están retirados y quien sabe hasta cuándo aunque han incluidos nuevos integrantes tras la desaparición de John en el 2002 por un ataque al corazón.
Umberto Tozzi
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UMBERTO TOZZI:
Desde pequeño su pasión siempre fue la música y tenia sentimiento por la interpretación al extremo que a la edad de dieciséis años se integro a un grupo musical llamado Off Sound de tendencia rockera, aunque con anterioridad había sido guitarrista del grupo acompañante de su hermano Franco. En 1974 con logra su primer éxito “Un Corpo Un`anima” que finalmente resulta ganadora en Canzonissima y se convierte en ídolo en Italia, su país y más tarde en toda Europa.
En el año 1976 aparece “Lo Camminero”, en 1977 con “Ti Amo” se sitúa entre los primeros de las listas y en 1978 con “Tu” logra excelentes resultados. Dos años mas tarde con “Gloria” acapara la atención mundial y llega a lo más alto de su carrera y en 1982 cuando la ya fallecida Laura Branigan grabó el mismo tema el nombre de Umberto Tozzi se esparció por todo el mundo con una fuerza tal que aun hoy resuena en los oídos.
Su estilo se sitúa dentro de los baladistas italianos donde se encuentran Franco Simone, Ricardo Cocciante y Giani Bella, lo que le permite participar en el festival de Viña Del Mar y aunque no recibe el éxito y los aplausos esperados, continua sus triunfos en Europa cantándole al amor y en 1987 aparece en Eurovisión, alcanzando el tercer lugar junto a una nueva figura de la canción italiana, este mismo año se alza con el triunfo en San Remo y en 1988 aparece en el Royal Albert Hall.
Sus trabajos han mantenido la misma línea y calidad; pero en Latinoamérica el reconocimiento no ha sido total y sus temas no se han escuchado más de este lado del Atlántico; pero sus éxitos en Europa se han mantenido y muestra de ello es su nueva aparición en San Remo en el 2000 y sus ventas de mas de 45 millones de discos vendidos.
Umberto Tozzi nació en la ciudad italiana de Turín el 14 de marzo de 1952.
Desde pequeño su pasión siempre fue la música y tenia sentimiento por la interpretación al extremo que a la edad de dieciséis años se integro a un grupo musical llamado Off Sound de tendencia rockera, aunque con anterioridad había sido guitarrista del grupo acompañante de su hermano Franco. En 1974 con logra su primer éxito “Un Corpo Un`anima” que finalmente resulta ganadora en Canzonissima y se convierte en ídolo en Italia, su país y más tarde en toda Europa.
En el año 1976 aparece “Lo Camminero”, en 1977 con “Ti Amo” se sitúa entre los primeros de las listas y en 1978 con “Tu” logra excelentes resultados. Dos años mas tarde con “Gloria” acapara la atención mundial y llega a lo más alto de su carrera y en 1982 cuando la ya fallecida Laura Branigan grabó el mismo tema el nombre de Umberto Tozzi se esparció por todo el mundo con una fuerza tal que aun hoy resuena en los oídos.
Su estilo se sitúa dentro de los baladistas italianos donde se encuentran Franco Simone, Ricardo Cocciante y Giani Bella, lo que le permite participar en el festival de Viña Del Mar y aunque no recibe el éxito y los aplausos esperados, continua sus triunfos en Europa cantándole al amor y en 1987 aparece en Eurovisión, alcanzando el tercer lugar junto a una nueva figura de la canción italiana, este mismo año se alza con el triunfo en San Remo y en 1988 aparece en el Royal Albert Hall.
Sus trabajos han mantenido la misma línea y calidad; pero en Latinoamérica el reconocimiento no ha sido total y sus temas no se han escuchado más de este lado del Atlántico; pero sus éxitos en Europa se han mantenido y muestra de ello es su nueva aparición en San Remo en el 2000 y sus ventas de mas de 45 millones de discos vendidos.
Umberto Tozzi nació en la ciudad italiana de Turín el 14 de marzo de 1952.
viernes, 9 de julio de 2010
Massiel
MASSIEL:
Massiel, Maria De Los Ángeles Felisa Santamaría Espinosa, el verdadero nombre de la cantante, nació el 2 de agosto en la ciudad de Madrid en 1947. Hija de un sastre, que en la década de los 60 se convirtió en representante artístico muy popular, lo que hacia que la casa estuviese frecuentada por artistas y ella también quería ingresar a ese mundo, lo que la llevó a estudiar baile e idiomas; pero mientras tanto acompañaba a su padre en todo momento y decía ser su secretaria, habilidad usada par darse a conocer en el mundo de la farándula, a la vez que se presentaba en varios concursos y se presentaba en actividades de otros artistas en busca de publicidad. Era experta en lograr salir en las fotos. Todo lo de ella apuntaba a la propaganda personal, pensando en su futuro.
Ya a la edad de trece años forma junto a dos amigas de escuela un trío que duro tan solo una presentación en un parque de la ciudad. En 1964, tras finalizar sus estudios de enseñanza media se convierte en secretaria de su padre y por esos días se presenta en el Festival Guapas Con Gafas saliendo triunfadora. De aquí en adelante comienza un camino que ayudada por su madre, terminaría con una grabación que se escucha en el programa Madrugda.
En 1966, exactamente el 29 de abril en un club juvenil se presenta a la prensa y con declaraciones realizadas donde expresaba que era la primera mujer en cantar temas protestas en España, avalándolo con su composición“Di Que No”. Por estos años en Estados Unidos se imponía la llamada canción-folk de la mano de Bob Dylan; pero en España y otros países entraría como canción-protesta por sus letras críticas y contenido social. El trabajo “Di Que No” aparecía firmado por ella y José Luis De Pablo, este ultimo nombre era el seudónimo de Maryni Callejo, Pepe Nieto, José Luis Armenteros y Pablo Herrero. En el verano del mismo año con “Rufo El Pescador”, composición de Manolo Díaz, en el Festival de Mallorca logra un premio de la crítica, alcanzando así un buen escalón.
Hasta aquí todo marchaba a la perfección e incluso tras el premio obtenido la casa Zafiro se interesa por ella y aparece su primera grabación con “Di Que No” y tres temas mas, todos de la mano de la cantante y José Luis De Pablo, “No Se Porque”,” Llueve” y “No Comprendo”. Mas tarde aparece “Y Sabes Que Vi” junto a “Rufo, El Pescador". Finalmente aparecen “El Era Mi Amigo” y “Se Que Ríes Sin Pensar”.
Massiel no perdió tiempo y en 1967 con un nuevo disco donde apareció “Hasta Mañana”, “Las Estrellas Lo Sabrán”, “Ruidos” y el famoso “Rosas En El Mar”, un tema surrealista, extraño; pero de una belleza increíble. Este trabajo de la autoría de su amigo y aun desconocido Luis Eduardo Aute con música pegadiza e interpretación mas que convincente que se convertiría finalmente en lo mejor de su carrera, le sirve para dejar de ser para un publico minorista y pasar a competir con Karina, pero ella lo hacia en esa línea político-social con cierto grado de existencialismo. Este fue un buen año para ella y participa en el cine en dos oportunidades, una junto a Pedrito Rico en “Vestida De Novia” y la segunda del realizador Victor Auz, un musical junto a Bruno Lomas y Micky Y Los Tonys en “Codo Con Codo”.
Junto a todo esto aparece otra grabación donde estaba otro trabajo compuesto por Aute y también de letra algo extraña “Aleluya N° 1”; pero que llego a las listas americanas con la voz de Ed Ames. Del otro lado aparecía “Largo El Camino”.
Ya como abanderada de esa línea político-social dentro de la conocida canción castellana, pues en Cataluña estaba Serrat con su nova canço, continuaría con “La Moza De Los Ojos Tristes” y “Mirlos, Molino Y Sol”, ambas de los hermanos Isasi, trabajos de acertada calidad; pero con una popularidad pobre. Con la ayuda de su padre comienza su internacionalización, primero en el Festival De La Rosa en Roma y después en Chile en Viña Del Mar.
Aun Massiel no sabía lo que le esperaba y el 20 de marzo de 1968 fue localizada en México, con urgencia para que se trasladara a España, pues a la negativa de Serrat de cantar en castellano en el Festival De Eurovisión ella seria la representante de España, según muchos se mal aprende la letra y va a Paris en busca de un vestido Courreges. Finalmente el 6 de abril de 1968 fue el mejor día de su carrera al interpretar con gran brío en el Albert Hall de Londres el “La, La, La” del Dúo Dinámico y ella y su minifalda dieron la vuelta al mundo. Por solo un punto se impuso a Cliff Richard.
Después de la noche triunfal, Massiel fue la cantante mas fotografiada del año y quedó convertida en una heroína. La canción se escuchaba hasta en los espectáculos deportivos y se decían frases de toda índole. Aquí Massiel lograba el punto más alto de su carrera; pero ella deseaba más y se involucra en el cine y el teatro; pero a la misma velocidad que lo logró, fue el descenso, pues tras un matrimonio que finalizó en fracaso su carrera sufrió un descalabro increíble. El público se cansó de ese panfletismo usado en sus letras comprometidas y que no conducían a nada, a la vez que no llenaban ni satisfacían las necesidades políticas de un pueblo dominado por una dictadura.
Entonces, un cambio tratando de renacer artísticamente la conduce a cantar en ingles, realizar versiones del grupo The Beatles; pero no resultó y regresó a su línea de proclamas vagas con letras como “Deja La Flor”, esto no sirvió para mucho y la caída fue inevitable.
Del 68 son también “Only Forever Will Do”, “Sol De Medianoche” y entre 1969 y 1970 aparecen “Amen”, “A Volar” ambas de la autoría de Fernando Arbex y “Canciones” de la pluma de Juan Pardo, trabajos todos que no representaron avance en su carrera, sino que por el contrario ayudaron a mantenerla estancada.
Su álbum de 1972, donde decidida totalmente a cambiar de imagen por el agobio de su triunfo en Eurovisión que ya se volvía contra ella, la hace mirar al siempre difícil Bertolt Brecht, e incluso acompañado con un espectáculo teatral que aun hoy retumba su difusión no la condujo a ningún sitio de importancia, de aquí son “La Balada De Maria Sanders” y “La Balada De La Comodidad”.
La carrera y el triunfo de Massiel no solo sirvió a su ascenso, sino que aquí se abrió una puerta para autores como Luis Eduardo Aute con su línea critica y anticonformista que ha mantenido en la canción.
En 1975 reaparece con “Viva Massiel”; pero un trabajo de poca promoción y al siguiente año estrena casa discográfica, edita dos discos que quedaron estancados, pues a pesar de cierta calidad la pobre promoción no favoreció su difusión y venta. Aquí vale destacar “Lady Veneno”.
La aparición de Massiel en el cine, como en la película “Cantando A La Vida”, la interpretación de rancheras y musicalizar textos de Bertolt Brecht, mas sus temas en francés, inglés e incursiones en otros géneros del arte dan muestra de que es una artista que no se detiene ante nada en la vida. Su arte mas que cantar o actuar es esa búsqueda de lo nuevo y la renovación constante de su carrera, pues para ella no es suficiente el salir al escenario, si no hay cambios en lo que hace. Esto significa que aun no ha terminado y que tal vez aun tenga algo más que ofrecer.
Massiel, Maria De Los Ángeles Felisa Santamaría Espinosa, el verdadero nombre de la cantante, nació el 2 de agosto en la ciudad de Madrid en 1947. Hija de un sastre, que en la década de los 60 se convirtió en representante artístico muy popular, lo que hacia que la casa estuviese frecuentada por artistas y ella también quería ingresar a ese mundo, lo que la llevó a estudiar baile e idiomas; pero mientras tanto acompañaba a su padre en todo momento y decía ser su secretaria, habilidad usada par darse a conocer en el mundo de la farándula, a la vez que se presentaba en varios concursos y se presentaba en actividades de otros artistas en busca de publicidad. Era experta en lograr salir en las fotos. Todo lo de ella apuntaba a la propaganda personal, pensando en su futuro.
Ya a la edad de trece años forma junto a dos amigas de escuela un trío que duro tan solo una presentación en un parque de la ciudad. En 1964, tras finalizar sus estudios de enseñanza media se convierte en secretaria de su padre y por esos días se presenta en el Festival Guapas Con Gafas saliendo triunfadora. De aquí en adelante comienza un camino que ayudada por su madre, terminaría con una grabación que se escucha en el programa Madrugda.
En 1966, exactamente el 29 de abril en un club juvenil se presenta a la prensa y con declaraciones realizadas donde expresaba que era la primera mujer en cantar temas protestas en España, avalándolo con su composición“Di Que No”. Por estos años en Estados Unidos se imponía la llamada canción-folk de la mano de Bob Dylan; pero en España y otros países entraría como canción-protesta por sus letras críticas y contenido social. El trabajo “Di Que No” aparecía firmado por ella y José Luis De Pablo, este ultimo nombre era el seudónimo de Maryni Callejo, Pepe Nieto, José Luis Armenteros y Pablo Herrero. En el verano del mismo año con “Rufo El Pescador”, composición de Manolo Díaz, en el Festival de Mallorca logra un premio de la crítica, alcanzando así un buen escalón.
Hasta aquí todo marchaba a la perfección e incluso tras el premio obtenido la casa Zafiro se interesa por ella y aparece su primera grabación con “Di Que No” y tres temas mas, todos de la mano de la cantante y José Luis De Pablo, “No Se Porque”,” Llueve” y “No Comprendo”. Mas tarde aparece “Y Sabes Que Vi” junto a “Rufo, El Pescador". Finalmente aparecen “El Era Mi Amigo” y “Se Que Ríes Sin Pensar”.
Massiel no perdió tiempo y en 1967 con un nuevo disco donde apareció “Hasta Mañana”, “Las Estrellas Lo Sabrán”, “Ruidos” y el famoso “Rosas En El Mar”, un tema surrealista, extraño; pero de una belleza increíble. Este trabajo de la autoría de su amigo y aun desconocido Luis Eduardo Aute con música pegadiza e interpretación mas que convincente que se convertiría finalmente en lo mejor de su carrera, le sirve para dejar de ser para un publico minorista y pasar a competir con Karina, pero ella lo hacia en esa línea político-social con cierto grado de existencialismo. Este fue un buen año para ella y participa en el cine en dos oportunidades, una junto a Pedrito Rico en “Vestida De Novia” y la segunda del realizador Victor Auz, un musical junto a Bruno Lomas y Micky Y Los Tonys en “Codo Con Codo”.
Junto a todo esto aparece otra grabación donde estaba otro trabajo compuesto por Aute y también de letra algo extraña “Aleluya N° 1”; pero que llego a las listas americanas con la voz de Ed Ames. Del otro lado aparecía “Largo El Camino”.
Ya como abanderada de esa línea político-social dentro de la conocida canción castellana, pues en Cataluña estaba Serrat con su nova canço, continuaría con “La Moza De Los Ojos Tristes” y “Mirlos, Molino Y Sol”, ambas de los hermanos Isasi, trabajos de acertada calidad; pero con una popularidad pobre. Con la ayuda de su padre comienza su internacionalización, primero en el Festival De La Rosa en Roma y después en Chile en Viña Del Mar.
Aun Massiel no sabía lo que le esperaba y el 20 de marzo de 1968 fue localizada en México, con urgencia para que se trasladara a España, pues a la negativa de Serrat de cantar en castellano en el Festival De Eurovisión ella seria la representante de España, según muchos se mal aprende la letra y va a Paris en busca de un vestido Courreges. Finalmente el 6 de abril de 1968 fue el mejor día de su carrera al interpretar con gran brío en el Albert Hall de Londres el “La, La, La” del Dúo Dinámico y ella y su minifalda dieron la vuelta al mundo. Por solo un punto se impuso a Cliff Richard.
Después de la noche triunfal, Massiel fue la cantante mas fotografiada del año y quedó convertida en una heroína. La canción se escuchaba hasta en los espectáculos deportivos y se decían frases de toda índole. Aquí Massiel lograba el punto más alto de su carrera; pero ella deseaba más y se involucra en el cine y el teatro; pero a la misma velocidad que lo logró, fue el descenso, pues tras un matrimonio que finalizó en fracaso su carrera sufrió un descalabro increíble. El público se cansó de ese panfletismo usado en sus letras comprometidas y que no conducían a nada, a la vez que no llenaban ni satisfacían las necesidades políticas de un pueblo dominado por una dictadura.
Entonces, un cambio tratando de renacer artísticamente la conduce a cantar en ingles, realizar versiones del grupo The Beatles; pero no resultó y regresó a su línea de proclamas vagas con letras como “Deja La Flor”, esto no sirvió para mucho y la caída fue inevitable.
Del 68 son también “Only Forever Will Do”, “Sol De Medianoche” y entre 1969 y 1970 aparecen “Amen”, “A Volar” ambas de la autoría de Fernando Arbex y “Canciones” de la pluma de Juan Pardo, trabajos todos que no representaron avance en su carrera, sino que por el contrario ayudaron a mantenerla estancada.
Su álbum de 1972, donde decidida totalmente a cambiar de imagen por el agobio de su triunfo en Eurovisión que ya se volvía contra ella, la hace mirar al siempre difícil Bertolt Brecht, e incluso acompañado con un espectáculo teatral que aun hoy retumba su difusión no la condujo a ningún sitio de importancia, de aquí son “La Balada De Maria Sanders” y “La Balada De La Comodidad”.
La carrera y el triunfo de Massiel no solo sirvió a su ascenso, sino que aquí se abrió una puerta para autores como Luis Eduardo Aute con su línea critica y anticonformista que ha mantenido en la canción.
En 1975 reaparece con “Viva Massiel”; pero un trabajo de poca promoción y al siguiente año estrena casa discográfica, edita dos discos que quedaron estancados, pues a pesar de cierta calidad la pobre promoción no favoreció su difusión y venta. Aquí vale destacar “Lady Veneno”.
La aparición de Massiel en el cine, como en la película “Cantando A La Vida”, la interpretación de rancheras y musicalizar textos de Bertolt Brecht, mas sus temas en francés, inglés e incursiones en otros géneros del arte dan muestra de que es una artista que no se detiene ante nada en la vida. Su arte mas que cantar o actuar es esa búsqueda de lo nuevo y la renovación constante de su carrera, pues para ella no es suficiente el salir al escenario, si no hay cambios en lo que hace. Esto significa que aun no ha terminado y que tal vez aun tenga algo más que ofrecer.
Los Continentales
LOS CONTINENTALES:
Los Continentales, fue otro de esos grupos de efímera vida; pero supuesto a llegar al triunfo debido a la calidad de sus integrantes. El primer trabajo apareció en 1964, aunque su formación data de 1962, aquí destacaron con el instrumental “Don Quijote” que había compuesto Augusto Alguero y ya Los Estudiantes habían publicado; pero ahora el sonido de las cuerdas era mas potente logrando adaptarla al rock. Ellos se apuntaron a esa lista de conjuntos instrumentales que le siguieron los pasos a The Shadows e incluso en España estuvieron considerados fuertes competidores de Los Relampagos, gracias a la magnífica calidad de su guitarrista Alvaro Yebenes. En este disco también apareció “Hava Naguila”, un tema popular israelí que ya otros grupos habían incluido en sus repertorios y cerraban con “El Último Tren Del Espacio”. Ellos no fueron los únicos que corrieron con esa suerte de poca duración pues muchas agrupaciones durante estos años corrieron con igual suerte, en este caso la falta de profesionalismo de conjunto o tal vez más integridad como equipo los condujo a cavar su propia tumba. Su segundo disco trae un sonido de guitarras trepidantes donde destacan con “Espacial” trabajo propio donde incorporan algunos efectos especiales en el sonido. El resto “El Millonario” y “El Barco Del Amor” son versiones de otros instrumentales destacando su dependencia del grupo ingles The Dakotas.
Como músicos fueron magníficos y basta decir que fueron acompañantes de Mike Rios y Karina entre otros.
En 1965 el planteamiento de pasar a ser un grupo vocal, trae la primera deserción en este caso Juan Antonio que es sustituido por José Manuel Rodríguez que entra como bajo y vocalista; pero antes de fin de año es sustituido por Blume como cantante y Gonzalo González en el bajo, este ultimo rápidamente es sustituido por un nuevo componente. Durante 1965 y 1966 sus presentaciones los mantienen bien ocupados, apareciendo en varios certámenes competitivos.
Finalmente aparece su disco apoyado en un cantante, una propuesta nada similar a sus inicios, pues es un estilo pop con canciones románticas, “No Te Vayas” y “Tenme En Tus Brazos”, dos baladas nada sensacionales; pero cabe destacar que buscaban adaptarse a las nuevas corrientes musicales de la época y esas intenciones era lo fundamental de la banda. En 1966 aparecen en el Festival De Conjuntos De Leon logrando llegar a la final; pero no logran salir ganadores, meta que si alcanzan al siguiente año con “Dejala Dormir”, un tema folclórico de la región que ellos llevan a ritmo soul, salpicado de funky, pues el grupo había crecido en número de integrantes e incorporado instrumentos de vientos. Este trabajo es plastificado en un nuevo EP y del otro lado con “Vivo Feliz Como Soy” de buena interpretación vocal y haciendo galas de sus nuevos instrumentos logran ventas destacables; pero problemas internos y con la disquera deciden cerrar este capítulo musical y cada cual toma su rumbo.
Los primeros integrantes de la banda fueron Álvaro Yébenes en la guitarra solista, Rafael Sanhez-Ocaña como baterista, Ángel Arriba guitarra acompañante y Juan Antonio ( Ñique)González en el bajo.
Los Continentales, fue otro de esos grupos de efímera vida; pero supuesto a llegar al triunfo debido a la calidad de sus integrantes. El primer trabajo apareció en 1964, aunque su formación data de 1962, aquí destacaron con el instrumental “Don Quijote” que había compuesto Augusto Alguero y ya Los Estudiantes habían publicado; pero ahora el sonido de las cuerdas era mas potente logrando adaptarla al rock. Ellos se apuntaron a esa lista de conjuntos instrumentales que le siguieron los pasos a The Shadows e incluso en España estuvieron considerados fuertes competidores de Los Relampagos, gracias a la magnífica calidad de su guitarrista Alvaro Yebenes. En este disco también apareció “Hava Naguila”, un tema popular israelí que ya otros grupos habían incluido en sus repertorios y cerraban con “El Último Tren Del Espacio”. Ellos no fueron los únicos que corrieron con esa suerte de poca duración pues muchas agrupaciones durante estos años corrieron con igual suerte, en este caso la falta de profesionalismo de conjunto o tal vez más integridad como equipo los condujo a cavar su propia tumba. Su segundo disco trae un sonido de guitarras trepidantes donde destacan con “Espacial” trabajo propio donde incorporan algunos efectos especiales en el sonido. El resto “El Millonario” y “El Barco Del Amor” son versiones de otros instrumentales destacando su dependencia del grupo ingles The Dakotas.
Como músicos fueron magníficos y basta decir que fueron acompañantes de Mike Rios y Karina entre otros.
En 1965 el planteamiento de pasar a ser un grupo vocal, trae la primera deserción en este caso Juan Antonio que es sustituido por José Manuel Rodríguez que entra como bajo y vocalista; pero antes de fin de año es sustituido por Blume como cantante y Gonzalo González en el bajo, este ultimo rápidamente es sustituido por un nuevo componente. Durante 1965 y 1966 sus presentaciones los mantienen bien ocupados, apareciendo en varios certámenes competitivos.
Finalmente aparece su disco apoyado en un cantante, una propuesta nada similar a sus inicios, pues es un estilo pop con canciones románticas, “No Te Vayas” y “Tenme En Tus Brazos”, dos baladas nada sensacionales; pero cabe destacar que buscaban adaptarse a las nuevas corrientes musicales de la época y esas intenciones era lo fundamental de la banda. En 1966 aparecen en el Festival De Conjuntos De Leon logrando llegar a la final; pero no logran salir ganadores, meta que si alcanzan al siguiente año con “Dejala Dormir”, un tema folclórico de la región que ellos llevan a ritmo soul, salpicado de funky, pues el grupo había crecido en número de integrantes e incorporado instrumentos de vientos. Este trabajo es plastificado en un nuevo EP y del otro lado con “Vivo Feliz Como Soy” de buena interpretación vocal y haciendo galas de sus nuevos instrumentos logran ventas destacables; pero problemas internos y con la disquera deciden cerrar este capítulo musical y cada cual toma su rumbo.
Los primeros integrantes de la banda fueron Álvaro Yébenes en la guitarra solista, Rafael Sanhez-Ocaña como baterista, Ángel Arriba guitarra acompañante y Juan Antonio ( Ñique)González en el bajo.
martes, 6 de julio de 2010
The Allman Brothers Band
THE ALLMAN BROTHERS BAND:
El rock and roll se ha mantenido por largo tiempo dentro de los gustos musicales y ha tenido momentos donde ha renacido con nuevas guías. Un ejemplo de esto fue en 1971 cuando apareció The Allamn Brothers Band.
El debut del grupo en 1969 marcó una nueva era dentro del rock and roll, pues parecía un grupo de un nightclub americano; pero con la elegancia y estilo de los grupos ingleses y con su distintivo sello de armonías instrumentales le dieron un nuevo giro al rock and roll. Están considerados entre los pioneros del rock sureño y sus once discos de oro y cinco de platino son la mayor prueba de su altísima calidad musical. Después de recorrer el sur de Estados Unidos y mostrar sus cualidades en vivo donde eran capaces de ser creativos por mas de 20 minutos deciden grabar su primer álbum, el cual apareció en 1969 y lo titularon “The Allman Brothers Band”, este trabajo tuvo pocas ventas; pero la critica lo recibió muy bien, la mayoría de los temas estaban dentro del clásico blues-rock y el trabajo de mayor fuerza era “Dreams” pero al siguiente año con “Idlewild South”, un trabajo que recibió el apoyo total de la crítica especializada y mejores ventas, pues la duración de los trabajos tenían un tiempo mas factible para la radio y asi logran obtener prestigio y reputación dentro de la música. Las presentaciones en vivo eran realmente atractivas y el trabajo realizado estaba fuertemente marcado por el blues con raíces excitantes. En 1971 aparece un doble álbum grabado en vivo que definitivamente los catapulta a la fama y aquí muestran toda la capacidad de improvisación de la banda; pero a la vez este año les iba a traer una gran desgracia, pues el 29 de octubre de 1971 la trágica muerte de Duane, en un accidente de motocicleta, supuso el fin del grupo; pero en 1972 apareció un disco donde aun el estaba activo y logró llegar al lugar numero cuatro.
El 11 de noviembre de 1972 la desaparición de Oakley en otro accidente de moto a poca distancia de la muerte de Duane, hizo que el grupo se tornara más comercial y en 1973 el nuevo disco se mantuvo por cinco semanas en el hit-parade.
En julio de 1973 se presentaron en un festival de rock en New York; pero para esa fecha el grupo había cambiado su sonido y comenzaron los conflictos de los integrantes, entonces algunos decidieron realizar carreras en solitario.
En 1975 realizaron un tour demostrando la durabilidad del grupo; pero finalmente problemas internos relacionados a las drogas, donde Greeg acordó testificar en contra del grupo hizo que la agrupación se desbandara. Irónicamente este incidente ocurría mientras el disco “Win, Lose Or Draw” llegaba al lugar numero cinco en las listas de éxito.
De aquí en adelante el grupo cambio en varias ocasiones de miembros y desapareció para resurgir mas tarde en la de década de los ochenta y grabar varios trabajos con cambios en sus integrantes con cierta regularidad.
El grupo inicialmente estuvo integrado por Gregg Allman (dic-8-1947-Nashville) como vocalista y se encargaba del órgano, quien por su voz parecía un cantante de un nighclub de la ciudad de Chicago debido a su elegancia y articulación, su hermano Duane Allman (nov-20-1946-Nashville) en la guitarra y lo hacia destilando conocimientos de la música clásica y con riffs al estilo de Eric Clapton y fueron los lideres y estrellas incuestionables de la banda. A ellos se sumaron Forrest Richard (Dickie) Betts (dic-12-1943-West Palm Beach, Florida) también en la guitarra y junto a Duane eran la armonía musical, Raymond Berry Oakley (abril-4-1948-Chicago) en el bajo, Butch Trucks (Jacksonville) en la batería y Jai (Jaimoe) Johanny Johanson (julio-8-1944-Ocean Springs, Mississippi) también en la percusión y de esta manera se convertían en ser de los primeros en incorporar doble instrumentación que junto a Oakley aportaban el ritmo.
El grupo se originó en la ciudad de Macon, estado de Georgia, Estados Unidos
El rock and roll se ha mantenido por largo tiempo dentro de los gustos musicales y ha tenido momentos donde ha renacido con nuevas guías. Un ejemplo de esto fue en 1971 cuando apareció The Allamn Brothers Band.
El debut del grupo en 1969 marcó una nueva era dentro del rock and roll, pues parecía un grupo de un nightclub americano; pero con la elegancia y estilo de los grupos ingleses y con su distintivo sello de armonías instrumentales le dieron un nuevo giro al rock and roll. Están considerados entre los pioneros del rock sureño y sus once discos de oro y cinco de platino son la mayor prueba de su altísima calidad musical. Después de recorrer el sur de Estados Unidos y mostrar sus cualidades en vivo donde eran capaces de ser creativos por mas de 20 minutos deciden grabar su primer álbum, el cual apareció en 1969 y lo titularon “The Allman Brothers Band”, este trabajo tuvo pocas ventas; pero la critica lo recibió muy bien, la mayoría de los temas estaban dentro del clásico blues-rock y el trabajo de mayor fuerza era “Dreams” pero al siguiente año con “Idlewild South”, un trabajo que recibió el apoyo total de la crítica especializada y mejores ventas, pues la duración de los trabajos tenían un tiempo mas factible para la radio y asi logran obtener prestigio y reputación dentro de la música. Las presentaciones en vivo eran realmente atractivas y el trabajo realizado estaba fuertemente marcado por el blues con raíces excitantes. En 1971 aparece un doble álbum grabado en vivo que definitivamente los catapulta a la fama y aquí muestran toda la capacidad de improvisación de la banda; pero a la vez este año les iba a traer una gran desgracia, pues el 29 de octubre de 1971 la trágica muerte de Duane, en un accidente de motocicleta, supuso el fin del grupo; pero en 1972 apareció un disco donde aun el estaba activo y logró llegar al lugar numero cuatro.
El 11 de noviembre de 1972 la desaparición de Oakley en otro accidente de moto a poca distancia de la muerte de Duane, hizo que el grupo se tornara más comercial y en 1973 el nuevo disco se mantuvo por cinco semanas en el hit-parade.
En julio de 1973 se presentaron en un festival de rock en New York; pero para esa fecha el grupo había cambiado su sonido y comenzaron los conflictos de los integrantes, entonces algunos decidieron realizar carreras en solitario.
En 1975 realizaron un tour demostrando la durabilidad del grupo; pero finalmente problemas internos relacionados a las drogas, donde Greeg acordó testificar en contra del grupo hizo que la agrupación se desbandara. Irónicamente este incidente ocurría mientras el disco “Win, Lose Or Draw” llegaba al lugar numero cinco en las listas de éxito.
De aquí en adelante el grupo cambio en varias ocasiones de miembros y desapareció para resurgir mas tarde en la de década de los ochenta y grabar varios trabajos con cambios en sus integrantes con cierta regularidad.
El grupo inicialmente estuvo integrado por Gregg Allman (dic-8-1947-Nashville) como vocalista y se encargaba del órgano, quien por su voz parecía un cantante de un nighclub de la ciudad de Chicago debido a su elegancia y articulación, su hermano Duane Allman (nov-20-1946-Nashville) en la guitarra y lo hacia destilando conocimientos de la música clásica y con riffs al estilo de Eric Clapton y fueron los lideres y estrellas incuestionables de la banda. A ellos se sumaron Forrest Richard (Dickie) Betts (dic-12-1943-West Palm Beach, Florida) también en la guitarra y junto a Duane eran la armonía musical, Raymond Berry Oakley (abril-4-1948-Chicago) en el bajo, Butch Trucks (Jacksonville) en la batería y Jai (Jaimoe) Johanny Johanson (julio-8-1944-Ocean Springs, Mississippi) también en la percusión y de esta manera se convertían en ser de los primeros en incorporar doble instrumentación que junto a Oakley aportaban el ritmo.
El grupo se originó en la ciudad de Macon, estado de Georgia, Estados Unidos
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